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Cine en NYC

Rosa J.C. — Sun, 22 Jun 2008 07:33:32 +0200

Por Rosa J.C. en Rosa J.C. el 22 de junio de 2008 a las 07:33:32

Estuvimos al mismo tiempo y casi en la misma zona, pero no me he visto con Jordi. El miércoles, cuando vuelva a la redacción seguro que comentamos la jugada.

Estos dos días hemos ido a los AMC del Lincoln Center para ver pelis. Primero fue Kung Fu Panda. Nos gustó tanto que nos fuimos a Mc Donald’s para coleccionar el muñequito que te dan con el Happy Meal. Hemos descubierto que las cervezas de aquí nos dan sueños, pero las diet coke consiguen un curioso pedo psicológico. Al abandonar el cine gigantesco, comenzaron las paridas: “A real kung fu panda doesn’t use the revolving door; a real kung fu panda goes throw the glass”.

Me encapriché con Get Smart pronto. De siempre me atrajo el SúperAgente 86, así que no les podía dejar tirados, ni a él ni a su chica, la 99. Película chorra, pero que se mantiene bastante fiel a la serie de Mel Brooks.

De nuevo al término de la función, los diet coke ’side effects’, nos caíamos de risa al ver que aplauden en el cine al acabar las pelis. Chicos, que no están los famosos ahí, en persona, que es una cinta. Además, bailan la musiquita; ok, es de Madonna y Justin Timberlake, pero… ¿no inventaron para eso el iPod? Fuimos al baño y encontramos un sujetador en donde se supone que tenía que estar el papel higiénico…

Mañana intentaré ver si consigo el último encargo para un buen amigo, veremos el partido con Robert y directas al aeropuerto.

Etiquetas: cine

CRITICAS VARIADAS (4)

Ivan aka Imazur2002 — Fri, 27 Jun 2008 17:56:28 +0200

Por Ivan aka Imazur2002 en Ivan Villamel el 27 de junio de 2008 a las 17:56:28

Antes de la llegada de las nuevas producciones a la cartelera del fin de semana, la recuperación de dos breves críticas compartidas en Muchocine.net, dos filmes que sirven de baremo claro sobre lo que suponía antaño la serie B y los derroteros a través de los cuales transcurre el género en la actualidad. "Las ruinas" (2008) y "La isla del fin del mundo" (1974).

Bajo diferentes pautas genéricas dentro del estamento cinematográfico, ciertos creadores parecen poseer una cierta tendencia extrema al cambio radical de argumentos, intenciones e incluso resultados. Solo bajo esa premisa cabe buscarle un cierto razonamiento lógico a que un escritor como Scott B.Smith haya gestado el libreto de la estupenda “Un plan sencillo” (llevada a la pantalla por Sam Raimi con notables resultados) para, a continuación, desarrollar asimismo una nueva adaptación de una de sus propias historias, y hacerlo con resultados tan mediocres, o cuanto menos ligeros.

En esta ocasión se trata de la adaptación de su novela “Las Ruinas”, sobre un grupo de amigos que pasan sus últimas horas de vacaciones en un complejo hotelero en Mexico entre alcohol, sexo y buena temperatura. Cuando un turista alemán les ofrece la posibilidad de adentrarse en plena selva a la búsqueda de una antigua pirámide Maya en la cual se supone que se encuentra el hermano de dicho turista, hacen una fugaz excursión al lugar para aquello de decir que al menos han visto algo de verdadero interés turístico a su vuelta. Lo que no esperaban era que en aquellas ruinas el comportamiento de elementos naturales y la vigilancia agresiva de los merodeadores de la pirámide, que de hecho no les dejan volver al hotel, conviertan su rutinaria excursión en un descenso a los infiernos de un misticismo bastante pasado de rosca.

Desconozco verdaderamente si la adaptación transcurre fiel a los hechos narrados en la novela (espero por el bien del libro que no sea asi), pero lo que resulta de una evidencia aplastante es que estamos ante uno de sus típicos productos que gestiona la maquinaria hollywoodiense bajo los parámetros de un cine de terror de escaso presupuesto y destinado a las plateas juveniles, dirigido con bastante brio (eso si) por el desconocido Carter Smith, que encuentra en la labor visual su mejor aliado (no en vano comenzó su andadura profesional como fotógrafo de moda), demostrando una sugerente fotografía de tonalidades cálidas que sabe transmitir la agonía de los personajes con bastante eficacia. Smith intenta distanciarse en cierta manera de este tipo de producciones similares, pero lo que resulta es un vacuo intento sin la capacidad que pretendía de dotar de trasfondo y profundidad a unos personajes que desarrollan su caracterización de forma muy superficial y desacertada (por supuesto, el mediocre guión, disperso en situaciones comunes y previsibles no ayuda mucho), recurriendo a lugares comunes y tics sobreactuados que denotan una cierta carencia en la dirección de actores.

La capacidad de sugestión que buscaba su director se ve sobrepasada por recursos narrativos que en el mejor de los casos, rozan la decencia del producto intrascendente de serie B, resultando en la mayoría de ocasiones de un bochorno que asusta (la reproducción de sonidos por parte de las flores o la propia conciencia de depredador de las plantas son de una mediocridad que ridiculiza a cualquiera), transcurriendo eso si, bajo un ritmo narrativo bastante ajustado y decente si obviamos la predilección por lo superficial y previsible (ni tan siquiera el tema mitológico está tratado con respeto y veracidad que otorgue un contrapunto de amenaza verdaderamente consistente), o las limitadísimas interpretaciones de ese joven grupo de actores semidesconocidos que sí habían dado alguna que otra muestra de saber moverse ante la cámara con anterioridad.

De nuevo la amenaza del pueblo americano con respecto a otras culturas sobrevuela el relato cual ojos divinos de esencia desinformada y poco respetuosa por momentos con respecto a la realidad de otras sociedades, si en muchos filmes nos quejamos de la actitud imperialista y desinformada del cine americano con respecto a otras culturas (“Hostel”, “Turistas”, etc), no es menos cierto que lo maniqueo no es exclusivo del punto de vista americano, ya que pese a funcionar por momentos en parámetros de denuncia con cierto punto de humor negro con respecto al imperialismo Usa, la versión borrosa de la realidad y los hechos convierte la cinta en el reverso de la misma moneda (la cual por cierto cae del lado que más le conviene por momentos).

Un filme tan entretenido como liviano e intrascendente, una muestra más de producción juvenil de serie B destinada a rellenar tardes de tedio y tiempo libre, sin trascender más allá del producto común y repetitivo, pese a sus esfuerzos por alejarse de un terreno que finalmente acepta transitar.

PUNTUACIÓN : * *

Robert Stevenson vendría a ser aquello que comunmente llamamos un eficaz artesano, a lo largo de más de cuatro decadas, y habiendo finalizado su labor como director en los 70 con una serie de películas auspiciadas por la Disney con el mercado familiar como objetivo, su larga trayectoria ha sido menospreciada sin ningún rubor por historiadores y cinéfilos, achacándole una tendencia al cine de evasión descerebrado sin ningún atisbo de autoría (“Mary Poppins”,la saga del bólido Herbie o producciones de serie B aventurerar). Realmente, y desde la distancia, Stevenson pese a transitar esos terrenos, consiguió con muchos de sus filmes algo que en el cine actual parece desaparecido, el binomio consistente entre entretenimiento y dignidad.

Con “La isla del fin del mundo” alcanzó una nueva cuota de popularidad narrándonos la odisea emprendida por Sin Anthony Ross (Donald Sinden) en compañía del arqueólogo e historiador Ivarsson (David Hartman) con destino al ártico, en una búsqueda ciega por aquellos parajes helados para encontrar al hijo del profesor, desaparecido mientras buscaba un mitológico cementerio de ballenas cuyo tramo final da acceso a una isla perdida en el tiempo y venerada por los locales.

