Hace unos años en muchas películas de terror eran típicas escenas de cuchillazos por detrás con mucha sangre, seguro que todos recordaréis la famosa película de Alfred Hitchcock, Psicosis, con esa escena mítica en la ducha y esa banda sonora escalofriante que muchos recordaréis.

Pues bien para los amantes de Psicosis y de ese tipo de películas de terror en general, ahora tenemos esta cortina de ducha imitando la escena con su diseño.

Pero es que además no se queda la cosa ahí, se trata de una cortina de ducha musical que incorpora un clip con la banda sonora de la escena de Psicosis en cuestión, con el grito de la chica y todo… Sin duda más de uno se lo pensará dos veces al entrar en la ducha, y es que está claro que no por eso nos vaya a pasar nada, pero no me negaréis que puede dar un poco de repelús.

Si sóis fans de Hitchcock y en especial de esta película y os decidís a darle un toque cinéfilo a vuestro baño, encontraréis esta cortina de ducha a la venta en la tienda online Things You Never Knew Existed a un precio de 19,98 $. Aunque ahora no hay estoc, pero anuncian que estará disponible a partir del 15 de agosto próximo.

Vía Nerd Approved

Etiquetas: baa, decoracion, alfred hitchcock, bandas sonoras, cortina baa

El 12 de septiembre de 2001 el equipo de M. Night Shyamalan debía rodar una de las escenas cruciales de “Señales” (2002), el esperado regreso del director tras sus dos exitazos anteriores. Una prueba ardua, las dos, la de sobrevivir a las expectativas y a un nivel de autoexigencia bien marcado, y el no menor problema de encajar la película en un país, de repente, asolado por la paranoia. Dado que la concepción y el rodaje de la película precedieron a los atentados, no pueden lanzarse relaciones causales entre ambos acontecimientos como sí se hizo con la superproducción, también de tema extraterrestre, de Spielberg, el ídolo de Shyamalan, “La guerra de los mundos” (2004). Por una vez, parecía que el maestro podía haberse inspirado en el alumno aventajado: dos familias sin figura materna que deben huir y esconderse –en ambas, además, hay una pelea en fuera de campo– a causa de una invasión alienígena de la que nunca se explican razones claras. Y con una resolución de igual base científica, lo cual dejó bastante descolocados a quienes, de nuevo, esperaban el súmmum de las sorpresas finales.

Hasta que volví a revisarla, me incluía en esa categoría de los damnificados por la decepción, por una película que se me antojaba capricho de género de un realizador con empacho de cinefilia. Sin embargo, he de reconocer que, ya olvidada la presión mediática del momento –resulta curioso que en nuestro país tuviese una fría acogida crítica y que en Estados Unidos sea la más valorada de Shyamalan–, “Señales” constituye un ejemplar ejercicio narrativo, en lo visual y sonoro, desde luego el más referencial de todos, y por ello el menos original en el enfoque. En la memoria del cineasta debían de circular decenas de títulos durante la redacción del guión y el diseño de los storyboards, empezando por la filmografía de Spielberg: “Poltergeist” (1982) –la televisión como un personaje más–, “E.T., el extraterrestre” (1982) y los campos de maíz que recorren Elliott (Henry Thomas) en ésta y Graham Hess (Mel Gibson) en “Señales” con una linterna por la noche, o “Encuentros en la tercera fase” (1977) y su atmósfera silenciosa, de espera ambigua para quienes no saben si los visitantes son pacíficos o agresivos. (more…)

Compártelo

Entradas relacionadas:

• M. Night Shyamalan y sus orígenes incidentales (1)



• M. Night Shyamalan y los fantasmas (3)



• M. Night Shyamalan y los superhéroes (0)



• Todos amamos a Indiana Jones: "La última cruzada" (6)



• ¿Quién puede rodar a un niño? (0)

