Del 18 de Julio al 20 de Agosto se encuentra abierta para todo el público que lo desee una exposición de óleos del pintor marteño José Domínguez. La Sala de Exposiciones se encuentra en la Av. San Amador, 86, Bajo. El horario de apertura es de Lunes a Viernes de 10h a 13.30h y de 17h a 21h.

Recordemos un poco la figura de José Domínguez: Natural de Martos, sus inclinaciones artísticas se manifestaron ya desde su infancia e irán tomando forma y concepto a lo largo de su vida, configurando el estilo inequívocamente personal que hoy nos llega. Es miembro de la Asociación Astística y Cultural “Tucci”. Aparece en varias publicaciones entre las que se encuentran “Faro 2000″, “Crítica del Arte”, el libro “Aproximación a las Artes Plásticas en el umbral del siglo XXI”, en la revista cultural “Universo de las Artes de Francia”, etc.

Ya en Martos al Día hace más de 1 año se publicaron una serie de fotos de sus pinturas y que podéis ver pinchando en este mismo enlace. Galería de Fotos con sus cuadros.

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He visto en Domestika que enlazan hasta la web de Aido, empresa sin ánimo de lucro que ha elaborado un jugoso pdf con bastantes cosillas relacionadas con el mundo diseñil. Desde teoría de materiales y tintas hasta normativas aplicables.

Su carácter gratuito hace al documento más apetecible todavía. Le faltaría quizá un apartado que contase realmente cómo enviar archivos a imprentas y similares porque de ese tema no he visto nada
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Llega la segunda edición de Cines del Sur, la cita anual que tenemos los granadinos con un cine distinto y a contracorriente, un cine proveniente de latitudes lejanas y desconocidas por estos lares. Durante diez días, tendremos la oportunidad de ver películas chinas, hindúes y de otros países del Lejano Oriente. Películas magrebíes y africanas. Cine sudamericano, más allá de las comedias argentinas que han llegado a nuestras pantallas en los últimos años.

Llega Cines del Sur cargado de exotismo, colorido y sonoridad. Un festival que, en este segundo año, afronta dos retos fundamentales. El primero, conquistar al público. A través de la cartelería y los anuncios en prensa, ese elefante que se nos ha plantado en mitad de la Alhambra es un inmejorable reclamo para unos espectadores que tenemos una inmejorable ocasión de demostrar que, en Granada, hay ganas de ver otro cine diferente al que estamos acostumbrados. No porque no nos guste el cine comercial y palomitero, sino porque no sólo de Indiana Jones y Jack Sparrow vive el cinéfilo.

Hace falta, pues, que Cines del Sur suene. Que se cuele en las conversaciones, en los bares y en las tabernas. Que sea motivo de debate en los pasillos de las facultades y en las cafeterías universitarias. Que consiga imponerse como una cita ineludible para apuntar en rojo en la agenda, igual que ocurre con el Festival de Música y Danza, por ejemplo.

Ahora bien, para llegar a la gente, es necesario ofrecer un producto de calidad. Ya sabemos que el cine africano y el hindú no pueden competir en glamour con un Donosti y sus Conchas o siquiera con un Festival de Cine Español de Málaga. Pero propuestas tan serias como la de Valladolid, alejándose de la farándula, del ruido y la furia mediáticos, se ha convertido en una cita imprescindible del calendario fílmico-festivalero continental, merced a una programación exquisita en que se puede ver buena parte de las mejores producciones presentadas en los certámenes de medio mundo.

En la primera edición de Cines del Sur se proyectaron películas para todos los gustos y, junto a producciones excelentes, hubo otras menos afortunadas y algunas, incluso, indigeribles. La sección oficial a concurso fue muy desigual y cosechó bastantes aplausos, pero también se produjeron puntuales deserciones en masa de la platea del Isabel la Católica que resultaron preocupantes.

Cines del Sur, lo sabemos y así lo asumimos, es una cita arriesgada y valiente que nos presenta películas distintas, contadas de forma diferente a las habituales y en las que la imaginación y la creatividad de sus equipos artísticos han de compensar la generalmente ausencia de grandes presupuestos.