Este argumento da pie a una aventura repleta de peligros y no exenta de cierto humor sutil en los personajes, conscientes probablemente del producto que tenían entre manos, permitiendo un lucimiento carismático de una serie de personajes que comprendían que la esencia del buen cine aventurero de serie B no estaba en los grandes presupuestos y excesos visuales, sino en el buen hacer de un ritmo narrativo que con su privilegiada capacidad enmascaraba cualquier aspecto visual deficiente. Ese indudable capacidad de Stevenson para dotar de un tono camp a esta serie B con ciertos paisajes de cartón piedra es lo que crea la verdadera consistencia de un producto que visto con los años ha ganado mucho dentro del ámbito del cine aventurero para toda la familia.

Poco importan dichas carencias visuales, los anacronismos que permiten la inclusión de puntos argumentales alejados de cualquier realidad histórica o incluso un humor que se detiene con tanta eficacia en conversaciones irónicas (el roce, una vez más, entre la vertiente británica y francesa es maravillosamente divertido) livianas hasta el extremo denotanto un cierto tono televisivo, ya que “L a isla del fin del mundo” forma parte de esa tendencia tan añorada de fomentar lo sueños como un terreno etereo de inimaginables fantasías, la serie B aventurera vista desde los ojos que todo niño llevamos dentro, algo de lo cual deberían aprender producciones venideras de forma inmediata.

Con unos actores realmente divertidos y carismáticos, con el punto exacto entre comedia y aventura, y con unos decorados coloridos hasta el extremo repletos de magia “camp”, nos encontramos ante un filme de serie B con un ritmo narrativo impecable cuyos defectos, lejos de enturbiar el resultado, lo dignifican con aplastante elucubración ensoñadora.

PUNTUACIÓN : * * *

Etiquetas: cine usa, criticas

CARTELES (IX)

Ivan aka Imazur2002 — Mon, 09 Jun 2008 18:55:00 +0200

Por Ivan aka Imazur2002 en Ivan Villamel el 09 de junio de 2008 a las 18:55:00

Los carteles de hoy poseen todos ellos un marcado carácter retro, el primero se trata del fake poster del supuesto filme que quizás un día Rob Zombie se atreva a dirigir sobre nazis y hombres lobos, el segundo se trata de un filme cercano al exploit sobre bandas de moteros, recuperando la esencia de filmes perdidos en décadas pasadas y producido por Tarantino. Para finalizar un poster con aroma claramente retro con respecto a los slashers míticos, aunque en este caso, el filme parece más un filme de terror psicológico más que de sangre gratuita.
En cualquier caso tres posters muy atrayentes (más allá de la calidad final de las producciones).

Etiquetas: frikimovies, cine usa, carteles

CRITICA : "EL INCREIBLE HULK"

Ivan aka Imazur2002 — Sun, 22 Jun 2008 12:54:44 +0200

Por Ivan aka Imazur2002 en Ivan Villamel el 22 de junio de 2008 a las 12:54:44

Amparándose en el supuesto fracaso comercial de la anterior versión realizada por Ang Lee acerca del gigante verde cuya ira convierte su cuerpo en esclavo de las emociones más primarias (un film que por cierto, debería reivindicarse desde ya como lo que es, un notable filme que hablaba de dicho conflicto interno con la precisión de un cirujano de la imagen alejado de toda imposición mercantilista), Marvel tomó la decisión (potenciada además por la creación de su propio sello cinematográfico a partir del cual nos llegarán en próximas fechas adaptaciones de "Thor" o "Capitán América") de crear un nuevo acercamiento cinematográfico a la figura del atormentado científico Bruce Banner y las consecuencias de su exposición a rayos Gamma, potenciando el sentido lúdico y de entretenimiento por encima del psicoanálisis existencialista de la versión propia de Ang Lee.
En esta nueva versión, que parte de la premisa de una pseudosecuela con bastantes licencias argumentales con respecto al anterior filme, nos encontramos con un Bruce Banner (correcta y acertada aproximación atormentada a su personaje) que reside en una de las peores favelas de Brasil, aislado del mundo que anteriormente conocía y haciendo una vida rutinaria mientras controla sus arrebatos de violencia y busca una cura para su exposición. En algún momento cree descubrir un indicio de cura para su problema mediante el contacto con un desconocido científico por la red, algo que junto con el ataque del ejército americano al lugar donde se escondía después de descubrir su paradero por un incidente, le lleva a volver a su hogar natal para solventar las cuentas pendientes. A su vuelta, se encontrará perseguido por los perros de presa del General Thaddeus Ross (algo simplón William Hurt), padre de su gran amada Betty (Liv Tyler). Un ser llamado Abominación será el gran adversario final del alter ego de Bruce, el titán Hulk.

Era de esperar que la elección de un director como Louis Leterrier (creador de dos "perlas" como "Danny the dog" y "Transporter 2") potenciara hasta el extremo el desarrollo de la acción en detrimento del retrato interno de los personajes. Ha sido así de forma evidente y aplastante, pero cabe reconocerle en su honesta propuesta una elección consistente por tratar la historia bajo los parámetros y la esencia del entretenimiento sin coartadas, creando bajo la atención de una puesta en escena bastante clara y concisa, un ritmo narrativo que transcurre con la precisión exacta que requería un producto de estas características. Por contra, la previsibilidad de la historia es palpable en cada uno de sus fotogramas, recurriendo a ese esquema narrativo tan empleado en el cine de acción moderno con superheroes de por medio (pese a que en este caso Hulk se aleja bastante de lo que podríamos considerar un superheroe al uso). Aquel que a través de un planteamiento muy simplista nos muestra el embellecimiento personal del personaje principal mediante su relación con los personajes cercanos en su entorno, que transcurre con un nudo de la acción donde el conflicto interno (habitualmente la intromisión de un personaje femenino para crear reacciones dubitativas en el personaje principal) se enfrenta al conflicto externo que altera la paz y el devenir futuro del heroe (la aparición del alter ego en forma de villano), para finalizar la historia con la victoria de la bondad y los buenos sentimientos (comprensión ajena de los conflictos internos que anteriormente provocaban miedo y distanciamiento a nivel global).
Dicha previsibilidad es lo que perjudica claramente, una vez más, el resultado final de la obra, mostrando carencias considerables a la hora de distanciarse de un esquema mil veces repetido, algo especialmente denunciable en el caso que nos ocupa, ya que tratándose de un personaje que materializa sus frustraciones e incomprensión interna a través de una transformación física aún más amenazante, ofrecía la posibilidad de explorar ese conflicto con más insistencia (aunque claro, quizás en ese caso se aproximaría más a la versión de Ang Lee, de la cual tanto parecen huir sus creadores). El retrato de ambigüedad moral está tan livianamente tratado como en la mayoría de las creaciones recientes del género (salvo contadas excepciones a cargo de Sam Raimi, Bryan Singer o el estupendo Christopher Nolan), y pese a ello, "El increible Hulk" ofrece un retrato bastante más oscuro de lo habitual, aunque es de recibo reconocer que se debe mucho más al aspecto formal que al fondo de la historia, que como comentaba, ofrecía muchas más posibilidades. En esa brillantez visual (amplificada en algunas escenas de acertado énfasis panorámico) y en una efectiva labor de actores, es donde el filme resurge como un producto digno pese a su intrascendencia más allá del producto ocasional.

