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Si tuviéramos que insertar HOUSE BY THE RIVER (1950, Fritz Lang) en un contexto centrado en las afinidades cinematográficas, personalmente no tendría duda. Ubicaría esta imperfecta, modesta pero siempre interesante propuesta de serie B ejecutada por Lang, como un título que toma de prestado ciertos elementos del ROPE (La soga, 1948) de Alfred Hitchcock, mientras que visualmente adelanta destellos de THE NIGH OF THE HUNTER (La noche del cazador, 1955. Charles Laughton). En ambos casos podremos darnos cuenta que se trata de sendas reflexiones sobre la naturaleza del mal envuelta en la fatalidad del destino. Un tema este último, que nadie puede negar se erige como uno de los ejes vectores de quien, con toda justicia, puede considerarse uno de los grandes hombres que ha brindado el cine. Una trayectoria que Lang pudo conducir sin renunciar a su personalidad fílmica y temática, sabiendo serpentear por diferentes estratos de producción, que durante su andadura norteamericana en no pocas ocasiones tuvo que lidiar con producciones de muy bajo presupuesto.

Un ejemplo de este último enunciado lo tenemos en HOUSE BY… que el maestro vienés acometió para la Republic, uno de los estudios “pobres” de Hollywood, tras dos años de retiro forzoso como realizador, al parecer debido a que –sin figurar directamente en las listas negras del periodo maccarthysta-, su nombre figuraba como personalidad incómoda dentro de la industria hollywoodiense. Nunca se ha podido ratificar o no esa apreciación realizada por el propio Lang, siempre tan dado a magnificar o modificar hecho de su vida personal, como si proyectara en ellos argumentos de sus propias películas. Lo cierto es que también en este sentido, el título que comentamos posee una lectura nada solapada de matiz crítico y, aunque lo cierto es que su argumento se desarrolla en el siglo XIX, cualquier espectador mínimamente atento puede establecer esa radiografía de la vida norteamericana del momento del rodaje, que por otro lado fue un elemento que Lang aplicó a su mirada al país que lo acogió como incómodo visitante –algo que ya puso en practica desde su debut en USA con FURY (Furia, 1936).

Con todas estas circunstancias, lo cierto es que el título que nos ocupa, bajo mi punto de vista logra alcanzar una considerable intensidad en la aplicación de las capacidades de Lang para transmitir en la imagen una atmósfera mórbida, repleta de bajas pasiones, dominada por unos encuadres en los que de nuevo se expresa la inquietud arquitectónica de su puesta en escena, y a la que acompaña una utilización expresiva de la iluminación –ya experimentada previamente por el director en sus celebradas y no muy lejanas aportaciones al cine noir norteamericano-. Todo ello, dispuesto para un relato de atmósfera gótica que se desarrolla en un lugar indeterminado del sur de Estados Unidos. Junto a un río está ubicada una mansión habitada por el joven matrimonio Byrne. El marido –Stephen (Louis Hayward)-, es un hombre sin fortuna en su afición a la escritura, caracterizado por su carácter altanero y poco ético –los indicios que se muestran así nos lo hacen parecer-, que se verá envuelto en el asesinato de una joven criada con la que ha intentado propasarse. Para lograr ocultar el cadáver solicitará la ayuda de su hermano –John (Lee Bowman)-, con quien se desembarazará del cuerpo tirándolo al río, tras introducirlo en una bolsa de leña. La noticia de la desaparición llevará involuntariamente a Stephen a lograr esa fama que hasta entonces se le había negado, afianzándose en la maldad y el carácter dominante de su personalidad, que le llevará a un constante desprecio de su hermano –que se encuentra caracterizado por una cojera-, y que secretamente siempre se ha sentido ligado a la esposa de este.

El devenir de la historia nos trasladará al descubrimiento del cadáver de la joven criada, lo que conllevará a una vista en la que finalmente no se encontrarán encausados, pero que moralmente destrozará la reputación del siempre comedido hermano de Stephen. La circunstancia permitirá a este proseguir en su senda autodestructiva, dándose a la vida fácil y disipada, despreciando a su esposa e intentando desembarazarse de su propio hermano –con quien deseaba forzar al suicidio-, y a su propia mujer –que ha descubierto los manejos homicidas de Stephen al leer un manuscrito que este ha venido escribiendo, con la intención de lograr con ello su obra definitiva-. De forma repentina, y cuando ya creía haber alcanzado sus objetivos, el destino le llevará a una inesperada venganza, que sus remordimientos convertirán en su propia muerte.