Etiquetas: anecdotas, curiosidades, ciencia ficcion, cine americano, directores

Etiquetas: aventuras, años 80, hollywood, personajes, rodajes

Etiquetas: años 90, cine americano, directores, guionistas, alfred hitchcock

Etiquetas: anecdotas, curiosidades, cine americano, directores, guionistas

Etiquetas: cine americano, directores, guionistas, alfred hitchcock, danger

Etiquetas: anuncios, cortometrajes, directores, alfred hitchcock, casino

Médicamente, la acrofobia se define como el temor ante las alturas. Sus síntomas son inequívocos: se resumen en la asfixia. El vértigo posee un mismo cuadro clínico –la falta de aliento-, pero admite una sutil –y morbosa- desviación. No en vano, Hitchock cifró el origen de este, en el cuerpo del fantasma de la siempre voluptuosa Kim Novak. O lo que es igual, el vértigo es la persecución de una obsesión, que nos fascina y asusta a partes iguales. Una obsesión que en nuestro siglo ha adquirido la forma de un espectro. Así el el pavor que nos inunda al quedarnos colgados en medio de la nada, no parece nada al compararlo con el pálpito que nos invita a perdernos en la vorágine de ese vacío.

Aquí las que considero las mejores películas del maestro inglés

1. Vértigo


2. Los pájaros


3. Psicosis


4. La ventana indiscreta


5. Rebeca


6. Recuerda


7. Crimen Perfecto


8. Extraños en un tren


9. Con la muerte en los talones


10. Frenesí

Artículos relacionados

Hitchcock en 1000 fotogramas

Etiquetas: curiosidades, alfred hitchcock, kim novak

Este thriller del irrelevante Fred Walton peca (nunca un término resultó tan apropiado) de tal indefinición en su planteamiento que resta efectividad a una trama a priori interesante. La película pretende serlo todo, un thriller de ambiente gótico, o cuando menos oscuro, una historia de amor, una crítica social, y un drama personal sobrevenido por la crisis de fe de un sacerdote, y como suele ocurrir en estos casos, termina oscilando torpemente entre los ambientes tétricos de inspiración religiosa al estilo de El exorcista de William Friedkin (1973) y la tormenta de la culpa de Yo confieso de Alfred Hitchcock (1952).

La película nos presenta los sucesivos crímenes cometidos en la parroquia católica del Santo Redentor, en Detroit, que tienen como nota común la personalidad de las víctimas, todos ellos religiosos, y la marca del asesino, un rosario de cuentas negras entrelazado en las manos de los cadáveres. El padre Koesler (Donald Sutherland) intenta ayudar a la policía, más aún cuando sospecha que uno de los fieles que acuden a su horario de confesionario es el “asesino del rosario”.

Con algunos momentos de intriga bien conseguidos, algún que otro susto y un clímax logrado, las mayores virtudes de la película giran en torno al aprovechamiento del fenómeno religioso católico, sus ritos e iconografías como vehículo para el misterio y para crear atmósferas que predispongan a lo siniestro (como las profanaciones, por ejemplo), sufriendo por el contrario el conjunto de falta de originalidad y, sobre todo, del abuso de situaciones ya descritas con anterioridad y que llegan al colmo del absurdo en el repentino e ilógico enamoramiento entre el sacerdote y la periodista, una mezcla que lejos de ser efectiva se resiente de que el director no haya apostado en exclusiva por una vía concreta.

FICHA TÉCNICA
Título: The Rosemary murders
Año: 1987
Duración: 105 minutos
País: Estados Unidos
Director: Fred Walton
Reparto: Donald Sutherland, Charles Durning, Roger Angelini, Anita Barone, B. Constance Barry, Belinda Bauer, John Danelle, Keith Brooks, Bethany Carpenter
Guión: Elmore Leonard y Fred Walton sobre la novela de William X. Kienzle
Música: Don Sebesky y Bobby Laurel
Fotografía: David Golia
Producción: First Take / Rosary Take One

Etiquetas: criticas, alfred hitchcock, anita barone, asesinos serie, belinda bauer

Etiquetas: cine web, entrevistas, alfred hitchcock, fran

Etiquetas: vertigo, cine, alfred hitchcock, literatura inglesa, fox

En esa actividad que muchas revistas de cine establecen como habitual, la de confeccionar listas de las mejores películas de cada género, uno siempre acaba con la impresión de que siempre hay gente que sabe más de casi todo. Decía Homer Simpson “sé muy poco de casi nada”. La verdad es que uno, personalmente, considera que el tema de las listas es tan sumamente personal como la ropa interior, y además es -o debería ser- tan azaroso, casual o fortuíto que hay que coger el tema con pinzas.