Esa acertada elección actoral aprueba con bastante nota la caracterización de personajes (con contadas excepciones), algo para lo cual el guión de Zak Penn (ducho en adaptaciones de este estilo) muestra algo más de atención que su propia relación interna con la evolución de la historia, centrándose más durante determinados momentos (por cierto, son de lo mejor del filme) en la relación amorosa entre Banner y Betty de forma aislada que con respecto al trágico futuro que les espera. Esos momentos funcionan con la sencillez de aquel que sabe retratar ciertas emociones con solo una mirada o un plano efectivo (desconocemos si será fruto de la intromisión de Norton en toda la tarea de posproducción del filme, algo que creó mucha polémica y de lo cual nunca sabremos toda la verdad, como viene siendo habitual en estos casos), pero naufragando a nivel general cuando se contraponen a lo previsible del todo general (es por ello que el filme funciona mucho mejor en su primera hora de metraje, que durante el precipitado tramo final donde ciertas resoluciones acontecen de forma muy acelerada con respecto a su primer tramo de historia).
El ansia de poder se nos muestra en la figura algo esquematizada del bando malvado y ruín que forman los estamentos militares, a través de la obsesión enfermiza del General Thaddeus o del ímpetu descontrolado del personaje de Emil Blonsky (algo desaprovechado Tim Roth) por convertirse en un moderno Prometeo sin control ni límites con respecto a su ambición desmesurada, en una demostración más que los estudios buscaban más el retrato simplista para todos los públicos que una análisis especialmente certero de la naturaleza compleja de Hulk (la aparición especial del Hulk televisivo Lou Ferrigno como agente policial parece demandar en clave metafórica un control sobre la previsibilidad del producto final y su inclusión dentro del cine de evasión sin mayores pretensiones, aunque ya apareció en la versión de Ang Lee y muchos dirán que no dieron la sensación de hacerle mucho caso en ese sentido).
"El increible Hulk" se nos muestra como un producto efectivo y ameno, que hace de lo previsible y acelerado su razón de ser, preguntándose a si misma si la verdadera esencia de producto masivo en este tipo de producciones está más cerca de lo superficial que lo elaborado. Correcta.

PUNTUACIÓN : 6 / 10

Leer critica El increíble Hulk en Muchocine.net

Etiquetas: cine usa, criticas

AVANCE : "THE SPIRIT (2009)"

Ivan aka Imazur2002 — Mon, 26 May 2008 19:01:15 +0200

Por Ivan aka Imazur2002 en Ivan Villamel el 26 de mayo de 2008 a las 19:01:15

El 20 de marzo del 2009 (a falta de confirmación oficial) es el día escogido para el estreno en nuestras tierras del acontecimiento del año para los amantes de las novelas gráficas (debo reconocerme un sumo ignorante de la materia en los últimos años), estrenándose la adaptación cinematográfica de la historia de Will Eisner "The Spirit", llevada a cabo curiosamente por Frank Miller, un reputado autor de novelas gráficas que inició su andadura en el terreno del largometraje de manera testimonial en la más que interesante "Sin City". Para más información en su web oficial.
Este nuevo filme cuenta la historia de 'The Spirit', un antiguo detective llamado Dennys Colt que es dado por muerto a manos de The Octopus. Sin embargo, sigue vivo y decidido a combatir el crimen. Decide ocultar su identidad tras un antifaz, unos guantes y un sombrero, y cuya verdadera identidad sólo conocen el jefe superior de la policía, y un muchacho de color decidido a ayudar por completo a su compañero.
Aquí el teaser/trailer oficial;

Etiquetas: cine usa, avances, trailers

EL RETORNO DEL JEDI - 25ª ANIVERSARIO

Ivan aka Imazur2002 — Sun, 25 May 2008 13:29:34 +0200

Por Ivan aka Imazur2002 en Ivan Villamel el 25 de mayo de 2008 a las 13:29:34

Tal día como hoy hace exactamente 25 años llegó a las pantallas "Star Wars: El retorno del Jedi", quizás la entrega con carácter más marcadamente infantil (quizás por ello siempre fue mi favorita de niño) de toda la saga, de nuevo un hito popular que arrastró fama, merchandising y popularidad creciente a lo largo del planeta. Como particular homenaje a tan venerada saga, un toque de sutil ironía (y que conste que adoro dicha saga) con este video de la película "Clerks" de Kevin Smith, tan pragmático como repleto de cariño por parte de su creador hacia el filme homenajeado;

Etiquetas: cine usa, personal, anecdotas

CRITICA : "INDIANA JONES Y EL REINO DE LA CALAVERA DE CRISTAL"

Ivan aka Imazur2002 — Fri, 23 May 2008 02:12:18 +0200

Por Ivan aka Imazur2002 en Ivan Villamel el 23 de mayo de 2008 a las 02:12:18

La sempiterna diatriba creada en torno a la verosimilitud de ciertos relatos cinematográficos se desvanece en el momento en el cual un personaje arquetípico desarrolla su propio destino iconográfico para pasar de ser un personaje carismático a un héroe casi mitológico. En esta tesitura se nos muestra la nueva aventura del héroe infantil de varias generaciones, nuestro querido Indiana Jones, un personaje que en sus primeras aventuras se nos mostraba desde la admiración del aventurero y que en los tiempos que corren no es sino un mito cercano a la heroicidad, y como tal dada su propia definición, un personaje con rasgos idealizados y resoluciones aventureras cercanas a lo sobrenatural. Es por ello que la nueva empresa de Steven Spielberg dedicada al arqueólogo más famoso de la historia del cine, transcurre siempre paralela a una veneración cual icono religioso honorado por millones de fieles dentro de su propia sinagoga aventurera reverencial.
En esta ocasión, Spielberg nos adentra en un mundo acorde con lo expuesto en el párrafo anterior, quizás consciente de lo quimérico de su personaje estrella, acerca la historia a los parámetros del cine de aventuras de vertiente fantástico/sobrenatural, mostrándonos un argumento que comienza en algún desierto del suroeste de Estados Unidos, con un Dr.Jones (de nuevo Harrison Ford) enfrentándose a los rusos en un hangar utilizado como depósito de mercancías de dudoso origen custodiado por el gobierno americano. Esa escena de presentación nos pone en tesitura sobre el enfrentamiento constante que tendrán durante todo el metraje nuestro aventurero y la científica rusa Irina Spalko (Cate Blanchett), continuando su particular cara a cara con la búsqueda en ambos frentes de una calavera de cristal de origen desconocido y cuya energía resulta aún más misteriosa, algo para lo cual Indy recibirá la ayuda de un joven impetuoso de nombre Mutt (Shia Lebouf), con quién compartirá aventuras y disfrutará de la compañía, o reencuentro, de viejos conocidos durante su periplo aventurero.

Esa elección de Spielberg por la premeditada búsqueda de lo sobrenatural encuentra mayor equilibrio de lo que cabría esperar el filme visto su argumento, impregnando todo su metraje de la esencia del homenaje propio como mensaje de cara al espectador, quizás más pendiente en su tono del deseo intrínseco de compartir su visión más que reformular un tipo de cine al cual ya es algo ajeno, recurriendo a paisajes ya visualizados con anterioridad y la recreación de lugares comunes de sus anteriores aventuras cuando se ha perdido la inocencia de quién se mira sin verse en él. Todo ello crea una sensación de reunión de amigos con la intención de perpetuar un recuerdo, un anhelo tan carismático que impregna de buen cine su nueva aventura, pese a ciertos altibajos, demostrando el motivo por el cual está considerado un cineasta capital de esa tan complicada comunión entre arte y espectáculo, del cual el cineasta de Ohio es su punta de lanza más destacada durante los últimos veinticinco años (disfrutar de obras suyas recientes como "IA", "Minority Report" o la estupenda "La guerra de los mundos" es un placer incontestable), y vuelve a demostrarlo con un estilo mucho más depurado y brillante a nivel formal que hace casi veinte años cuando dirigió su última aportación a esta saga. Spielberg domina los resortes del estilo visual marcando una pauta de brillante discurrir durante todo el filme, demostrando una clase filmando al alcance de muy pocos privilegiados.
Contrasta un poco ese estilo con una aportación algo esquemática del guión, quizás la labor más escasa de la producción, un hecho que nos confirma la duda existencial de la probable mayor capacidad de aquel primer guión rechazado a Shyamalain por decisión no coincidente de su productor George Lucas (y calificado por Ford y Spielberg de brillante), cediendo las riendas de la escritura del libreto (no sin eternos contratiempos) al siempre efectivo David Koepp, el cual, no sabemos si afectado por la apremiante necesidad, desarrolla una historia con algunos altibajos y desarrollando un argumento algo efectista en su tramo final.
La labor de Koepp se antoja lo más insuficiente, no por deméritos de un argumento demasiado cercano a lo sobrenatural como se ha dicho (de forma harto frívola teniendo en cuenta que tan sobrenatural es el argumento de su última aventura como la creencia de ciertos iconos religiosos de sus obras precedentes), sino porque acumula ciertas resoluciones narrativas de manera deudora con respecto a sus orígenes, materializando todo aquello por lo cual esta saga fue idealizada (de manera notable en cuanto a concepto, eso si) a modo de efecto deudor con el espectador, creando una amalgama de contrastes aventureros cuyo nexo de unión resulta muy liviano en ocasiones, pese a su placentero y jovial discurrir.