No podemos esperar, pues, secuencias de acción trepidante, efectos especiales y digitales a mansalva o repartos con actores y actrices de campanillas. Sí queremos ver, sin embargo, historias atractivas, guiones solventes y propuestas fílmicas que, siendo diferentes, vayan más allá del exotismo de su puesta en escena y la belleza de los paisajes. Queremos películas comprometidas, películas que nos muestren cómo se vive en otras partes del mundo, películas que hablen de sentimientos, esperanzas, deseos y frustraciones. Películas que, durante diez días, permitan a Granada convertirse en una ventana abierta a los muchos mundos que el en el mundo hay, más allá de los sempiternos y habituales.

Cines del Sur tiene que ser un escaparate, vivo y palpitante, a lo que pasa en los rincones más recónditos del planeta, gracias a un puñado de cineastas que, con sus cámaras, contribuyen a que la globalización tenga un sentido diferente al habitual. Cines del Sur tiene que ser un canto a la diversidad, propiciando una mirada alternativa al mundo en que vivimos. Tiene que servir para borrar fronteras, acortar distancias y, a través del cine, propiciar un mayor conocimiento y comprensión de culturas.

Con ese fin nació Cines del Sur y esperamos fervientemente que todo ello se vaya consiguiendo, hasta lograr que el Festival se convierta en un oasis permanente de cultura alternativa, en esta Granada que tan necesitada está de ello.

Jesús Lens Espinosa de los Monteros.

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África es, posiblemente, el continente que con más fuerza cautivó al polaco y, por eso, Cines del Sur nos presenta una magistral exposición de fotografías que, bajo el título de “Ryszard Kapuscinski. África en la mirada”, ha sido brillantemente comisariada por Mariano Maresca.

A través de estas sugerentes imágenes, el periodista nos muestra rostros, miradas y expresiones de algunas de esas personas anónimas con quiénes se encontró a lo largo de los años en que vivió en África. Su objetivo: el encuentro con el otro, el descubrimiento de los seres humanos. Por eso, la gran protagonista de esta exposición es la mirada que nos devuelven esas personas sin nombre, pero de enorme entereza y gran dignidad. Miradas alegres, tristes, pícaras, airadas, enfebrecidas, orgullosas, rendidas. Miradas que cuentan historias. Miradas que transmiten sensaciones. Miradas que provocan la curiosidad del espectador, le generan incertidumbres, le suscitan dudas, le despiertan interés.

Exactamente igual que ocurre con la película “Viaje imperfecto”, realizada por el propio Kapuscinski junto al director Haile Gerima, en la que se cuenta el viaje que ambos emprendieron entre las ciudades etíopes de Gondar y Adis Abeba, a la caída del régimen comunista.

La película-documental fue presentada por Mariano Maresca y por Taysir Alouny, periodista de la cadena Al Jazzera. Hablando sobre el trabajo de los corresponsales de prensa, Maresca recordaba el título de un libro mítico del escritor polaco: “Los cínicos no sirven para este oficio”. Alouny no podía sino sonreír, recordando a ciertos compañeros de profesión a los que el consejo les habría venido muy bien. Porque, en la guerra, sostuvieron ambos presentadores, la primera víctima es siempre la verdad. “Sobre todo desde que las superpotencias decidieron matar al mensajero”, ironizó Alouny, quién recordó a algunos compañeros suyos, asesinados impunemente en Afganistán e Irak y a otro, detenido en Guantánamo durante siete años.

En su película, Kapuscinski y Gerima van deteniendo el coche en que viajan en diversos lugares, buscando el encuentro con personas distintas. Primero, un grupo de jóvenes de las montañas que, para ir a clase, han de caminar durante dos horas. Y, aún así, fían todo su futuro a la educación.

