El 12 de septiembre de 2001 el equipo de M. Night Shyamalan debía rodar una de las escenas cruciales de “Señales” (2002), el esperado regreso del director tras sus dos exitazos anteriores. Una prueba ardua, las dos, la de sobrevivir a las expectativas y a un nivel de autoexigencia bien marcado, y el no menor problema de encajar la película en un país, de repente, asolado por la paranoia. Dado que la concepción y el rodaje de la película precedieron a los atentados, no pueden lanzarse relaciones causales entre ambos acontecimientos como sí se hizo con la superproducción, también de tema extraterrestre, de Spielberg, el ídolo de Shyamalan, “La guerra de los mundos” (2004). Por una vez, parecía que el maestro podía haberse inspirado en el alumno aventajado: dos familias sin figura materna que deben huir y esconderse –en ambas, además, hay una pelea en fuera de campo– a causa de una invasión alienígena de la que nunca se explican razones claras. Y con una resolución de igual base científica, lo cual dejó bastante descolocados a quienes, de nuevo, esperaban el súmmum de las sorpresas finales.

Hasta que volví a revisarla, me incluía en esa categoría de los damnificados por la decepción, por una película que se me antojaba capricho de género de un realizador con empacho de cinefilia. Sin embargo, he de reconocer que, ya olvidada la presión mediática del momento –resulta curioso que en nuestro país tuviese una fría acogida crítica y que en Estados Unidos sea la más valorada de Shyamalan–, “Señales” constituye un ejemplar ejercicio narrativo, en lo visual y sonoro, desde luego el más referencial de todos, y por ello el menos original en el enfoque. En la memoria del cineasta debían de circular decenas de títulos durante la redacción del guión y el diseño de los storyboards, empezando por la filmografía de Spielberg: “Poltergeist” (1982) –la televisión como un personaje más–, “E.T., el extraterrestre” (1982) y los campos de maíz que recorren Elliott (Henry Thomas) en ésta y Graham Hess (Mel Gibson) en “Señales” con una linterna por la noche, o “Encuentros en la tercera fase” (1977) y su atmósfera silenciosa, de espera ambigua para quienes no saben si los visitantes son pacíficos o agresivos. (more…)

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Quien escribe se muere de ganas de que llegue noviembre para poder echarle un ojo al debut en la dirección de Ed Harris, el western de resonantes reminiscencias titulado Appaloosa, como la célebre estirpe de caballos caracterizada por la mezcla de zonas del cuerpo de color uniforme y otras punteadas, manchadas, retratada desde la Antigüedad en pinturas rupestres de todo el planeta y elevada a la categoría de herramienta imprescindible para la guerra y la caza por los indios de Norteamérica a partir de la variante de los caballos andaluces introducidos por los conquistadores españoles, lo cual sin duda servirá de carga simbólica y de significado metafórico a algunos aspectos de la cinta. No deja de sorprender gratamente que Ed Harris, uno de los actores más sólidos y solventes del cine norteamericano, apueste por un género que sin duda vivió tiempos mejores para su debut como cineasta.

La película, cuya trama narra la historia de dos amigos que llegan a la ciudad de Appaloosa dispuestos a convertirse en los garantes de la ley frente a quienes perturban el orden de sus vecinos, está protagonizada nada menos que por el propio Harris junto a Viggo Mortensen, Jeremy Irons, Renée Zellwegger y Ariadna Gil, recomendada por Mortensen tras su coincidencia en Alatriste, de Agustín Díaz Yanes, y promete ser un western de tintes clásicos en la onda de los mejores trabajos de Clint Eastwood.

Los problemas típicos y previsibles que siempre dan las óperas primas de los actores que se pasan a la dirección, no impiden frotarse las manos a la espera de este western por la calidad, a priori, del reparto y por la personalidad del impulsor del proyecto, Ed Harris, un actor sobrio, comedido, siempre correcto, del que sólo puede esperarse, más allá del resultado final, una apuesta por el buen cine.