Aquí va, de todas formas, la lista de las mejores 100 películas de la historia confeccionada para la ocasión por Times Online. Algunas ausencias memorables, elecciones discutibles y sorpresas que oscilan entre lo grato y lo directamente sorprendente (¿‘Pozos de ambición’?). Abajo van las diez primeras, pinchad para ver la lista completa.

10- ‘El Padrino’. La presencia de Coppola se hacía necesaria, y aunque uno preferiría haber visto en este puesto ‘Apocalipse Now’, la película protagonizada por Marlon Brando es el icono de su director.

9-¡Olvídate de mí!. Sorprende por su modernidad la presencia del juguete de Michel Gondry, antes de su correcta ‘Rebobine, por favor’. Una bella historia de amor finiquitado con final dulce, una brillante visualización de la memoria y los recuerdos con un sorprendente Jim Carrey y una bella Kate Winslet intentando saber si quieren olvidar o no su relación. Inclasificable, bella, alucinada…

8-‘El crepúsculo de los Dioses’. Historia sobre Hollywood con ese guionista fracasado que narra su propia historia una vez que ésta le ha finiquitado. Este detalle, luego tomado por ‘American Beauty’, le sirve de sorprendente artificio narrativo al clásico de Billy Wilder para firmar un desolador retrato de la decadencia de una estrella del cine mudo situando, afilado y mordaz y que acerca al espectador al contraste entre la realidad que produce los sueños de las películas.

7-’Kes’. La película que dió a conocer a Ken Loach, director de ‘El viento que agita la cebada’ o ‘Mi nombre es Joe’. El tono abiertamente social del inglés ya se predice en este título temprano, que es uno de los que más sorprenden en la lista.

6-’Vértigo’. Hitchcock desarrolla aquí sin concesiones sus obsesiones, en este título que forma parte de esa trilogía de oro que incluye ‘Los pájaros’ y ‘La ventana indiscreta’. El manierismo visual de su director materializó a la perfección un clásico nada clásico, cine en estado puro y una obsesión sexual de primera, la que tiene el James Stewart de la película.

5-‘El Resplandor’. Stanley Kubrick se paseó por el género de terror y adaptó una novela de Stephen King sorprendiendo a propios y extraños en su momento. Hoy, la película está mucho más valorada e incluye una interpretación tan hilarante y terrorífica de Jack Nicholson, en un material que Kubrick supo llevara su territorio, la soledad del individuo. Horror interdimensional de turbio final y una sobresaliente utilización del espacio, en ese hotel que aprisiona a sus personajes.

4-‘Chinatown‘. Chinatown es una verdadera pasada, un clásico moderno del cine negro que ya es clásica de por sí, con un Jack Nicholson inolvidable, un guión de esos que los expertos llaman “de hierro”, y una muestra de sofisticación, buen gusto y amor al policiaco sin más divagaciones.

3-‘E.T. El extraterrestre’. Una grata sorpresa para el que esto suscribe, la maravilla dirigida por Steven Spielberg se merece este puesto en representación de toda la trayectoria de su director, con varios títulos merecedores de tal posición.

2-‘Pozos de ambición’. El film de Paul Thomas Anderson sorprende en esta segunda posición, por su reciente estreno aunque no por su calidad. Me pregunto que opinarán los que no crean que Orson Welles no ve su versión de la vida de Charles Foster Kane entre las tres primeras…

1-‘Casablanca’. El paradigma del cine clásico dirigido por Michael Curtiz es, junto a ‘Ciudadano Kane’, la película que sin duda más listas encabezaría. Nada malo cabe decir de un título considerado perfecto, tan mítico como intocable.

Etiquetas: curiosidades, alfred hitchcock, billy wilder, jack nicholson, jim carrey

Un antipático publicista neoyorquino (abominable, como casi siempre, Colin Farrell) sufre la extorsión de un lunático francotirador (voz en off de Kiefer Sutherland, realmente lo mejor de la película) mientras se encuentra utilizando una cabina telefónica; si se le ocurre cortar la comunicación, disparará y acabará con él. Esta es la premisa de un guión de Larry Cohen que permaneció más de veinte años durmiendo el sueño de los justos en un cajón de un estudio de Hollywood. Y bien podría haberse quedado en él hasta que alguien discurriera qué poder hacer con el resto de la película y los personajes y no terminar estropeando como Joel Schumacher una buena idea con torpezas reiteradas en este producto de bajísimo presupuesto rodado en doce días.