En el tercer bloque temático de “El viaje imperfecto”, los directores hablan del trágico legado de la Guerra Fría en África y se hacen una pregunta: ¿puede el futuro romper con el pasado? Profesores e intelectuales tratan de dar una respuesta que, por lo general, es negativa. No es fácil romper con un pasado que ha provocado muerte, sembrado odio y quebrado la confianza de millones de personas. Y, por eso, al presente le cuesta tanto trabajo abrirse camino entre sus rescoldos. Porque, como señala una de las entrevistadas, una clarividente chica de treinta años, la paz no es sólo acabar con la guerra, sino terminar con el hambre, la pobreza, las enfermedades y la desigualdad.

De todo ello nos ha dejado Kapuscinski un inmejorable ejemplo, en un imprescindible legado literario, fotográfico y documental que Cines del Sur hace muy bien en recuperar y reivindicar.

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A los Duendes gamberros, malotes y sinvergüenzas, me refiero. Porque en los periódicos sigue habiendo otros Duendes. Buenos, en este caso. Duendes dotados de una creatividad sin límites, de una imaginación sin igual y de una profesionalidad rayana en la perfección.

Para los colaboradores externos en prensa, sobre todo para los achantados tecnológicos de formación literaria y querencia por las letras, lo que hacen estos Duendes es un auténtico milagro.

Estamos en casa, trabajando con el portátil en un artículo sobre esas secuencias de cine que ya forman parte de nuestro acervo cultural, sentados en nuestra terraza, consultado nuestros libros, tirando de memoria y dándole duro al Youtube. Terminamos de juntar un puñado de miles de palabras, las repasamos, creemos que han quedado bien, pero siempre nos asaltan las dudas. ¿Habremos metido demasiados nombres? ¿Habrá mucha farfolla? ¿No se harán cansinas e indigestas para el lector? Abrimos el programa de mensajería electrónica, le adjuntamos el archivo a un mensaje que enviamos al periódico y nos tumbamos en el sofá a leer un libro, tan ricamente.

Entonces llega el día. Vas al quiosco bien de mañana, compras IDEAL, llegas a las páginas de Vivir y... ¡el milagro ha vuelto a ocurrir! Tus palabras se han convertido en un fastuoso reportaje de dos páginas en que Charlot, atrapado en un rollo cinematográfico, te mira mientras, por detrás, varias de las películas sobre las que tú has escrito, aparecen reflejadas en forma de fotograma.

¡Qué idea, convertir la máquina dentada de “Tiempos modernos” en un rollo de cine, provocando un juego visual de lo más atractivo e interesante! Como otra vez, cuando escribimos de libros cortos que se leen en un rato, mientras esperas el autobús o antes de dormir, y los Duendes jugaron con las cubiertas de un libro y las manecillas del reloj de una estación de tren.

Personalmente, me gustan los ordenadores y la nueva publicación a través de Internet, me encanta esto del Blog, poderle poner vídeos y música a las entradas, etcétera. Pero sigue siendo un placer inigualable eso de abrir las páginas de un periódico y descubrir que tus palabras, por arte de magia, se han convertido en una maravillosa doble página que invita a la lectura y a la contemplación.

Por eso, quiero dedicar estas palabras a los Duendes que, con su trabajo diario, obran ese milagro en las páginas de IDEAL. Son tres. José Santos, Carlos Valdemoros y María Ayllón. Tres Duendes buenos, profesionales, imaginativos y creativos que convierten un puñado de folios emborronados en una preciosa y obligatoria invitación a lectura.

Muchas gracias, amigos. De corazón.

Jesús Lens Espinosa de los Monteros.

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Inquietantes instantáneas las de Joshua Hoffine, fotógrafo que se dedica a retratar escenas creadas por él con gran trabajo de postproducción y que son bastante macabras, sin llegar a lo desagradable ya que tienen un cierto aire a película de terror. Cualquiera de sus fotos podría ser perfectamente la escena de una película de terror de última ornada, capta perfectamente el miedo y el horror.