Este único "pero" refuerza su deficitaria identidad por un tramo final donde se recurre con cierta sobreexplotación al uso del virtuosismo visual de los nuevos efectos visuales, quizás un elemento de presencia tan gratuita como inevitable en los tiempos que corren, algo que no impide la brillantez conceptual de todos y cada uno de los personajes más allá del carismático Ford como Indiana Jones. Toda la reunión de reconocidos intépretes muestra su mejor cara empática con el personaje que les ha tocado en suerte, destacando sobremanera ese joven actor de nombre Shia Lebouf, que demuestra una vez más que ha trascendido los albores de la eterna promesa para convertirse en una realidad palpable.
De nuevo el tono de la historia nos evoca una época con pasmosa facilidad escenográfica y de fijación del plano en los detalles, evitando la movilidad gestual excluyente del sentido aventurero, balbuceando a nivel narrativo pero resurgiendo como un entretenimiento tan consistente que no tiene parangón en el cine reciente de género, la apuesta clásica por el cine de aventuras con ecos de la novela "pulp", los comics de la EC, el encanto naïf de las aventuras selváticas de Tarzán o la mitología en base a la duda razonable del origen de ciertas civilizaciones antiguas y su inconexo desarrollo como pueblo avanzado, se dan la mano para deleite del aficionado al género.
Notable historia de aventuras, un digno nuevo episodio que pese a ciertos abusos de postmodernidad y un guión algo esquemático en su desigual narrativa, nos ofrece una reflexión del héroe como elemento maximizado a la categoría de icono enfrentado a su propia esencia sobrenatural. Una historia de aventuras como las de antes.

PUNTUACIÓN : 7'5 / 10

Leer critica Indiana Jones y el Reino de la Calavera de Cristal en Muchocine.net

Etiquetas: cine usa, criticas

CRITICA : "SEMI-PRO"

Ivan aka Imazur2002 — Wed, 21 May 2008 23:49:48 +0200

Por Ivan aka Imazur2002 en Ivan Villamel el 21 de mayo de 2008 a las 23:49:48

Jackie Moon (Will Ferrell) es el dueño, promotor, entrenador y jugador de un equipo semiprofesional de la extinta liga de baloncesto ABA durante los años 70, preocupándose más del aspecto puramente lúdico que no de la pretensión de convertirse en un equipo deportivo exitoso. Las deudas económicas le ponen en una situación comprometida, viendo la esperanza a un futuro mejor en la inmediata fusión con la NBA, la liga profesional de baloncesto americana. Este hecho solo podría darse si quedasen entre los cuatro primeros clasificados y la asistencia de público al pabellón deportivo aumentara considerablemente, algo muy complicado ante lo cual no se rinde, dispuesto a reflotar la economía de su propio club y hacerles crecer deportivamente con el fichaje de una vieja gloria de la NBA, Monix (Woody Harrelson).
Este argumento sirve de punto de partida para que Kent Alterman, en su primera película después de una exitosa carrera como productor, nos ofrezca un punto de vista irónico de los añorados 70, época de cambios sociales y optimismo contagioso (a un nivel idealizado opuesto a la realidad por supuesto), y lo hace de manera liviana mediante la alusión a ciertos iconos de la época, transformados en preocupantes tópicos como frágil pretexto para la búsqueda de la risa fácil. Eso si, haciendo una recreación escenográfica que compensa en su propia esencia el desafortunado fondo de la historia.

Alterman se rinde de antemano ante la losa especialmente pesada a nivel creativo que supone crear un producto para lucimiento exclusivo de su estrella principal, un Will Ferrell con cada vez más poder dentro de la industria hollywoodiense, demostrando un afán pretendidamente pronunciado de explotar la vis cómica de Ferrell para parodiar cualquier aspecto social que se le eche por delante. Este hecho puede crear la empatía o desidia correspondiente en cada espectador dependiendo del nivel de admiración que uno sienta por el cómico (a un servidor habitualmente le deja frío cuando hace comedia paródica), pero lo que es evidente es que estamos ante un filme mediocre desde el punto de vista puramente creativo a nivel cinematográfico, en una demostración más que en ciertas ocasiones algunas producciones atienden más al propio concepto de venta del producto (¿será casualidad que el propio Ferrell se dedique a eso en el film y no busque algún mensaje sutil?) entre determinados sectores del consumidor que a una intención de explicar algo verdaderamente interesante, la globalización cinematográfica llevada a sus últimas consecuencias.
A pesar de esta ligereza pretendida, Alterman podría haber cargado las tintas en ciertos aspectos que si se daban para el análisis sarcástico, pero tampoco consigue el equilibrio a través de un libreto muy previsible, escrito por el habitual colaborador de Ferrell, Scot Armstrong (responsable de los guiones de "Road Trip", "Aquellas Juergas Universitarias" o "Starsky & Hutch"). Y resulta una verdadera lástima, porque Armstrong marca los puntos de partida con inusitada claridad, seleccionando los momentos más dados a la ironía dentro de esa controvertida época (permisividad con respecto a las drogas blandas, moda funk o incluso la fusión de ciertas ligas deportivas y el recelo provocado por ciertos cambios que afectaban a los jugadores de raza negra), pero quedándose en un tratamiento muy vaporoso, desvaneciéndose toda intención de profundizar a la hora de tratar con cierto tono crítico algunos aspectos mediante la comedia. Por contra, solo busca el chascarrillo fácil alejándose en todo momento del ingenio inteligente, quizás consciente del público potencial de Ferrell y su intención de etérea consistencia.

Es motivo de alegría ver como Ferrell resurge de manera algo más destacable de lo habitual, conteniendo ciertos tics y creando una base de personaje megalómano bastante consistente por contradictorio que pueda parecer vista la intención del filme, quizás creando una de las críticas encubiertas más acertadas de su carrera (algo que tampoco es para tirar cohetes lógicamente) hacia ese colectivo de propietarios deportivos tan dados a la exclusividad y el exceso. Tampoco es especialmente irritante la labor del resto de intérpretes que escenifican a los compañeros de correrías del personaje de Ferrell, siendo los más conocidos por el gran público Woody Harrelson (una vez más en un papel de fracasado que supera sus miedos a modo de "Vaya par de idiotas" o "Los blancos no la saben meter") y André Benjamin (componente del grupo Outkast y que ya había dado muestras de cierta solvencia en el filme de John Singleton "Cuatro hermanos"), simpáticos y efectivos en sus secundarios roles.
Realmente el filme transcurre con la misma simplicidad que aparenta dado su ligero argumento, pero lo hace con cierta tendencia a la referencia cultural como diversión sin pretensiones, y eso se agradece viendo anteriores producciones de Ferrell & CO. dentro de la comedia más descerebrada, creando guiños culturales o incluso cinéfilos (homenaje a "El cazador" de Michael Cimino incluido) dentro de una base argumental tan manida como el reto de superación deportiva.
Filme de carente consistencia dramática de forma premeditada, que transcurre con fluidez y cierta diversión dado su escaso metraje, con unos actores decentes y la inexistente pretensión de ir más allá de su ligera propuesta. Al menos no aburre en exceso.