Etiquetas: rodaje, alatriste, appaloosa, ariadna gil, caballos

Cómo decir a dos niñas que no volverán a ver a su madre porque ha muerto en la guerra. Esta es la situación que se le presenta a Stanley, un militar frustrado por problemas de miopía que ve cómo su mujer se ha ido en una misión a Irak mientras él se quedaba al cuidado de la casa y de sus dos hijas, Heidi y Dawn. Con el ánimo debilitado por la humillación de su incapacidad, al poco tiempo de la partida de su esposa recibe la noticia de su trágica muerte y, no sabiendo cómo decírselo a sus hijas, decide darse tiempo a sí mismo y a ellas haciendo un viaje a un parque temático. Es la pequeña historia de “La vida sin Grace”, debut de James C. Strouse como director, en una película bien recibida en los festivales de Deauville y Sundance —premio del público y al mejor guión—, y que estuvo nominada a los Globos de Oro en la categoría de banda sonora y mejor canción.

De nuevo la guerra de Irak y el sentido patriótico como telón de fondo, en una especie de pulso político que se ha generado en el cine norteamericano en torno al conflicto. Pero aquí no se recoge el clima de violencia o de denuncia, ni tampoco se recurre a la textura hiperrealista de anteriores propuestas. Se trata más bien de la aproximación a un hombre que debe aprender a vivir sin la madre de sus hijas, que descubre la distancia que le separaba de las pequeñas y la necesidad de suavizar los modos en la convivencia, y que entiende que el valor también se puede demostrar lejos del campo de batalla. Es, en el fondo, una “road movie” de quien se sentía un fracasado profesional y que debe descubrir la relativa importancia que encierran las contingencias de cada día frente al poder del cariño familiar. (more…)

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De vez en cuando aparecen películas que nos congracian con el cine independiente (“Lars y una chica de verdad”, por ejemplo), pero al mismo tiempo también llegan a nuestra cartelera un buen número de títulos que, sin ser un esperpento, provocan una total indiferencia en el espectador. Eso es lo que precisamente le sucede a “La vida sin Grace”, cinta que viene avalada por un par de importantes premios de un festival, el de Sundance, que se ha convertido en un lugar de caza de nuevos “talentos” para estudios y compañías de Hollywood.

El guionista James C. Strouse es el director de esta propuesta de la que en un principio iba a ocuparse Rob Reiner, tomando aquél las riendas del proyecto una vez éste se desentendió del mismo. Con un ridículo presupuesto de 2 millones de dólares, la cinta se estrenó de forma limitada en las pantallas estadounidenses y, casi me da vergüenza decirlo, apenas recaudó 50.000 dólares tras cuatro semanas en cartel (los hermanos Weinstein tenían depositadas muchas esperanzas en esta película y, es más, estoy convencido de que estaban dispuestos a promocionarla de cara a los Oscar®). (more…)

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Nuevamente ha llegado otro sábado y como hacemos habitualmente hoy toca "Mansiones de Famosos". Prometo que un día de estos voy a hacer un recuento de todas las casas que ya hemos visto, pero de mientras, recordemos algunas como las de  Bruce Willis, Lauren Conrad, Cindy Crawford, George Clooney, Barbara Streisand, Faith Hill, Cher, Reese Witherspoon, Sting, Paris Hilton, Will Smith, Richard Gere , Nicollette Sheridan, Charlize Theron, Tom Cruise, Nicolas Cage, Ryan Phillippe, Hayden Panettiere, Kelly Ripa, Nicole Kidman, Jim Carrey, Kelsey Grammer , el castillo de Nicolas Cage  y ahora toca el turno a Dylan McDermott.

Es un actor estadounidense con ascendencia irlandesa e italiana, nacido el 26 de octubre de 1961 en Waterbury, Connecticut. Su papel más conocido fue el del abogado Bobby Donnell en la serie de televisión The Practice. Quien le ayudo a conseguir este papel fue el mismo Clint Eastwood. McDermott está casado con la actriz Shiva Rose desde noviembre de 1995, pero actualmente están haciendo los trámites del divorcio. Ambos tienen dos hijas.