Enlace: Joshua Hoffine | Vía: IdeaFixa

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1999.- 400 aniversario del nacimiento de Diego Velázquez. La colección la componen dos bellas reproducciones de sendos cuadros que se encuentran expuestos en el Museo del Prado de Madrid obra del genio sevillano de la pintura, Diego Velázquez.

El primer sello de la colección es el cuadro que pinto en el año 1644. Oleo sobre lienzo de unas dimensiones de 106×81cm. Podemos destacar el bellísimo colorido de la obra que Velázquez consiguió con los carmesíes, verdes, dorados, blancos y azules, sin duda una de las mejores obras de su última etapa pictórica. Se encuentra en el Museo del Prado.

El protagonista del retrato es Don Sebastián de Morra que fue bufón del infante D. Fernando y más tarde formaría parte del servicio del príncipe Baltasar Carlos, permaneció a su servicio hasta su muerte.

El segundo sello lleva como titulo “Una Sibila“, Velázquez consigue plasmar en el lienzo una bellísima imagen de una mujer que podría tratarse de su mujer Juana Pacheco. Esta obra se realiza en uno de sus primeros viajes a Italia, podemos fechar el cuadro entre los años 1630-32. Sus pinceladas son más sueltas que en cuadros anteriores, los colores que emplea son claros y con más luminosidad, lo que nos indica que su evolución sigue adelante en sus trabajos.

• 35p: El bufón don Sebastián de Morra.
• 70p: Una Sibila.

• Image & Art
• Biografías y Vidas
• tierra
  

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Mira que teníamos sospechas al respecto, y resulta que era verdad, bueno mentira… era mentira que fuera verdad. Vamos, que el ‘dibujo más grande del mundo‘ realizado por Erik Nordenankar es más falso que el liderazgo de Rajoy en el PP. Lo ha venido a confirmar DHL, la empresa que supuestamente aportó la tecnología para la ‘proeza’: “es un proyecto totalmente ficticio”.

En otras palabras:

“Una portavoz de la compañía ha asegurado que permitieron [a Nordenankar] grabar en su almacén de Estocolmo para un proyecto de estudios, pensando que la grabación jamás iría más allá de la escuela de bellas artes. El equipo GPS nunca fue enviado alrededor del mundo”.

Si ya decíamos el otro día que se coge antes a un photoshopper que a un cojo, ¿qué decir de un gpsdrawer? En finss, con lo bonito que le había quedado el vídeo.

Aunque, claro, esto de los fakes y los hoaxes no es cosa de la modernidad, ni aún menos de Internet. Y, si no, fíjate en lo que acaba de descubrir National Geographic: que el antiguo cráneo de cristal del imperio azteca expuesta en el Museo Británico ni es tan antiguo ni tan azteca. Se trata de una obra realizada a finales del siglo XIX. Qué cosas.

Gracias, Alex.

• Se coge antes a un photosopper… (4)
• El mayor pincel del mundo es un GPS (2)
• Fútbol callejero, ¿destreza o fake? (8)
• Cómo fabricar bolas de fuego ‘inocuas’ (1)
• National Geographic explica el hoax del esqueleto gigante (9)
• UOL publica una ‘fake’ sobre el accidente de avión de Sao Paulo (5)
• El ‘nuevo’ vídeo de Bin Laden es de hace más de 5 años (2)
• ‘Cowboy’ de tiburones (9)
• El sexo del arte, el arte del sexo (4)
• Apple Mac iKea (1)

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Desde China no sólo nos llegan cuentos y cosas baratas, también nos ha llegado su cultura y en particular su cultura deportiva basada en las Artes marciales. Muchas veces vemos escenas en películas donde algún héroe chino hace maravillas con su cuerpo demostrando gran  agilidad y un deslumbrante dominio de sí  mismo.

Ni muy «muy», ni tan «tan»: debemos estar conscientes que siempre en los filmes, las cosas no son como en la realidad y muchas de las proezas no dejan de ser buenas tomas o simples trucos. Debemos destacar sí, que en especial desde China la práctica de las artes marciales se desarrolla desde la infancia  como parte de la construcción del ser humano. Recordemos cómo era la sociedad de Esparta dedicada en la formación de sus varones para la guerra, quienes debían someterse a un estricto régimen de adiestramiento.