Porque la película presume de una profundidad, de un mensaje con contenido trascendente que no tiene. Lo único con algo de gracia ocurre dentro de la cabina: determinadas fases de la conversación, la voz de Sutherland, la cara de caguetas de Farell (sin mérito alguno ya que es un actor que se limita a pasear una única cara por casi todas sus películas, siguiendo el estilo interpretativo “Brad Pitt actor’s studio”)… Lo demás, innecesario, prescindible, superfluo. La supuesta solidez de la historia no es más que una sarta de incoherencias e insensateces acumuladas, sin lógica, verosimilitud ni sentido alguno, y la estética de la película sigue la estela marcada por la MTV en una especie de videoclip de algo menos de hora y media, brevedad que es también una de las mejores notas de la película.

Pensando en esta trama como propia de un capítulo de Alfred Hitchcock presenta, cabe preguntarse qué hubiera hecho un genio de verdad con este planteamiento y la conclusión parece obvia.

FICHA TÉCNICA
Título: Phonebooth
Año: 2003
Duración: 82 minutos
País: Estados Unidos
Director: Joel Schumacher
Reparto: Colin Farrell, Kiefer Sutherland, Forest Whitaker, Katie Holmes, Radha Mitchell
Guión: Larry Cohen
Música: Harry Gregson Williams
Fotografía: Matthew Libatique
Producción: Fox 2000 Pictures

Etiquetas: criticas, alfred hitchcock, cine, colin farrell, forest whitaker

Como cada año, el American Film Institute, cuyos trabajadores deben de ser los más afortunados del mundo porque sólo parecen dedicarse a recoger votos sin que en el recuento salgan vencedores y vencidos; dicha institución, decía, acaba de sacar a la luz su enémisa lista. En esta ocasión pretenden clasificar lo mejor del cine comercial estadounidense del siglo XX en diez apartados, olvidándose de importantes géneros como el musical y dando importancia a otros menores, aunque bien queridos en su país, como el cine de tribunales, si es que una etiqueta así puede llegar a sonar bien. Las elegidas, tan tópicas como insorteables en cualquier clasificación que se precie, ofrecen poco margen de debate, ya que los listados del AFI se repiten anualmente con escasas variaciones. En el cine de animación encabeza “Blancanieves y los siete enanitos” (1937), y la siguen otras nueve películas de la factoría Disney y Pixar, con la sola mención de “Shrek” (2001), de la Dreamworks.

En comedia romántica, despunta una opción clásica, “Luces de la ciudad” (1931), seguida por los títulos más significativos de Cukor, Wyler, Capra… Meg Ryan y “Harold y Maud” (1971), una cinta que fue repudiada en su estreno por los mismos críticos que ahora la aplauden. En cuanto al western, la primera es, cómo no, “Centauros del desierto” (1956), junto a lo más destacado de Hawks, Peckinpah, Eastwood o George Stevens, aunque entre ellas se cuele… ¡“La ingenua explosiva” (1965)!, una de esas comedias de saloon al servicio de Jane Fonda. En deportes, un género que sólo saben cultivar los norteamericanos, prima “Toro salvaje” (1980) antes de variadas cintas de boxeo, ciclismo, equitación, billar, fútbol, béisbol y baloncesto. Porque es inglesa, de otro modo no se entiende que “Carros de fuego” (1981), a pesar de que se trata de una infumable película, no esté entre las favoritas de los especialistas.