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Sean Penn, presidente del jurado de la Sección Oficial, ya había manifestado su voluntad de que la Palma de Oro de esta edición fuera a parar a una película comprometida con su tiempo, y así ha sido. “Entre los muros”, de Laurent Cantet, se ha llevado el máximo galardón del Festival de Cannes 2008, otorgado en esta ocasión por Penn, Sergio Castellito, Natalie Portman, Alfonso Cuarón, Apichatpong Weerasethakul, Alexandra Maria Lara y Rachid Bouchareb. Esta película, obra del reconocido autor de “Hacia el sur”, “El empleo del tiempo” y “Recursos humanos”, gira en torno a los problemas de enseñanza en un instituto conflictivo, y devuelve a la anfitriona Francia una Palma de Oro que no ganaba desde hacía más de veinte años. El Gran Premio del Jurado ha sido para la mafiosa “Gomorra”, de Matteo Garrone, mientras que otro largometraje italiano, “Il divo”, la biografía sobre Giulio Andreotti de Paolo Sorrentino, conseguía una Mención Especial del Jurado. Las tres propuestas habían gozado de una estupenda acogida en una edición que ha sido destacada por el alto nivel general de los participantes y donde abundaban las favoritas.

El cineasta turco Nuri Bilge Ceylan ha sido considerado el Mejor Director por su labor en “Üç maymun” (”Three monkeys”), teniendo que conformarse los belgas Jean-Pierre y Luc Dardenne, dos acumula-premios en Cannes, con el trofeo al Mejor Guión por “Le silence de Lorna”. Los galardones en los apartados interpretativos se han repartido entre un más que cantado Benicio del Toro por “Che” (la única producción con participación española en el palmarés) y Sandra Corveloni por la brasileña “Linha de passe”. En cuanto a la Cámara de Oro a la Mejor Ópera Prima, ésta ha recaído en la británica “Hunger”, de Steve McQueen, otra de las cintas que llamaron la atención, en tanto que “Megatron”, de Marian Crisan, ha resultado elegido Mejor Cortometraje. Finalmente mencionar que una de las preferidas, “Changeling” (”The exchange”), de Clint Eastwood, únicamente ha logrado el Premio Especial de la 61ª Edición, compartido con “Un conte de Noël” de Arnaud Desplechin.

En la imagen: Fotograma de “Entre los muros” - Copyright © 2008 Haut Et Court. Distribuida en España por Golem. Todos los derechos reservados.

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Clint Eastwood vs. Spike Lee: éste parece ser el nuevo combate dialéctico del mundo del cine. Eastwood dijo que Lee debería “callarse la boca“, ante las declaraciones del moreno, quien lo criticó por no incluir “a un solo soldado negro” en sus filmes sobre la II Guerra Mundial.

Los filmes son “Banderas de nuestros padres” y “Cartas de Iwo Jima“, donde se narra la batalla librada por las tropas estadounidenses en 1945 para conquistar la isla japonesa.

Pero Eastwood justificó la elección de actores sólo blancos, porque dijo, “ninguno de los soldados negros que participaron en aquella batalla izaron la bandera en el monte Suribachi“.

Recordemos que Spike Lee había criticado al galardonado director y actor en Cannes, mientras promocionaba su película “Miracle at St Anna“, donde justamente retrata a unos soldados negros que combatieron por EEUU en la II Segunda Guerra Mundial.

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Las películas acerca de la contienda de Irak y, sobre todo, sus consecuencias en las sociedad norteamericana comienzan a proliferar en dramas como ‘La vida sin Grace’ (estreno 13 de junio) que, al igual que la muy reciente ‘Ausente’ dibujan un panorama ciertamente desolador para la vida cotidiana de un país en crisis ideológica. Muy interesante es, en esta medida, ‘La vida sin Grace’, que escoge para ello a una familia común y corriente que tiene que afrontar al pérdida de la esposa y madre, y que probablemente permitirá ver de nuevo a John Cusack exhibiendo su buen hacer ante las cámaras tras ‘1408′.

Cusack es aquí Stanley, que tras recibir la noticia del trágico fallecimiento de su mujer, se ha quedado a solas con sus hijas. Como le resulta muy difícil explicarles lo sucedido, decide emprender un espontáneo viaje a un parque de atracciones. Cuanto más se aleja de casa, más cerca está de sus hijas, lo que le ayudará a encontrar el momento de decirles la verdad. Lo que ‘La vida sin Grace’ cuenta es cómo Stanley acomete, durante dicho día, la tarea de decirles a sus hijas que su madre ya nunca volverá.