En este caso nos referimos a un arte marcial que ha ido ganando terreno en comparación con sus pares, se trata del Tai Chi, una disciplina que apunta más al desarrollo de la integración cuerpo/mente y el equilibrio personal, que a la defensa personal. Como todas las artes su origen es ancestral y esta rodeado siempre de grandes y complejas historias de sus inicios y de su difusión.

En los días de hoy, la práctica de esta disciplina es muy popular en Occidente, siendo uno de los motivos el hecho de que no importa cuál sea nuestra edad, nuestra condición física o limitaciones ya que por sus características y exigencias, es apta para que la practique un amplio rango de población.  Se destacan en ella las secuencias de  unión de la conciencia con el movimiento corporal, la flexibilidad, continuidad, suavidad y firmeza que en su conjunto nos hará sentir mayor armonía y serenidad.

Fuente: es.wikipedia.com| Imagen: bbc.co.uk

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Hoy, en IDEAL, una doble página de esas cuya escritura resulta ser un sueño, no en vano, te “obligan” a repasar algunas de las secuencias cinematográficas que más te han impresionado en tu vida como cinéfilo... Caben muchas más, pero creemos que estas son imprescindibles... ¿o no? Barba de varios días, tocado con sombrero y con el látigo en el cinto, la imagen del intrépido Indiana Jones es una de las figuras que los aficionados tenemos grabada a sangre y fuego en nuestro particular imaginario cinéfilo. Sea corriendo desesperadamente mientras una enorme piedra redonda le persigue, a punto de aplastarle, sea disparando al amenazador contrincante que hace una espectacular demostración del uso de la espada frente a él; el intrépido arqueólogo interpretado por Harrison Ford se ha convertido, por derecho propio, en un icono de la cultura popular gracias, fundamentalmente, a secuencias como las descritas. Hay películas que han pasado a la historia del cine, más allá de por haber ganado el Oscar o por haber reventado las taquillas –que también –por albergar secuencias memorables que, de inmediato, quedan fijadas para siempre en la retina del espectador. Secuencias espectaculares que justifican, por sí mismas, el pago de la entrada del cine. Secuencias que, por su potencia, su simbolismo, su capacidad de anticipación y evocación o por el virtuosismo con que fueron filmadas; siguen dando que hablar, pasados los años. La cortina de una bañera, la hermosa Janet Leigh bajo el agua, una presencia amenazante que abre la puerta, un cuchillo y la desgarradora música de Bernard Herrmann hicieron de la secuencia de la ducha de “Psicosis”, dirigida por Alfred Hitchcock, una de las más famosas y celebradas de la filmografía de un director famoso por conseguir que la mayoría de sus películas albergaran auténticos tour de forces magistrales, como la secuencia del avión que persigue a Cary Grant en “Con la muerte en los talones” o la parafernalia musical que rodeaba el intento de asesinato del final de “El hombre que sabía demasiado”. El cine de terror ha sido terreno abonado para las secuencias más impactantes y sobrecogedoras. Dejando aparte las interminables y cada vez más insulsas sagas de Viernes 13, Freddy Krueger y alrededores; las repulsivas imágenes de Linda Blair, la niña de “El exorcista”, vomitando sobre el padre Merrin o girando la cabeza 360 grados mientras insultaba a los sacerdotes que intentaban expulsar al demonio de dentro de ella, siguen provocando pesadillas a millones de personas de todo el mundo. Como impactante era la aparición del voraz extraterrestre que surgía del interior de las tripas de John Hurt en “Alien, el octavo pasajero”. Una secuencia espectacular en cuya filmación, el director Ridley Scott utilizó dos litros de sangre y dos kilos de tripas de animal, para dotar de crudo realismo visceral a uno de los momentos cumbres de la película interpretada por Sigourney Weaber. En principio, se pensó en utilizar cuatro litros de sangre que saldrían a borbotones del cuerpo de Hurt, accionados