PUNTUACIÓN : 5 / 10

Leer critica Semi-pro en Muchocine.net

Etiquetas: cine usa, criticas

Lennon

Joe el Misterioso — Tue, 04 Dec 2007 08:21:00 +0100

Por Joe el Misterioso en El Maestro Chasquilla el 04 de diciembre de 2007 a las 08:21:00

Un documental aborda la persecución que sufrió Lennon por parte de Nixon y el FBI. El filme explora la psicosis gubernamental de EEUU por las actividades del músico. Se pudo ver en Noviembre en la programación del Festival In-Edit, en Barcelona. EUROPA PRESS BARCELONA.- Los directores David Leaf y John Scheinfeld abordan en 'The U.S. vs. John Lennon' la persecución que sufrió John

Etiquetas: music, usa, politics, cine teatro

CRITICA : "SEXO EN NUEVA YORK"

Ivan aka Imazur2002 — Fri, 20 Jun 2008 23:04:12 +0200

Por Ivan aka Imazur2002 en Ivan Villamel el 20 de junio de 2008 a las 23:04:12

Pese a que en sus inicios en el canal HBO allá por el año 1998 la serie "Sexo en Nueva York" no tuvo un boom inmediato, su retrato irónico de los tópicos vistos a través de cuatro amigas de clase pudiente, acabó por crearse una legión de fans (sobretodo entre el público femenino y/o gay) que hicieron de ella un fenómeno sociológico creciente, y con ello provocando una cierta controversia entre ciertos sectores que la acusaban de frívola, superficial y de una elección premeditada por un retrato maniqueo de la alta sociedad aburguesada. Un servidor, que por motivos varios no pudo seguir la serie al pie de la letra pero si disfrutar de decenas de episodios, no compartió en su momento dicha postura, viendo en "Sexo en Nueva York" el germen del retrato irónico e incluso burlesco de dichas convenciones burguesas, es decir, mientras unos veían un retrato que pretendía dignificar la superficialidad, quien suscribe se encontró más bien ante el reverso de la misma moneda, la serie no buscaba potenciar con un tono aleccionador lo frívolo, sino reirse de si misma mediante esa elección argumental.
La llegada de "Sexo en Nueva York: La película" hacia presagiar temores infundados de condescendencia y alejamiento de esa sutil elección cínica de la serie primigenia, por desgracia, se han confirmado dichos temores y nos encontramos ante una adaptación mediocre y plana.
El argumento del filme retoma el argumento aparcado cuatro años atrás, mostrándonos el devenir diario de estas cuatro amigas que parecen haber tomado un rumbo más consistente en sus vidas mediante relaciones de pareja (empezamos con el tópico, sino tienes pareja tu vida no vale nada o es incompleta), todo parece ir bien hasta que varios sucesos encadenados dan al traste con la relación de varias de ellas. A partir de ese momento, el objetivo será unirse y mediante la amistad crecer juntas para superar los obstáculos de su vida de diseño.
Es más que probable que si el argumento del filme hubiera sido aún más inexistente del que posee, SITC hubiera obtenido el mismo éxito popular a nivel de taquilla del que está obteniendo, y realmente es un hecho contrastado que no debería sorprender a nadie, un éxito motivado sobretodo por la elección premeditada de sus fans de hacer la vista gorda ante el desaguisado hecho filme que se nos muestra en pantalla. Dicho éxito quizás quepa encontrarlo en las dos vertientes más claras que han hecho de esta serie un éxito entre el ya mencionado público femenino, por una parte, sirve de espejo en el cual mirarse cierta sociedad de clase alta que puede llegar a verse identificada por momentos (esperemos que solo por momentos dada su pronunciada visión de la estupidez imperante en el término frívolo) con las historias de nuestras protagonistas, y por otra parte, la vida que ansían llevar otras muchas que jamás podrán alcanzar ese estatus (el eterno dilema entre el "soy o me gustaría ser").

Pese a esos dos canales claros de empatía, cabe destacar el hecho que cuando la elección por una vida de ensueño viene acompañada de una apología del exceso y la carencia de más motivaciones en la vida que hacerse con el último modelo de su diseñador favorito, se necesita de un contraste, al igual que la vida, el cine no puede (ni debe) vivir del pensamiento y la ideología única sin replantearse su propia esencia humanista. En "SITC" todo se torna en previsible al dejar de lado cualquier atisbo de puntualidad irónica o cínica con respecto a esos tópicos sociales de la clase alta, ofreciendo por tanto un retrato absurdo de una vida de diseño que no existe ni en los catálogos de las firmas tan ansiadas por sus protagonistas, al perder ese contrapunto lo que su director Michael Patrick King nos ofrece es una comedia romántica insulsa que deja de lado aquel punto especial de la serie, decantándose por la superficialidad y el romance de folletín. Un trabajo que eso si, nos muestra Nueva York como una ciudad de la cual enamorarse (incluso en esa tesitura su director fracasa ocasionalmente al soltar perlas ideológicas como que se trata de una ciudad a la cual solo acudir por la moda o a buscar matrimonio), un marco de ensueño que se muestra de forma muy atrayente en lo visual, pero con aires de cartón piedra existencialista.
Cualquier análisis a fondo dejaría claras las carencias evidentes de su argumento y el propio tratamiento de la historia, ya que las reacciones exageradas por parte de sus protagonistas o el retrato estúpido tanto de la figura femenina como de la masculina (aquí no se salva de las barbaridades ni el apuntador) hacen su agosto mediante esta producción carente de ningún sentido narrativo, acudiendo además a narrar de forma bochornosa una historia que acerca el filme a una maratón de cuatro o cinco episodios de la serie mediante un ensamblaje absolutamente demencial, sin continuidad narrativa y con claros saltos argumentales que no benefician en absoluto la lógica interna del relato, no hacía falta que se nos presentara con el clásico esquema de planteamiento, nudo y desenlace, pero cuanto menos que no provocara vergüenza ajena.
Alguna secuencia aislada de acertada esencia romántica como aquella en la cual Mr.Big, el gran amor de Carrie (por cierto, no recuerdo en muchos años un galán más soso y con menos carisma en pantalla), duda de sus votos y mantiene una conversación simple, directa y efectiva por teléfono con su amada, no evita que en la mayoría de ocasiones se recurra a resoluciones harto cuestionables donde sus protagonistas caen en el mayor de los ridículos (esa fiesta de pijamas a su edad, el deleznable giro argumental para "justificar" cierta infidelidad o que el propio sueño de una mujer sea tener el mayor armario de zapatos del mundo), sin la menor intención de dignificar la figura de la mujer, un hecho que debería hacerse replantear a más de una la calamitosa visión frívola y plana del género mostrada en este filme. Suerte que algunos aún pensamos que la mujer es muchísimo más de lo que nos ofrece este filme.