Del thriller, Hitchcock gana por cuatro películas incluidas en el top ten, la primera de ellas, “Vertigo” (1958), que además es noticia por su cincuenta aniversario. Entre damas misteriosas y halcones robados, se cuelan un Lynch, un Polanski y un Bryan Singer. El género fantástico les sirve de batiburrillo para las cintas de categorías no incluidas, pues bien dispares son “El mago de Oz” (1939), en el primer puesto, y “Big” (1988), en el décimo. La inclusión más sorprendente es la de “El señor de los anillos: La comunidad del anillo” (2001), a pesar de que fue la tercera entrega de la saga la ganadora del Oscar® a la Mejor Película, síntoma identificativo de los dudosos métodos para premiar y compensar a las producciones. En la ciencia ficción no peca de originalidad el encabezado de “2001: Una odisea del espacio” (1968), a pesar de que aún continúe despertando posturas dispares, antes de los típicos Ridley Scott, Spielberg, Lucas y, ¡sí!, “Regreso al futuro” (1985) y “Terminator 2: El juicio final” (1991).

El trono del género negro continúa ocupado por los dos Padrinos, amén de Scorsese, Raoul Walsh y Tarantino. Eso sí, los especialistas continúan prefiriendo el “Scarface” de Hawks al de Brian de Palma. El ya mencionado cine de tribunales —aunque la mayoría de los ejemplos pudiesen encuadrarse en la ciencia ficción—, con “Matar a un ruiseñor” (1962) en primer término, abarca juicios de índole militar o criminal. Sorprende en la relación de títulos “Kramer contra Kramer” (1979), más melodrama que otra cosa. Y, para finalizar a lo grande, el género épico contabiliza películas que hacen honor a su nombre hasta en el formato apaisado: “Lawrence de Arabia” (1962) precede a otras nueve larguísimas epopeyas, también bélicas —“La lista de Schindler” (1993), porque había que incluirla y no sabían dónde— y románticas —“Titanic” (1997), esa superproducción de la que todos reniegan como un familiar indeseado—. La lista completa del AFI, además de información adicional sobre cada título y declaraciones al respecto de conocidos cineastas e intérpretes, puede consultarse en su web oficial.

En las imágenes: Imagen promocional de “Blancanieves y los siete enanitos” - Copyright © 1937 Walt Disney Pictures. Todos los derechos reservados. Fotograma de “La ingenua explosiva” - Copyright © 1965 Columbia Pictures Corporation. Todos los derechos reservados. Fotograma de “Terminator 2: El juicio final” - Copyright © 1991 Canal , Carolco Pictures, Lightstorm Entertainment, Pacific Western y T2 Productions. Todos los derechos reservados.

Compártelo

Entradas relacionadas:

• Todos amamos a Indiana Jones: "La última cruzada" (6)



• Arquetipos (II): El gángster, la moneda y el vaso de leche (5)



• Aquí huele a muerto (pero Saul Bass resucita) (1)



• Fallece Stan Winston, padre de criaturas alienígenas y fantásticas (0)



• M. Night Shyamalan y los extraterrestres (4)

Etiquetas: animacion, aventuras, ciencia ficcion, cine negro, comedia

Los protagonistas están interpretados por excelentes y míticos actores clásicos. Existe una química especial entre Ingrid Bergman y Cary Grant, su romance comienza muy rápido, con apenas dos escenas, ya que lo importante no es cómo se enamoran sino todo lo que ocurre después.

Están maravillosos en esas secuencias en las que al estar en público no pueden hablar claramente pero sus miradas lo dicen todo.

La sencillez y sutileza de esta película se mezcla con una maestría en el manejo de la cámara y la acción en todo momento, con esa escena memorable en la fiesta en la que vemos un plano general que se va acercando hasta llegar a un primer plano de la mano cerrada de ella en la que sólo nosotros y ella sabemos que se encuentra la llave.

Y cómo no hablar de la madre de Alex Sebastián, ese personaje tan hitchcockiano que a veces recuerda a la inquietante Mrs. Danvers de Rebeca. Otra madre dominante y celosa en un film de Hitchcock, es un tipo de personaje que también podemos ver en Los Pájaros por ejemplo. Pero en la cima de las películas que desarrollan esta idea está, por supuesto, Psicosis.

En el libro “El Cine Según Hitchcock” en el que el director conversa acerca de todas sus películas con François Truffaut, Alfred Hitchcock cuenta lo siguiente:

Estas palabras del director expresan lo que para él representaba el Mc Guffin y porqué en esta película la trama de los nazis alemanes y el uranio no está apenas desarrollada.