por un dispositivo explosivo, pero al director le pareció excesivo y lo dejó en la mitad. Otra película mítica de la ciencia ficción tiene una secuencia que ha pasado a los anales como la elipsis más radical de la historia del cine. Estamos en África, en los albores del tiempo. Amanece. El sol aparece por encima de un extraño monolito que ha aparecido en la falda de una montaña habitada por un grupo de simios. Uno de ellos coge el hueso de un animal muerto y, mientras la música de Wagner suena en un electrizante in crescendo, empieza a golpear el resto de despojos que yace sobre el suelo. El simio ha descubierto una herramienta. O un arma, como inmediatamente se podrá comprobar, cuando se vea atacado por un grupo de simios rivales. Tras aporrear al contrario con el hueso, convertido en mazo letal, enfervorizado, lo arrojará al cielo y, mientras cae, se convertirá en una nave espacial que, al son del Danubio Azul de Strauss, gira entorno a la tierra. La evolución del ser humano, en un puñado de fotogramas majestuosos. Otra secuencia fascinante que aúna la música de Wagner con objetos voladores es el crudamente operístico, excesivo y barroco ataque de los helicópteros a un poblado vietnamita al son de las valquirias, en “Apocalypse now”, de Francis Ford Coppola. Comandados por el enfermizo Coronel Kilgore, al que dio vida el actor Robert Duvall, tras la masacre perpetrada por la caballería aérea norteamericana, los soldados se echaban a las aguas a hacer surf para, por la noche, organizar una barbacoa como si se encontraran en las playas de California. Uno de los mejores y más perfectamente acabados ejemplos de cómo funciona la política exterior yanqui: conquistando por la fuerza de las armas e imponiendo sus particularidades culturales allá dónde se trasladan. También acontecía en Vietnam la truculenta secuencia de la ruleta rusa en que los personajes interpretados por Robert de Niro y Christopher Walken ponían a prueba una amistad desequilibrada por las torturas sufridas en una prisión del extremo Oriente, al caer prisioneros del Vietcong y ser obligados por sus captores a participar en el siniestro juego de dispararse a la cabeza con una pistola en cuyo tambor había una sola bala. Pero volvamos al universo de Francis Ford Coppola, en cuya trilogía de “El Padrino” hay decenas de secuencias memorables, pero quizá ninguna tan fuerte y tan descriptiva como la de la cabeza del purasangre cortada, tirada en la cama del productor cinematográfico que desairó a Don Corleone. Los gritos de Jack Woltz retumbando en su mansión vacía y la posterior cara del Padrino, charlando con sus hijos y preparando la reunión con El Turco, es uno de los mejores resúmenes de la forma de arreglar los problemas que tenía Don Vito. Expeditivo. Como Harry Callahan, cuya imagen tras un Magum del 44, espetando al delincuente de turno que había tenido suerte de salir con vida después de haberse enfrentado a tan poderosa arma, se relacionaba directamente con esa otra imagen justiciera, personificada en un Robert de Niro desquiciado que, convertido en el insomne “Taxi driver” de Martin Scorsese, se dirigía a un espejo para, armado con una pistola y sintiéndose todopoderoso, enfrentarse a un enemigo imaginario: “¿Me estás hablando a mí?” Después, en la intimidad de nuestra habitación, todos hemos emulado alguna vez a Travis y, por supuesto, hemos conseguido intimidar a nuestro propio reflejo imaginario. Pero si hablamos de Nueva York, es obligatorio referirse a “Manhattan”, de Woody Allen. Antes de mudarse a Europa y sucumbir a los encantos de Londres o Barcelona, el diminuto director judío le dedicó una carta de amor a la Gran Manzana en una película que conseguía captar los matices más íntimos y sensuales de la ciudad, mientras sonaba el clarinete de la mítica “Rapsody in blue”, de George Gershwin, y el puente de Brooklyn aparecía entre las brumas de un glorioso amanecer en el blanco y negro más luminoso jamás filmado. Y ya que estamos en blanco y negro, repasemos tres clásicos del cine