Seguramente poco importará de hecho que la narración sea un sopor, que la película tenga duración de superproducción (casi dos horas y media para contar la nada más absoluta) o que incluso las actrices estén bastante peor que en su homónima televisiva, "SITC" fue creada con el ánimo de maximizar esta tendencia al capitalismo creciente y el consumismo desproporcionado de las clases pudientes, sin importar el retrato absurdo que ofrecen de personas, que con más o menos virtudes, tendrán tantos problemas existenciales como cualquier hijo de vecino. Lo más preocupante de todo es no ver la gran diferencia entre aquella refrescante serie repleta de humor negro y este filme creado para reventar taquillas y tomar una actitud imbécil ante el género, sin distanciarse de las decenas de comedias románticas planas e insulsas que pueblan las taquillas mes a mes y que están acabando con la inteligencia dentro del cine romántico con toques de comicidad.
Ahora, después de un análisis como el realizado, tan superficial y frívolo con respecto a los apartados puramente cinematográficos como el desinterés mostrado por sus creadores al respecto, solo cabe mencionar que cuando una película provoca carcajadas en sus escenas dramáticas y somnolencia en las cómicas, ese mensaje conservador y manipulador de todo el metraje solo hace que provocar las iras de los millones de detractores que ya tenía la serie, y la vergüenza de aquellos fans que esperaban con ansiedad un digno final para una serie que, bajo mi punto de vista, merecía una conclusión más acorde con el tono general que presidió toda su vida televisiva. Un servidor, como se encontraba en un punto intermedio, solo pudo sentir indiferencia ante el producto final.
Comedia romántica mediocre, un producto de diseño destinado a reventar taquillas y ser olvidado con la misma facilidad que fue creado, un estudio superficial y frívolo digno de ser denunciado por la imagen plana que ofrece de la mujer moderna.

PUNTUACIÓN : 4 / 10

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CINEMATECA : "HARRY EL SUCIO" (1971)

Ivan aka Imazur2002 — Thu, 19 Jun 2008 14:00:00 +0200

Por Ivan aka Imazur2002 en Ivan Villamel el 19 de junio de 2008 a las 14:00:00

Año 1971. Dentro de la nueva corriente del cine americano de ofrecer un tratamiento más nihilista y cercano a una realidad desoladora en ciertas grandes urbes americanas con respecto a la creciente violencia, la historia de un rudo, obtuso y antisocial inspector de policía llamado Harry Callahan, apodado El Sucio debido a su predisponibilidad a aceptar todo aquel trabajo que cualquiera en su sano juicio rechazaría, se acabaría convirtiendo no solo en un filme mitificado, y revalorizado con los años, sino en el punto de partida iconográfico de un tipo de personaje alejado de toda imposición moral o apegada a unas reglas que parecían ajustarse con desigual eficacia a la realidad palpable de la época en la cual transcurría el relato.
Como es bien sabido por todo neófito en la materia, la creciente carrera de Clint Eastwood (recién salido del éxito de la trilogía del dolar) tomaría un rumbo de popularidad evidente no solo con la saga sobre este cínico inspector de policía, sino con la inclusión de Eastwood en el reparto de multitud de producciones que le dieron su tan ganada fama durante los años 70. En esta ocasión Eastwood interpretaba al ya mencionado inspector de policia Harry Callahan, un paladín de la justicia desprovista de moralidad en la ciudad de San Francisco (el traslado de la acción de una ciudad como Seattle a San Francisco fue imposición del propio actor), algo bastante chocante y que perjudicaría en parte el contexto de la acción tratándose de la ciudad más abierta a nuevas tendencias y pensamientos liberales, creándose por ello la tan cacareada sensación de producción cercana a una tendencia fascistoide del género. El uso de este término, casi cuarenta años después de la fecha de producción del filme, sigue generando una cierta controversia, una división de corrientes de opinión que no hace más que otorgarle mayor interés y riqueza al mensaje interno.
Si bien es cierto que durante ciertos tramos de la acción las resoluciones argumentales, y sobretodo dialogadas, hacen pensar de inmediato en esa apología del pensamiento único con respecto a la violencia y su alejamiento de unas reglas morales (sobretodo algún chascarrillo popular dirigido a maleantes o las conversaciones con el alcalde de la ciudad y su liviana respuesta a la violencia creciente), no es menos cierto que el tratamiento de la caracterización del personaje de Callahan da muestras claras de un tono desencantado, irónico y repleto de nihilismo, lo que deja a su personaje en un limbo de intenciones y repleto de contradicciones personales, ofreciendo por ello un retrato hiperrealista del sentir popular de una nación demasiado golpeada por contradicciones sociales y violentas (la guerra de Vietnam se encontraba en su apogeo máximo), en el cual el sentimiento de contradicción entre deber moral y resolución nerviosa formaba parte del colectivo social. Este hecho marca claramente todo el tono del filme, optando por un cinismo imperante y creciente durante el discurrir de la historia, desmitificando ciertas figuras (la escena de Harry espiando por una ventana, la del mismo Harry atendiendo a una rutinaria llamada de suicidio) en beneficio de una narrativa tan pendiente del impulso nervioso como su propio argumento, recurriendo a un estilo visual marcadamente setentero donde el punto de vista subjetivo o incluso el nervio de una cámara en movimiento, conseguía una lógica comunión con el ya mencionado sentir popular de nerviosismo colectivo.

Basando parcialmente su argumento en un caso muy popular de la época, el asesino del zodiaco (motivo de recuperación con la reciente "Zodiac" de Fincher), esta nueva colaboración del artesano Don Siegel con uno de sus actores fetiche, nos ofrecía un retrato sórdido y decadente de las grandes urbes americanas, de esa ya mencionada tendencia a la visión descreída de los estamentos oficiales dentro de la sociedad americana (desde los jefes de Harry, hasta el alcalde, padecen de una visión repleta de humor negro e ironía devastadora). Por otra parte, es evidente que Siegel asumió de inmediato ese retrato de personaje incomprendido, algo cerrado de mente y carente de mucha formación personal (su enfrentamiento con los vacíos legales de las enmiendas en los juicios lo retrata como un personaje descreído y sin el menor interés en solucionarlo), para ofrecer un fresco violento y sórdido de esa condición puntual del americano medio, sin principios ni valores ante la avalancha de convulsos cambios sociales (la escena de la paliza del personaje de raza negra para el engaño o el secuestro del autobús escolar demuestran además que Siegel pasaba de toda actitud condescendiente) que se avecinaban.
Quedan para el recuerdo ciertas secuencias de brillantez evidente, en un alarde considerable de saber hacer por parte de su director, solucionando una persecución con el único sonido de los pasos acelerados de víctima y verdugo (finalizando además en una espiral de degradación física y personal) o planificando una brillante escena final al milímetro (el plano de Harry esperando el autobús cual depredador al acecho de su víctima es de una sugerencia aplastante), reforzando aún más si cabe ese aire de ambigüedad que preside todo el relato.
Lo que queda para el recuerdo es una película de un interés evidente, un filme policíaco filmado de forma impecable por su director, donde la palabra confusión ideológica ante los convulsos golpes sociales vendría a ser la gran hipótesis soterrada bajo una capa de amoralidad despreocupada de sus propias consecuencias y secuelas en el espectador, se la podrá acusar de muchas cosas, pero probablemente la mayoría de ellas jamás enturbiarán lo que queda como resultado final, un notable filme que marcó el género y que creó escuela con su retrato de agente de la ley nihilista y violento.

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ESCENAS/DIÁLOGOS MEMORABLES : "APOCALYPSE NOW"

Ivan aka Imazur2002 — Wed, 25 Jun 2008 23:09:51 +0200

Por Ivan aka Imazur2002 en Ivan Villamel el 25 de junio de 2008 a las 23:09:51

Verdadero hito cinematográfico, tanto a nivel puramente artístico como de producción desmesurada y problemas antológicos, en ésta escena asistimos a la reflexión sobre el Napalm. Sublime filme.