El film ha sido escrito dirigido por James C. Strouse, y tiene música de nada menos que Clint Eastwood, que ya trabajó con Cusack en ‘Medianoche en el jardín del bien y del mal’, que también ejerce de productor. El film ha sido ganador del premio del público en el festival de Sundance en 2007 y nominado a dos Globos de Oro. El film también lo protagoniza Alessandro Nivola como el hermano del protagonista, y las críticas que a primera vista se encuentran por internet hacen augurar algo bueno.

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En un momento de Reservoir Dogs, de Quentin Tarantino, Michael Madsen le dice a Harvey Keitel: “apuesto a que eres fan de Lee Marvin… Me encanta ese tío”. Lee Marvin es uno de los grandes tipos duros del cine, imagen del villano perverso, fuerte, de personalidad compleja alejada de los caricaturescos retratos habituales, brutal y violento, y también del héroe íntegro, voluntarioso, capaz, competente, digno y determinado de “el fin justifica los medios”, sin dejar de poseer una vis cómica muy desaprovechada que sacaba lo mejor de él y que, continuando en la línea de los detectives duros, cínicos e irónicos encarnados por Humphrey Bogart, o en versión ligera y refinada, William Powell, avanzaría ya la llegada del tipo duro positivo setentero lacónico, irónico y violento modelo Clint Eastwood-Harry Callahan.

Nacido en Nueva York en 1924 hijo de un ejecutivo publicitario y una periodista especializada en moda, hizo gala muy pronto de esa vena díscola con la que dio vida a algunos de sus personajes de malvado siendo expulsado de varios colegios a causa de su mal comportamiento. Como en tantos otros casos, fue el ejército el que encauzó el carácter rebelde del joven, y herido de guerra en 1944 en el frente del Pacífico (herida que le dejó secuelas permanentes en la espalda), se dedicó a los oficios más variopintos, entre ellos el de fontanero, forma un tanto exótica de entrar en contacto con el teatro, a través de una reparación de urgencia en el Teatro Municipal de Woodstock. Consumido por la vocación artística, interpretó pequeños papeles en el teatro y la televisión, llegando incluso a aparecer en algunos montajes de Broadway. Viendo que su carrera no terminaba de despegar, apostó por Hollywood, y allí empezó a dar vida a esos personajes oscuros, violentos pero carismáticos que sin ser protagonistas, daban cuerpo y personalidad a las películas donde aparecían (Duel at Silver Creek, 1952, Semínola, 1953, The big heat, con Fritz Lang, 1953, El motín del Caine, 1954, Conspiración de silencio, de John Sturges, 1955). Tras su papel para John Ford en El hombre que mató a Liberty Valance (1962) se produce un salto cualitativo en su carrera. Sus papeles no varían demasiado, pero sí su dimensión dentro de cada película. Con Código del hampa (Don Siegel, 1964, revisión de Los forajidos de Robert Siodmak, basado en Los asesinos, el relato de Hemingway), Cat Ballou (La ingenua explosiva, 1965, western cómico junto a Jane Fonda en el que interpretaba un doble papel de héroe borracho y pistolero malvado que le valió el Oscar), Los Profesionales (Richard Brooks, 1966), Los doce del patíbulo (Robert Aldrich, 1967), A quemarropa (John Boorman, 1967), Infierno en el Pacífico (John Boorman, 1968), La leyenda de la ciudad sin nombre (Joshua Logan, 1969) o Monte Walsh (William Fuest, 1970) se consagró como el mejor tipo duro del cine y se ganó por derecho propio un lugar entre los más grandes actores del cine de acción.

Tras este periodo de reconocimiento a su trabajo, llegó durante los años setenta la decadencia y el encasillamiento en productos del mismo género pero de cada vez menor nivel, con ocasionales destellos, como Gorky Park (Michael Apted, 1983). Falleció de un repentino ataque al corazón en 1987. Su último tabajo fue junto a Chuck Norris en la película de comandos Delta Force.