El Mac Guffin fue un término inventado por Hitchcock y es algo que sólo un genio podría hacer, reinventó la manera de hacer cine ya que lo que para los demás era lo más importante de la película para él era una mera anécdota que ni siquiera merecía la pena desarrollar.

Todo lo que pueda decir de Encadenados no le hará justicia porque es otra de las grandes obras de Hitchcock, de esas películas que apetece ver un fin de semana por la noche para desintoxicarse del panorama cinematográfico actual y recibir una lección magistral de cine.

Etiquetas: criticas, clasicos, suspense, intriga, alfred hitchcock

Hace poco hablábamos de la ausencia casi absoluta de celebraciones por el  50 aniversario de “Vértigo” (1958), la obra maestra de Alfred Hitchcock. Otro aniversario del director inglés, los 45 años de “Los pájaros” (1963) —tras un vergonzoso homenaje fotográfico de Latina Magazine y otro más digno de Vanity Fair—, no lo ha pasado por alto la marca de juguetes Mattel, que pretende conmemorarlo con una edición especial de Barbie caracterizada a lo Tippi Hedren, a la venta el próximo otoño. Supongo que con “Vértigo” han preferido no hacerlo, no sea que los articulables caigan en manos de un pervertido de la talla de James Stewart en la película… Para la protagonista de “Los pájaros”, en lugar de las cursis mascotas de las que se hace acompañar la muñeca rubia, esta vez tiene prendidos tres pajarracos negros que acosarán a nuestra Tippi particular por los siglos de los siglos en la estantería o vitrina de turno —aunque le falte una expresión más terrorífica y su mirada vítrea parezca sacada de su partenaire en la película, Rod Taylor—.

No es la primera vez que Mattel aprovecha motivos cinematográficos para rascar el bolsillo de los coleccionistas —¿serán cinéfilos-deuvededistas agotados, o barbierianos clásico-compulsivos?—. En su catálogo ya han incluido Barbies y Kenes conmemorativos de “Grease” (1978) —les falta John Travolta, aunque ya es bastante muñeco en la vida real—, “Mary Poppins” (1964), “Alicia en el país de las maravillas” (1951) —si bien parece Alicia pecaminosa en otro territorio menos inocente—, o la famosa teleserie estadounidense “I love Lucy” (1951). La broma cuesta entre 40 y 180 dólares, frío dinero a cambio de que la muñeca más superficial del mundo inmortalice los aspectos más fetichistas de clásicos de culto.

En la imagen: Detalle de la Barbie-Tippie Hedren conmemorativa del 45 aniversario de “Los pájaros” - Copyright © 2008 Mattel. Todos los derechos reservados.

Compártelo

Entradas relacionadas:

• Aquí huele a muerto (pero Saul Bass resucita) (1)



• 100 películas para 10 géneros y un siglo, según el American Film Institute (1)



• ¡Feliz no cumpleaños! ¿Cómo que 'no'? (Primer semestre 2008) (1)



• M. Night Shyamalan y los extraterrestres (4)



• Todos amamos a Indiana Jones: "La última cruzada" (6)

Etiquetas: aniversarios, anecdotas, curiosidades, hollywood, personajes

La reciente aparición de la edición de lujo de esta película es una ocasión como otra cualquiera para acercarse a ella. Si todavía no la has visto, te estás perdiendo esa película por la que De Palma aún sigue siendo declarado en cada película el mejor imitador de Hitchcock.

Y lo mejor es que aquí, ese parecido es la base de la historia. El director y Paul Schrader fueron a ver Vértigo al cine juntos. Tras la película, decidieron hacer algo parecido pero dándole una vuelta de tuerca a la historia. O más bien, llevándola por otros derroteros, eliminándole ese elemento de cuento que tiene la película de Hitchcock y bajándola al mundo real, al de los estafadores, los empresarios sin escrúpulos y los rencores familiares. ¿Y cómo voy a criticar yo a De Palma por hacer eso si es lo que a mí se me pasa por la cabeza cada vez que veo algo que me gusta? La visión de algo extraordinario hace que se despierte en mí una irrefrenable capacidad de crear que… no llega a ninguna parte, pero que ahí está. Así que entiendo perfectamente a estos dos.