que forman parte del acervo cultural del siglo XX. Decenas de años después, la imagen de Chaplin atrapado en los engranajes de una cadena de montaje, en “Tiempos modernos”, sigue siendo la mejor y más poderosa crítica que se ha hecho al capitalismo salvaje desde una pantalla de cine. Y, por supuesto, está el famosísimo camarote de los Hermanos Marx de “Una noche en la ópera”. Todavía hoy, cuando nos referimos a un lugar abarrotado e impracticable, tiramos del célebre habitáculo marxista. ¡Y también un huevo duro! Puro surrealismo. Como surrealista es lo que pasa con la famosa bofetada de “Gilda”. Porque se dice así. La bofetada de Gilda. Lo que podría hacernos pensar que fue ella, la sensual aventurera interpretada por Rita Hayworth quién abofeteaba a Farrell, el buscador de fortunas al que puso rostro Glenn Ford. Y no. En realidad, era Gilda la que, además de hacer un sensual strip tease con un guante, desnudando provocativamente su brazo, recibía un sonoro tortazo por parte del macho viril. Aunque también es verdad que ella le sacudía dos bofetadas y le propinaba unos cuantos puñetazos en el pecho. Pero la bofetada famosa, la bofetada que pasó a la historia del cine y por la cuál “Gilda” se hizo célebre, se la propinó él a ella. CÉLEBRES ALOCUCIONES El cine es imagen. Por supuesto. Pero también, desde que Al Johnson interpretó al cantor de jazz, es sonido. Hemos comentado algunas secuencias que, en parte, son famosas por la música y banda sonora que las acompañan. Pero también hay momentos célebres en la historia del cine basados en las vibrantes alocuciones de los protagonistas de algunas películas. Loa filmes basadas en obras de Shakespeare, en ese sentido, son modélicas. Del “Julio César” de Mankiewicz al “Otelo” de Orson Wells, los discursos y diálogos de estas adaptaciones son grandiosos. Pero, por quedarnos con un ejemplo más cercano, recordemos a Mel Gibson, con la cara pintada de azul, instigando a las tribus escocesas a luchar contra los ingleses, apelando a una palabra mágica: libertad. Un discurso encendido que levantaba a las masas y conseguía enardecer al patio de butacas de los cines en que se proyectaba la película. Y, por supuesto, tenemos que recordar a Escarlata O´Hara, jurando no volver a pasar hambre, en Technicolor, mientras el cielo se teñía de rojo luminoso por la combinación cromática del sol poniente y las nubes lejanas. Como Rojo era el mar que Charlton Heston, transmutado en Moisés para la ocasión, conseguía partir en dos para permitir que los judíos huyeran de la ira del faraón en “Los diez mandamientos”, un puro espectáculo visual de Cecil B. de Mille que, en su momento, causó conmoción. Para la secuencia más espectacular de la película se filmó cómo se vertían en un tanque más de un millón de litros de agua y, después, se proyectaba al revés dicha filmación, lo que creaba la ilusión óptica de que el agua retrocedía ante el poder de Dios invocado por Moisés, para inmediatamente después, ahogar a los soldados egipcios que perseguían al pueblo prometido. Tendríamos que hablar de King Kong en lo alto del Empire State Building, manoteando desesperadamente por evitar las balas con que las ametralladores de los aviones le aseteaban. O al cruel gángster interpretado por James Cagney, en “Al rojo vivo”, invocando a su madre para demostrarle que había llegado a la cima del mundo, antes de volar por los aires. Pero, para terminar, queremos recordar otro célebre discurso pronunciado desde las alturas: el de Pepe Isbert en “Bienvenido Mr. Marshall”, cuando, en el balcón del Ayuntamiento, se afanaba en el deliciosamente célebre “Como alcalde vuestro que soy, os debo una explicación. Y esa explicación que os debo, os la voy a dar...” Pues eso. Que hemos dado un repaso por algunas de las secuencias más recordadas, mentadas, imitadas y comentadas de la historia del cine. Aunque no están todas las que son, pensamos que son todas las que están. Por supuesto, hay muchas más. Pero ésa ya es otra historia... Jesús Lens Espinosa de los Monteros.