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Habrá nueva película de ‘Battlestar Galactica’

Miguel A. M. — Tue, 01 Jul 2008 22:46:47 +0200

Por Miguel A. M. en TVlia el 01 de julio de 2008 a las 22:46:47

Cuando aún quedan unos meses para que una de las mejores series de los últimos tiempos, Battlestar Galáctica, entre en su tramo final, el canal Sci-Fi aprueba el proyecto de hacer una segunda película sobre el peculiar universo de esta saga de ciencia-ficción.

Razor estuvo muy interesante, con un tono aún más oscuro si cabe, y un componente existencial marcadísimo, dejando de lado los componentes metafísicos, que son lo que más me cansa de la serie. La mala noticia es que parece que su protagonista principal será la cylon número 8, que quizás sea el personaje que menos me gusta. Pero todo sea porque podaos conocer más cosas aún sobre el mundo cylon y su cultura.

Enlace: Sci fi da luz verde a una nueva película de Battlestar Galáctica

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¿Por qué llora Naomi Watts?

usuario — Fri, 04 Jul 2008 00:16:49 +0200

En Plissken el 04 de julio de 2008 a las 00:16:49

Hoy viernes se estrena "Funny games" de Michael Haneke. La película no es más que un remake americano de la original que ya dirigiera el propio Haneke en 1997. Al parecer es una copia plano a plano de esa obra así que abstenganse los que ya disfrutaron con los juegos divertidos en su día. Que decir de ella... De un sadismo extremo y rodada con maestría. Y además tiene su punto absurdo ¿o no?

He aquí el hilarante trailer:

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Etiquetas: cine

La no peli de Friends

neimar — Tue, 08 Jul 2008 17:39:42 +0200

Por neimar en No hay rosa sin espina el 08 de julio de 2008 a las 17:39:42

The Daily Mail se hacía eco la semana pasada de la existencia en Warner Bros. de un proyecto que pretendía resucitar la finalizada Friends en forma de película, supongo que animados por el éxito que está cosechando la versión cinematográfica de ese bodrio infumable llamado Sexo en Nueva York (me gustaría saber cuánto aguantaría en antena una serie protagonizada por cuatro tíos hablando de sexo y futbol y cuya principal ocupación es pasarse por la piedra a toda mujer que se les ponga por delante con la excusa de encontrar a la chica ideal, prrffff).

Pues … va a ser que no. De hecho, tanto el estudio como los representantes de los actores se muestran tajantes en el asunto, con desmentidos que varían desde el “no tenemos conocimiento de ese proyecto” a “nadie nos ha dicho nada”.

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CRITICA : "PASO DE TI"

Ivan aka Imazur2002 — Thu, 10 Jul 2008 18:56:16 +0200

Por Ivan aka Imazur2002 en Ivan Villamel el 10 de julio de 2008 a las 18:56:16

Que la marca de fábrica de Judd Apatow suele ser un síntoma claro de dignidad dentro de la comedia moderna parece un hecho asumido por todos, pero no por ello deja de sorprender la innata capacidad de este polifacético creador (en cualquier labor creativa como director/guionista/productor) para saber extraer aquella esencia que recorría gran parte del mejor cine juvenil de hace décadas dentro de la comedia romántica destinada no solo al público juvenil, sino incluso a aquellos ya entrados en la treintena. Su contagiosa esencia reivindicativa con respecto a aquel cine que tanto debió disfrutar de joven le ha permitido recuperar aquel intangible que hacía que las comedias de John Hughes (su referente más obvio) no solo unas más que eficaces comedias, sino incluso obras donde una cierta reflexión sobre el espíritu de Peter Pan y su miedo a crecer hacían acto de presencia en cada uno de los planos de aquellos filmes.
En esta ocasión, Apatow guía cual lazarillo creativo a su director Nicholas Stoller, y lo hace siguiendo las pautas que recorren la factoría de su creador, es decir, un sentido único de la descripción de personajes, una fina ironía causal con tintes de desmitificación genérica, y una esencia muy acomodada en su tramo final donde lo casual da rienda suelta a lo previsible.
Siempre le ha funcionado a este creador esa fórmula, dada su aplastante éxito a nivel popular y el respeto entre la prensa especializada (casi siempre), nada obligaba a cambiar dicha fórmula, siendo por ello su mayor rémora creativa, la previsibilidad de un relato que se descubre paso a paso sin necesidad de agudizar en exceso los sentidos.
Pese a ello, es evidente que el guión de Jason Segel ( parece que no se conformó con interpretar el papel principal) navega por aguas cristalinas, resolviendo las acciones/reacciones de los personajes con una solvencia fuera de toda duda, volviendo a acudir a esa descripción de personajes donde la humanidad de todos y cada uno de los intérpretes se nos muestra de forma muy acertada en su identidad puramente humanista, con sus virtudes y sus defectos, pero siempre cercanos al espectador, sin resultar odiosos, algo que las comedias facturadas por Apatow cuidan siempre hasta el extremo, provocando con ello que la comicidad llegue a través de la empatía con los personajes, y no forzando situaciones cómicas de dudosa gracia (y si lo hace el retrato es tan cercano que tiene su razón de ser evidente).

Con esta elección premeditada de sinceridad en la caracterización de personajes, se nos vuelve a hablar de la difícil transición entre la época adolescente y adulta. Se trata del tema común en toda la filmografía de este creador, personajes atrapados entre la necesidad o el sueño, entre la elección acomodada del adulto con ganas de alargar su adolescencia, o la plasmación real de ese limbo de felicidad que supone llevar un Peter Pan en su interior y encontrar el equilibrio a través de él materializando unos sueños no esquivos con la edad adulta. De evidencia aplastante es la capacidad de sus creadores de extraer humanidad en los intérpretes de la historia (todos ellos brillan en mayor o menor medida con una personalidad inusitada en el género reciente), así como ejercer un convencional reparto de tareas, y por ello, como viene siendo costumbre, encontrándonos con una labor visual muy simple y plana, en un caso evidente de esa tendencia de encontrar a un artesano sin ínfulas de protagonismo para su labor como director (el filme es puramente Apatow al 100%, en un trabajo más de productor que de dirección).
Una historia emotiva y cómica a partes iguales, donde no existen malos ni buenos, sino personajes que pese a su elección premeditada por un icono bastante arquetípico, rezuman autenticidad a lo largo de todo el metraje, que por otra parte hubiera requerido una síntesis algo mayor de tiempo para hacer aún más efectivo el mensaje (como en la mayoría de filmes Apatow, la historia se alarga al menos treinta minutos cuando podría haber sido resuelta con mayor fluidez en algo menos de tiempo).
Esencia ochentera y diálogos cómplices para todo aquel espectador que ansía la vuelta de una comedia nostálgica donde la acción acompañaba a los personajes a lo largo de un entramado tan previsible y ligero como digno, cercano y amable. Una comedia romántica con bastante buen gusto.