Está claro que Vértigo es el referente más claro de Fascinación. Pero si rascamos un poco más podemos encontrar referencias a Rebeca (esa casa con la presencia de la mujer muerta que pesa como una losa), Psicosis (cuando a la hora de elegir un entre una pluma o una tijera para matar, elige esto último: una referencia un poco leve, pero referencia al fin y al cabo) o directamente que Bernard Herrmann sea el autor de la música. Al igual que en Vestida para matar, la suma de partes no cae en el pastiche y se convierte en algo con entidad propia. Si desde el principio estás con la tontería de “bah, esto no es más que la historia de Vértigo” no vas a disfrutar nada de nada. Porque es verdad que hay muertos que aparecen (o resucitan), hay represión sexual, hay confusión entre lo que es real y fantasía, pero también hay una historia que te mantiene en vilo hasta final, en la que sospechas cosas pero que no te atreves a decirlas, en la que pasas del amor al odio y otra vez al amor por cada personaje y en la que todo encaja en tu cabeza a la vez que en la pantalla.

Tan solo un par de cosas negativas: De Palma abusa, para mi gusto, del filtro de suavizado (que consigue el mismo efecto, para entendernos, que la media en la cámara de Sara Montiel), que le sirve para distinguir las diferentes épocas en las que transcurre la película. No hacía falta exagerarlo tanto. Y la otra, la elección del protagonista: expresividad 0%. Todo eso por supuesto es infinitamente compensado por todo lo anterior y dos detalles más: un plano de 360º en el cementerio que sirve al director para hacer una elipsis temporal y que visto hoy, sigue siendo igual de bonito y la escena final del aeropuerto, ejemplo perfecto de cómo colocar al espectador en la diatriba de tener que elegir un personaje al que salvar y no saber qué hacer.

Etiquetas: cine, alfred hitchcock, bernard herrmann, brian palma, cliff robertson

Uno de los ejercicios más estériles y absurdos es la confección de listas de “lo mejor de”, esas compilaciones de títulos, autores, intérpretes, géneros o años con las que de vez en cuando nos acogotan para decirnos lo que es bueno o malo, generalmente con criterios puramente subjetivos, si no arbitrarios, y que suelen dejar fuera gran parte de las obras que pretenden categorizar, de forma que, al igual que sucede con los periódicos, lo que no cabe en ellas, simplemente, no está, no existe.

El American Film Institute, especialista en editar cada cierto tiempo una de estas listas con las mejores películas de toda la Historia (o sea, de ciento y poco años), casi en exclusiva cintas de origen norteamericano (con el fenomenal banco de pesca que supone, casi tan maravilloso como lo que se deja fuera), ha vuelto a editar una de esas estúpidas clasficaciones, esta vez consagrando las diez mejores películas de cada género cinematográfico.

Las agraciadas esta vez con la inmortalidad de aparecer en semejante despropósito (como si les hiciera falta) son Centauros del desierto (John Ford, 1956) como mejor western de todos los tiempos, Luces de la ciudad (Charles Chaplin, 1931), como mejor cinta romántica, 2oo1, una odisea del espacio (Stanley Kubrick, 1968), como mejor obra de ciencia ficción, Lawrence de Arabia (David Lean, 1962), como mejor filme épico, El Padrino (Francis Ford Coppola, 1972), como mejor historia de gángsters, Vertigo (Alfred Hitchcock, 1958) vence en la categoría de cine de misterio, Blancanieves (Walt Disney, 1938) en animación y Matar un ruiseñor (Robert Mulligan, 1962) en la de juicios y tribunales. Aparentemente hecha con todo rigor, la lista despierta el más puro y lógico escepticismo cuando vemos que en la categoría de deportes la ganadora ha sido… ¡¡¡ Toro salvaje (Martin Scorsese, 1980) !!!

En resumen, otro ejercicio gratuito, absurdo e innecesario. Porque, por poner un ejemplo, Centauros del desierto tiene forma de western, sí. Pero, ¿acaso no es mucho más que eso?

Etiquetas: curiosidades, noticias, 2001, alfred hitchcock, animacion

El Museo de de Arte Moderno de Nueva York (MoMA) en su muestra Dalí, Paintings & Films, analizará la relación del pintor con el cine a través, tanto de las películas en las que colaboró, como de sus pinturas y dibujos, fotografías y textos.