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Os pongo una de mis partes favoritas de esta película de Stephen Chow. Si no la habéis visto tenéis que hacerlo porque la película es increíblemente divertida. Además de estar muy bien hecha.

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Epístola II.  Al doctor don Diego de Rueda, arcediano de la Santa Iglesia de Cartagena
Contra las letras y todo género de artes y ciencias. Prueba de ingenio

Prometí a v. m. de ir ayer, a las cuatro de la tarde, a su casa, o por mejor decir, a su museo. No cumplí mi palabra, olvidado de mí mismo; porque me sumergí tanto en la lección de algunos humanistas, que me robaron totalmente la memoria, pervertieron el juicio y casi me despojaron del sentido común. Malditas sean tan malas ocupaciones, que cuestan tan caro al cuerpo y al alma.
Parecerále a alguno que he blasfemado contra las sagradas Musas; no a v. m., que sabe y ha experimentado muchas veces esta verdad. ¡Oh letras! ¡Oh infierno! ¡Oh carnicería! ¡Oh muerte de los sentidos humanos! O seáis rojas, o seáis negras; que de esta manera sois todas. Por lo rojo sois sangrientas, soi

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Este año ve la tercera versión de Creative Spark, una exbibicion que presenta la Universidad de Sheffield Hallam en la que convergen los mejores trabajos finales de los estudiantes de joyería, bellas artes, arquitectura, producción de media, diseño de mobiliario, diseño de productos, diseño de empaques, diseño gráfico y fotografía.

Creative Spark se convierte en una fantástica oportunidad para que los estudiantes presenten lo que han aprendido a familiares, amigos y potenciales empleadores.
La exhibición tendrá lugar del 12 al 19 de junio del 2008, en diferentes locaciones.

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La procrastinación, esa palabreja que tanto se usa ahora, la actividad de aplazar las tareas pendientes hasta el último momento en pos de andar en redes sociales, youtube, flirck y todos los servicios primos que conocemos, que en muchas ocasiones nos agobia pero que muchos son los que afirman que la actividad de procrastinar es fundamental para desarrollar un trabajo creativo.

Sobre todo esto va el corto experimental Procastination de Johnny Kelly, presentado como trabajo de graduación en el Royal Collage of Art y seleccionado en el Jerwood Moving Image Award, uno de los premios más importantes de arte de todos los que se dan en el Reino Unido.

Enlace: Procrastination | Vía: eCuaderno

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Jose Luis Ortega, alias “Taky” tiene 20 años, es de Martos y lleva 7 años componiendo canciones hip hop, los 3 últimos años grabando. Entre sus aficiones la fiesta, las mujeres y el rap. Forma parte del grupo “Martossis” con Nono Camacho, Juanji, Maria…

Aqui os dejo un adelanto con 4 temas de lo que será su próxima maqueta que saldrá próximamente y que se titulará “En el anonimato” y contará con la  colaboración de ixis de Madrid, nela de Alicante, ajflow vizcaflow de Torredelcampo y más gente.

1. Intro


2. El Fin de los mcs


3. Siente el frenessy, con Ajflow


4. Pasotismo completamente

Más información y canciones en myspace.com/eltaky

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Tim y Sue son dos artistas Ingleses de renombre que como en otras ocasiones se nutren de la provocación, con gran versatilidad en sus técnicas y materiales que adaptan a sus objetivos de forma perfecta. Entre los trabajos varios destacan, en especial la galería en la que mostraron una seria de autorretratos mediante la proyección de sombras chinescas conseguidas con la colocación de basura y situando de forma estratégica focos de luz. Esta obra fue su consagración, les lanzó a la fama. Y con razón.

Vía: ONE MAN’S TRASH…

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