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La 61º edición del Festival de Cannes se celebra estos días con esperadas presentaciones, más si cabe tras el decepcionante comienzo con Blindness, de Fernando Meirelles sobre el relato de José Saramago Ensayo sobre la ceguera. El canadiense Atom Egoyan acude con Adoration, el alemán Wim Wenders lo hace con The Palermo shooting, protagonizada por Dennis Hopper; los estadounidenses Clint Eastwood y Steven Soderbergh estrenan respectivamente un thriller con Angelina Jolie titulado Changeling y un largo retrato sobre el Che Guevara con Benicio del Toro (se proyectarán sus dos partes: Guerrilla y El argentino), mientras que los belgas hermanos Dardenne acuden con Le silence de Lorna. Todos esos cineastas han sido premiados en su momento por el festival, como también lo fue el turco Nuri Bilge Ceylan, que repite con Los tres monos.

Los franceses Arnaud Desplechin, con Un conte de Noël, con Catherine Deneuve esperando un trasplante, y Philippe Garrel (La frontière de l’aube) son también nombres habituales de los festivales, como el brasileño Walter Salles, que estrena Linha de passe. Y no son desconocidos, a pesar de su juventud, los argentinos Lucrecia Martel (La mujer sin cabeza) y Pablo Trapero (Leonera). Eso sí, a pesar de la producción de los hermanos Almodóvar en el filme de Martel, el cine español sigue ausente en Cannes.

Además de dos filmes italianos, un documental israelí de animación sobre las matanzas de Sabra y Chatila (Waltz with Bashir), y el inevitable capítulo asiático, la selección la completa otro estadounidense, el guionista Charlie Kaufman, que debuta como director con Synecdoche New York. A todos ellos les mide un jurado presidido por Sean Penn.

Fuera de concurso, Steven Spielberg presenta en la Croisette Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal, mientras que Woody Allen descubre por fin Vicky Cristina Barcelona, con Javier Bardem, Penélope Cruz y Scarlett Johansson.

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Convencido de explortar ahora su pasta como escritor, el veterano actor Gene Hackman pone fin a su larga trayectoria de actor y le dice adiós a la industria cinematográfica. Según el Blog de Cine, “El propio Clint Eastwood, buen amigo personal y con el que ha trabajado, ha lamentado la decisión, aunque la respeta y no tratará de convencerle de un posible regreso.” Y aunque siempre uno espera más de sus íconos artísticos, es momento también de agradecerle a Hackman por tantos buenos momentos frente a la pantalla grande.

Fuente: Blog de cine

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El caso de Michael Cimino es el paradigma hollywoodiense del ascenso meteórico y vertiginoso para a continuación caer en el más profundo lodazal, en el pozo infernal más insondable. Cineasta de notables cualidades, tiró su carrera por la ventana apenas dos años después de su súbita consagración con el Oscar al mejor director y a la mejor película por El cazador (1978). Con un talento sobresaliente para el estudio (graduado con honores en Yale) y la escritura, su entrada en el cine vino de la mano de Clint Eastwood y su productora Malpaso. Tras el guión de Harry el fuerte (1974), Cimino se hizo con la dirección de Un botín de 500.000 dólares, clásico del cine de atracos que en principio iba a dirigir el propio Eastwood con un guión de Cimino pero que terminó siendo realizado por éste. Su gran éxito de crítica y público le proporcionaron suculentas ofertas, y gracias a ello pudo sacar adelante El cazador, su personalísimo y deslumbrante proyecto con un reparto inmejorable (Robert De Niro, Christopher Walken, Meryl Streep, entre otros) y un presupuesto desmesurado para un casi debutante. El éxito del film entre la crítica y su victoria en la gala de los Oscar, le dieron un cheque en blanco del que muy pocos tienen la suerte de disponer. Sin embargo, con su siguiente trabajo, el de su presunta consagración, La puerta del cielo, un western social de 1980 en el que vuelve a plantear el problema del encaje de las minorías inmigrantes en la sociedad de acogida, pese a contar con todos los medios técnicos y humanos que solicitó y los parabienes de United Artists, Cimino se despeñó. Superó estratosféricamente tanto el tiempo de rodaje como el presupuesto y el desastre financiero fue tan inmenso que casi provoca la desaparición del estudio e hizo que las puertas de Hollywood se le cerraran, no sólo a él, sino a una forma de trabajar con cierta libertad que resultaba demasiado arriesgada para los productores. Ni el fenomenal reparto (Kris Kristofferson, Christopher Walken, Isabelle Huppert, Sam Waterston, Jeff Bridges, John Hurt, Mickey Rourke, Joseph Cotten, Brad Dourif, John Hurt, Willem Dafoe…), ni el criminal montaje que destrozó la narración volviéndola dispersa, fragmentaria, discontinua, mutilada, que echa por tierra un prometedor comienzo, sirvieron para impedir la caída de United Artists y del propio Cimino, que, insistiendo en cada trabajo en continuar con su desmesura narrativa y su falta de límites técnica (por ejemplo, en sus interminables secuencias colectivas), se diluyó en guiones jamás adaptados a la pantalla (una biografía de Dostoievski, La vida y milagros de Frank Costello o una película para Dustin Hoffman), en proyectos nacidos de origen como fracaso que nunca se rodarían (una adaptación de Truman Capote), o en humillantes despidos de proyectos que él había iniciado en la dirección y que fueron terminados por otros cineastas (la nueva versión de Rebelión a bordo, iniciada por David Lean, La rosa, una biografía de Janis Joplin, o La zona muerta, sobre un relato de Stephen King que está considerado un clásico del cine de terror).