La relación de Dalí con el cinema fue fundamental para la idea que tenía el pintor de la modernidad. Dalí colaboró en con directores importantísimos como Luis Buñuel, Alfred Hitchcock o Walt Disney, y crearon escenas memorables de la historia del cine.

La muestra consta de un centenar de piezas y además se proyectaran películas como la surrealista Un chien andalou (1929) de Luís Buñuel, Spellbound (1945) de Hitchcock, Destino (2003) el cortometraje de animación de Disney, o Impressions de la haute Mongolie (1976) , dirigida por el propio Dalí.

La exposición ya estuvo en Tate Modern de Londres, en Los Angeles County Museum of Art (LACMA) y en el Salvador Dalí de Sant Petersburg (Estats Units). La inauguración en el MoMa tuvo lugar el pasado 24 de junio y estará abierta al público desde el 29 de junio hasta el 15 de septiembre.

Aquí podéis ver la escena onírica del film Spellbound, traducido en España como Recuerda, de Alfred Hitchcock, en la que se ve claramente la colaboración de Dalí.

Etiquetas: cine autor, noticias, varios, alfred hitchcock, dali

Finalmente he podido ver la guia de programacion de TCM para este mes de Julio y esta muy buena, solo que no se porque el 1º de Julio lo que decia la guia no fue lo que transmitieron, pero de resto espero que todo este correcto.

Aqui les hago algunas recomendaciones de lo que no se pueden perder segun yo.

1. “A Philadelphia Story” con Cary Grant y Katharine Hepburn, es una comedia muy pero muy buena… la transmitiran el 5 de Julio a las 12:00am

2. “Kismet” en realidad nunca la he visto pero tiene muy buena critica y si es un musical de MGM entonces ha de ser increible. 7 de Julio a las 12:30pm

3. “Anchors Aweigh” con Gene Kelly y Frank Sinatra, esta es sin duda mi recomendacion numero 1 del mes porque esta en el top 5 de mis peliculas preferidas, es un poco larga pero es bien entretenida y no se arrepentiran de haber pasado mas de 2 horas frente a la tele viendola, especialmente cuando Gene Kelly baila con el raton Jerry. 9 de Julio a las 12:30pm

4. “The Birds” si son fans de las obras de Hitchchock esta es una que no pueden perderse, si no la han visto no volveran a ver los pajaros de la misma manera. 10 de Julio a las 8:30pm

5. “Easter Parade” maravilloso musical con Judy Garland y Fred Astaire, espero que todos lo hallan visto en Semana Santa porque es un clasico de ese tiempo (aunque no es pelicula de Semana Santa como tal), no se la pierdan el 15 de Julio a las 12:30pm

6. “Mr. Blandings builds his dream house” con Cary Grant, esta es una de mis peliculas favoritas de el porque me he reido tanto con las desgracias que le pasan al pobre hombre solo por querer tener la casa de sus sueños. 18 de Julio a las 12:30pm

7. “Arsenic and old lace” de nuevo con Cary Grant… es una pelicula de humor negro muy cruel y muy loca pero definitivamente vale la pena verla. 22 de Julio a las 12:30pm

8. “Kiss me Kate” con Ann Miller es una obra dentro de otra obra… en fin, tiene numeros musicales muy buenos como “tom, dick or harry” y el vestuario de Ann me fascina. 25 de Julio a las 12:30pm

9. “Bringing up baby” y de nuevo Cary Grant y Katharine Hepburn en una comedia que involucra toda clase de locuras desde un leopardo hasta la carcel y un esqueleto de dinosaurio. 25 de Julio a las 2:25pm

Para los amantes de la obra de Alfred Hitchcock no olviden todos los sabados y domingos a la 1:30pm la serie “Alfred Hitchcock Presents”, pasan 2 capitulos de media hora cada uno y se basan en cortos creados por el mismo Hitchock en los cuales a veces participan los mismos actores de sus peliculas como John Gavin o Cary Grant.

Para ver la programación completa del canal entren a su sitio web: www.tcmla.com

Disfruten del mes de Julio

Old Fashioned Girl

Etiquetas: old movies, alfred, anchors, anclas, ann