PUNTUACIÓN : 6'5 / 10 ( * * * )

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"MIRRORS" vs "INTO THE MIRROR"

Ivan aka Imazur2002 — Mon, 07 Jul 2008 18:17:00 +0200

Por Ivan aka Imazur2002 en Ivan Villamel el 07 de julio de 2008 a las 18:17:00

Dentro de escasas fechas nos llegará un nuevo remake de un filme asiático de éxito dentro del género fantástico, en este caso se trata de un filme coreano bastante decente pese a ser una producción muy mejorable. Podría despertar nuestros miedos más recónditos hacia la moda de los remakes de producciones asiáticas, pero el director de la propuesta, Alexandre Aja, ha dado sobradas muestras de dominio del género como para ofrecerle un voto de confianza, veremos si las expectativas se cumplen o se trata de una producción más esta corriente cinematográfica.
Para comparar y hacerse una idea de la sutileza asiática vs explícito del cine americano, aquí sus dos trailers y el poster principal de cada producción;

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CRITICA : "LAS CRONICAS DE NARNIA : EL PRINCIPE CASPIAN"

Ivan aka Imazur2002 — Sat, 05 Jul 2008 12:25:00 +0200

Por Ivan aka Imazur2002 en Ivan Villamel el 05 de julio de 2008 a las 12:25:00

Existe dentro del cónclave genérico de la fantasía heroica reciente una tendencia incomprensible hacia la propia delimitación de intereses, resultando algo ilógica la premeditada intención por parte de las nuevas producciones en buscar únicamente un tipo de público en concreto, eso ha llevado a la creación de filmes cercanos al espíritu de la fantasía heroica más desacertada y absurda, como demuestran mediocridades tales como "Stardust", "Los seis signos de la luz" o "La brújula dorada". Quizás la saga que más se acercó al equilibrio ideal entre cine juvenil y filme de aventuras sin excluir a ningún tipo de público haya sido la del mago "Harry Potter" (filmes que pese a su irregularidad, si que daban muestras de tratar con igual interés a niños o adultos), y en menor medida, aunque no existe un gran trecho entre ambas, las dos acertadas partes de "Las crónicas de Narnia", productos solventes de esencia "camp" y respetuosos con el legado genérico de la fantasía en mundos imaginarios.
Resulta incomprensible como se tildó de esencia infantil a su predecesora, cuando poseía un equilibrio encomiable de sentido lúdico para todas las edades, más allá de sus evidentes defectos marcados por una tendencia que bebía de la fantasía arquetípica para crear un relato donde la sorpresa brillaba por su ausencia. Pese a ello, se trataba de una más que respetable película de aventuras donde entrar al juego de la propuesta suponía vivir aventuras que muchos han intentado después y no han conseguido.
En "LCDN: El príncipe Caspian" existe la intención de buscar un tono pretendidamente más oscuro, quizás un reverso algo más siniestro que su predecesora, y eso la hace una película más interesante por momentos que su anterior aventura narniana, existiendo sobretodo la intención de alejarse en cierta manera de los terrenos tan livianos de su primera parte. Este hecho solo lo consigue a medias, creándose una dualidad considerable que afecta al resultado final del filme. En su primer tramo nos encontramos ante la perfecta película de aventuras para toda la familia, un filme que recuerda sobremanera a aquellas producciones de la Disney en tiempos pasados, un homenaje con intenciones de veneración a aquellas producciones clásicas de Robert Stevenson, en las cuales la épica, los momentos de comicidad que aliviaban cualquier atisbo de oscuridad y el tono aventurero reinaban por encima de cualquier tratamiento profundo de personajes, describiéndolos, al igual que el filme que hoy nos ocupa, con cierta tendencia al esquematismo de las caracterizaciones.

Donde el nuevo filme de Andrew Adamson fracasa en cierta manera es en lo descompensado de sus tres actos narrativos, resultando algo tedioso el nudo de la acción (esas dudas de adolescentes y un tono místico/religioso que adolece de cierta fragilidad) y demostrando que la elección clónica nunca suele dar buenos resultados artísticos, ya que en su tramo final (exceptuando un más que digno final de filme) a tres/cuartos de filme, la historia toma caminos ya transitados en la anterior propuesta, resultando muy repetitivo y dejando una sensación de "deja vu" constante. Es una lástima porque su primer tramo contiene la suficiente dosis de suspense, épica ligera, aventuras en marcos absolutamente fascinantes debido a un diseño de producción sencillamente magistral (algo que era totalmente despreciable en la nefasta "Stardust"), y sobretodo, equilibrio entre cine ligero y diversión desatada que hacían presagiar un filme mucho mejor de lo que realmente ha sido.
Esa deliberada elección por explotar los lugares comunes perjudica al acabado final de un filme cuya mayor rémora consiste en un tratamiento muy simplón de los personajes, curiosamente enfatizado este error en los personajes principales de los cuatro hermanos, descritos con caracterizaciones (y actuaciones) muy básicos y previsibles, algo que no impide una cierta alusión (probablemente casual) al camino que están emprendiendo este tipo de producciones. Durante su argumento se nos hace alusión al enfrentamiento entre los habitantes con apariencia humana y los seres fantasiosos que pueblan Narnia, que yacen escondidos por miedo a ser exterminados, siendo una interesante metáfora sobre el camino emprendido por el cine de fantasía heroica en los últimos años, esa diferenciación premeditada entre producciones de carácter adulto (la seminal saga de "El señor de los anillos") y la retahíla de subproductos comentados de carácter infantil. Allí donde éstos buscan excluir gran parte del público, "LCDN: El príncipe Caspian" parece pretender decirnos que la fantasía y lo irreal no es un territorio abonado para los sueños infantiles, y que ambos géneros pueden convivir dentro de un género que así lo supo entender en épocas pasadas, pese a lo irregular de la mayoría de producciones.
Lo que queda tras el visionado de un filme como éste es la sensación evidente que con pequeñas dosis de elementos comunes del género puede surgir un producto digno para todas las edades, un filme que pese a sus evidentes defectos resurge muy por encima de la media de producciones de este estilo, pese a la cuadriculada mentalidad de ciertos sectores que puedan tildarlo de demasiado infantil o deudor de segundas lecturas político/religiosas.
Un filme solvente, decente y sobretodo apropiado, con grandes defectos pero también sus virtudes inherentes dentro de la fantasía heroica, una historia narrada con solvencia y un diseño de producción absolutamente fascinante, acompañado de una banda sonora deliciosa y que nos deja en el recuerdo no menos de tres o cuatro escenas memorables, como el espléndido ataque nocturno a la fortaleza con esos maravillosos seres alados. Lo que antaño se conocía como un artesanal trabajo de fantasía para toda la familia.

PUNTUACIÓN : 6 / 10 ( * * * )

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ESCENAS/DIÁLOGOS MEMORABLES : "PARIS,TEXAS"

Ivan aka Imazur2002 — Fri, 04 Jul 2008 21:50:00 +0200

Por Ivan aka Imazur2002 en Ivan Villamel el 04 de julio de 2008 a las 21:50:00

En un día tan significativo como hoy siendo 4 de Julio, día de la fiesta nacional estadounidense, no podía faltar a esta cita una escena de "Paris,Texas", el fantástico filme del cineasta alemán Wim Wenders. Según muchos, Wenders supo retratar, pese a su nacionalidad europea, la verdadera esencia del espíritu americano con este retrato nihilista y conmovedor, y por ello un día como hoy merece la inclusión de esta escena, más allá de patriotismos de andar por casa.
Una escena inicial repleta de sinceridad sobre lo que uno va a encontrarse en el resto del metraje, sugerente y cautivadora, con esa maravillosa banda sonora.

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AVANCE: "QUARANTINE" ( POSTER Y TRAILER DEFINITIVO)

Ivan aka Imazur2002 — Fri, 11 Jul 2008 18:34:02 +0200

Por Ivan aka Imazur2002 en Ivan Villamel el 11 de julio de 2008 a las 18:34:02

Por fin nos llega el poster del remake del filme de Balagueró & Plaza, del ya que hablamos en su momento. Además el último trailer, y parece que definitivo, que se exhibirá en salas de cine. Cada vez queda menos y veremos si se cumplen las predicciones de aquellos que pronostican un retrato previsible y menor del filme español o por contra aquellos que creen que los medios americanos y el interesante director que se esconde detrás de las cámaras puede crear una obra superior a la original. Habrá que esperar para verlo y no lanzar las campanas al vuelo, de momento, el trailer parece una copia exacta quitando algunos detalles puntuales.

Por otra parte, hablando de remakes, secuelas y nuevas versiones, se confirma que la secuela de "Jovenes Ocultos" llegará a nuestro país en el mercado de alquiler el día 16 de septiembre con el título de "Jovenes Ocultos 2, Vampiros del surf" (sic).

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