Su filmografía, apenas ocho películas, es buena muestra de su decadencia y de las limitaciones que se le impusieron por su fama de problemático en cuanto a aceptar los límites técnicos y presupuestarios en aras de una creatividad desbordante que terminó con su carrera. Tras La puerta del cielo, sólo Manhattan Sur (1985), thriller sombrío ambientado en Chinatown, El siciliano (1987), adaptación de la obra de Mario Puzo con Christopher Lambert como protagonista (otra seña de decadencia) y 37 horas desesperadas, remake del clásico de William Wyler con Mickey Rourke en el papel de Humphrey Bogart, contienen algún fragmento del antiguo brío y lucidez de Cimino, desaparecido de Hollywood desde 1996.

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El grecoitaliano cineasta George Pan Cosmatos (con una filmografía apenas reseñable, exceptuando quizá Tombstone o Rambo) rodó en 1979 esta extraña mixtura entre cine bélico y película de atracos ambientada en el frente griego de la Segunda Guerra Mundial, y en el que la resistencia a la ocupación nazi por un lado, y los prisioneros británicos de un campo de trabajo alemán especializado en trabajos arqueológicos para su envío a Berlín, por otro, intentan a un tiempo combatir a los nazis, evadirse del campo y hacerse con las fabulosas riquezas provenientes de todo el país que los alemanes esconden en un remoto monasterio ortodoxo.

Con un reparto compuesto de retazos de viejas glorias en horas bajas (David Niven, William Holden), valores en alza (Elliot Gould o Richard Roundtree, el famoso Shaft), floreros ilustres (Claudia Cardinale o la televisiva Stefanie Powers), habituales del cine de acción (el griego Telly Savalas), algún que otro actor intentando desencasillarse como 007 (Roger Moore) e incluso damnificados del cante (Sonny Bono) la película no supera lo meramente convencional, ni en su aspecto bélico ni en su deriva hacia las aventuras del cine de robos, en una mezcla un tanto exótica, gracias a las magníficas localizaciones donde transcurre la acción, verdaderamente lo mejor de la película, de clásicos del género como La gran evasión (John Sturges, 1963) y Los violentos de Kelly (Brian G. Hutton, 1970), tomando de la primera la huida en grupo de los prisioneros de un campo alemán y de la segunda la aventura de una compañía de soldados americanos comandados por Clint Eastwood, Donald Sutherland y de nuevo Savalas para hacerse con una reserva de oro que se halla tras la línea del frente en poder de los alemanes, y además situándola en el marco de Los Cañones de Navarone (J. Lee Thompson, 1961).

Con todo, la película sirve para comprobar cómo puede desaprovecharse un buen reparto, cómo se tergiversa acerca del expolio de obras de arte griegas (los británicos aparecen como máximos defensores del arte griego cuando históricamente han esquilmado el país para llenar sus museos) y para constatar lo hermosa que resultaba Claudia Cardinale en la pantalla, en cualquier circunstancia.

FICHA TÉCNICA
Título: Escape to Athena
Año: 1979
Duración: 100 minutos
País: Reino Unido
Director: George Pan Cosmatos
Reparto: Roger Moore, Telly Savalas, David Niven, Stefanie Powers, Claudia Cardinale, Richard Roundtree, Sonny Bono, Elliott Gould, Anthony Valentine, William Holden
Guión: Edward Anhalt y Richard Lochte
Música: Lalo Schifrin y Barry Blue
Fotografía: Gilbert Taylor
Producción: Pimlico Films / ITC

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James Eugene Carrey es un actor reconocido mundialmente. Tiene un gran talento para imitar y crear personajes. En su vida no todas las películas han sido exitosas, pero su ingenio y gracia lo ha convertido en el gran cómico de los Estados Unidos, aunque en drama también ha recibido excelentes críticas.

«Jim» Carrey nació en Jackson's Point, Ontario, Canadá el 19 de enero de 1962. Desde pequeño era extrovertido y en el colegio solía comportarse muy mal, así comenzó su vocación y a los 10 años mandó su curriculum a un famoso programa de sketchs humorísticos.

La empresa de su padre había quebrado y Jim y su familia tuvieron varios trabajos para salir adelante. En 1977 comenzó a trabajar como payaso en un Cabaret de Toronto. Así fue probando suerte en distintos lugares de la ciudad, hasta que decidió irse a Los Ángeles, en donde fue descubierto por cómico Roger Dangerfield y logró introducirlo en la serie In living Color.

Triunfó así en la pantalla pequeña y logró dar el gran salto al cine. Primero en personajes secundarios como en La lista negra (1986), con Clint Eastwood. Para luego ser, en los 90, la estrella de películas como La máscara,  Ace Ventura o Dos tontos muy tontos. Con The Truman Show, un film dramático, ganó el Globo de Oro a mejor actor.

Aunque su vida personal no fue la mejor (sufrió duras y angustiosas separaciones), alcanzó la fama y el respeto en lo profesional, no solo en comedias, sino también en dramas como Eterno Resplandor de una mente sin recuerdos (2004), o suspenso, como Número 23 (2007).

Este carismático y excéntrico personaje, puede hacer reír y llorar al público y en la actualidad es uno de los actores más taquilleros de Hollywood.

Fuente: Wikipedia      |     Imagen: El diario de Amacaballo

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Madrid, 13 jun (EFE TV).- Escenarios de guerra protagonizan los estrenos de cartelera de esta semana. La vida de un joven checheno, acusado de matar a su padrastro ruso, de la mano de Nikita Mikhalkov. La impotencia y tristeza de un viudo de mujer soldado que muere en Irak, de James C. Strouse, con música de Clint Eastwood. Y regresamos a España para ver problemas más caseros, interpr…

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El festival de cine de la ciudad francesa de Deauville es desde hace décadas un buen lugar para promocionar el cine estadounidense en Europa. Este año tendrá lugar la 34 edición desde el viernes 5 de septiembre al domingo 14 y serán presentados alrededor de 100 trabajos.

La película encargada de la apertura será Mamma Mia! Y la seleccionada para cerrar el festival será la obra de Helen Hunt «Then she found me». Son muchas las películas que compiten este año: All God´s children can dance, American son, Ballast, Gardens of the night, Smart people, Towelhead, Afterschool, Momma´s man, Snow angels, Sunshine cleaning, The visitor.

El jurado está formado por personalidades del cine francés. En esta edición la presidenta será Carole Bouquet. También habrá muchos filmes en proyección sin ir a concurso. Por ejemplo: Appaloosa (dirigida por Ed Harris) Changeling (nuevo trabajo de Eastwood) Dan in real life (con la maravillosa Juliette Binoche) Recount (con el oscarizado Kevin Spacey) Lakeview terrace (con Samuel L. Jackson) y otras muchas más. Entre ellas un filme de animación Idiots and angels.

Se espera la presencia de John Malkovich, Clint Eastwood, Juliette Binoche, Ed Harris, Kevin Spacey y otros actores consagrados. Una cita más para los amantes del séptimo arte con el mejor cine y los mejores actores y actrices del mundo.

Imagen: Web Festival de Cine Americano de Deauville

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