No puede decirse que lo mejor de HOUSE BY THE RIVER se encuentre en el entramado argumental descrito. Procedente de una novela de H. P. Herbert, y desarrollado en forma de guión por Mel Dinelli, su discurrir presenta no pocos agujeros y situaciones apresuradas o poco apuradas en su desarrollo. La condición de título de poderosas limitaciones de producción se hace notar en no pocos instantes, e igualmente apreciamos que el desarrollo dramático de su conjunto no está suficientemente armonizado –pienso especialmente en lo convencionales que resultan la secuencias del juicio, que devienen casi en una caricatura-. De todos modos, es indudable que la película compensa dichos inconvenientes con la personalísima puesta en escena y el riesgo inherente al conjunto de la obra langiana. De nuevo se encuentra presente esa inexcrutabilidad del destino, en esta ocasión expuesta dentro de un marco geográfico dominado por el brillo casi fantasmagórico del discurrir de ese río en su contraste con el nocturno de la luna, esa atmósfera casi opresiva que muestran las secuencias desarrolladas en el interior de la mansión de los Byrne, y ese aroma represivo que envuelve el devenir de los personajes, dominados por un entorno puritano y opresivo del que parecen no poder escapar. En medio de ese contexto, hasta cierto punto es lógico que surja la patología criminal de Stephen –que parece prefigurar en sus características los personajes que poblarán algunas de la más representativas películas de Buñuel en México, como ÉL (1953), EL BRUTO (1953) o ENSAYO DE UN CRIMEN (1955)-, en la que además se puede hacer una lectura en tercer grado, mediante la cual pudiera entenderse toda su azarosa andadura como un producto de su imaginación en la búsqueda de ese gran éxito que reconozca su hasta entonces negado reconocimiento como escritor.

En este sentido, la película ofrece asideros importantes, como también permite reflejar diversos elementos procedentes de la obra de Lang inmediatamente precedente; la posibilidad que todo el relato fuera fruto de su imaginación, como en THE WOMAN IN THE WINDOW (La mujer del cuadro, 1944), o los rasgos iniciales que describen un esposo sumiso –al línea similar a la relación que mostraba Edward G. Robinson hacia su esposa en SCARLET STREET (Perversidad, 1945). Todos estos matices se dan cita en un conjunto sin duda provisto de desequilibrios y fisuras, pero que en buena medida evidencia la personalidad de su realizador, y que en sus momentos más febriles –esos planos con los que es mostrada la mirada casi inyectada en maldad de Stephen al contemplar a la criada cuando baja por la escalera entre sombras-, llegan a mostrar verdadera inquietud. Algo que llega a plasmarse en la dirección que se otorga la interpretación de Louis Hayward, un actor muy limitado, pero del que Lang se sirve eficazmente para componer el retrato de su protagonista.

Pero, con todo, lo que más queda en la retina del espectador es el logro de una atmósfera dominada por la presencia inquietante de ese río caudaloso y que en su discurrir parece llevarse consigo los vicios de una sociedad corrupta e hipócrita. Unas imágenes que estoy seguro tuvo en la mente Charles Laughton cuando acometió la que sería su única experiencia como realizador –fundada en el fracaso que cosechó en el momento de su estreno-. Pero es que dentro de la plasmación visual de HOUSE BY… se encuentra un plano que igualmente pudo ser retomada por Alfred Hitchcock. Me estoy refiriendo al momento en que la mujer de Byrne está a punto de ser asesinada por Stephen, y se agarra a unas cortinas, que comienzan a desprenderse de sus corchetes con violencia –uno de los símbolos más recurrentes de PSYCHO (Psicosis, 1960).

Hitchcock, Laughton, Lang, maldad, fatalidad, destino… Conceptos llevados a la pantalla con singularidad y personalidad propia, y que en este caso se ofrecen en uno de los títulos menos conocidos –en España jamás fue estrenado comercialmente, e incluso ha sido muy poco exhibido en pases televisivos- y valorados de entre los veintiuno que componen su periodo norteamericano. Sin poder ubicarla personalmente entre sus mejores logros de este largo contexto cinematográfico –en donde su homogeneidad y alto nivel son norma corriente-, lo cierto es que revela como incluso con las mayores dificultades, el autor de RANCHO NOTORIUS (Encubridora, 1952) podía mostrar su estilo en la pantalla. Ha sido, personalmente, el título con el que completo mi acercamiento a todo el conjunto de su admirable trayectoria norteamericana, bajo la que articuló una de las aportaciones más valiosas al cine noir, al tiempo que una de las miradas más críticas que sobre su propia sociedad acogió el cine norteamericano.

Calificación: 3

Etiquetas: mis criticas

Ganadora de la Concha de Oro en el Festival de San Sebastián de 2004, esta película de Bahman Ghobadi rompe todos los prejuicios que muchos espectadores suelen tener con el cine iraní, recelos basados en la a veces excesiva e infundada predilección de los críticos por cineastas y películas de aquellas latitudes y en una educación cinéfila que en gran parte del público se sustenta únicamente en el modelo hollywoodiense. Sin embargo, Las tortugas también vuelan excede lo que habitualmente puede esperarse del cine iraní y ofrece grandes atractivos para espectadores de cualquier prodecencia.

Además de la cuidada fotografía, los hermosos exteriores y el retrato socio-antropológico de la realidad de las gentes del Kurdistán iraquí, la película cuenta con un guión magníficamente construido y con unas interpretaciones soberbias a cargo de actores en su mayoría sin experiencia para contarnos la historia de una pequeña aldea de las montañas en la que sus habitantes buscan desesperadamente una antena parabólica. ¿Para ver el mundial de fútbol? Ojalá la película se hubiese tenido que ceñir a eso por falta de base real. En realidad la antena es la única forma en que los pacíficos habitantes de aquellas montañas pueden enterarse del próximo ataque norteamericano contra Iraq. Un joven mutilado, acompañado de su hermana y su sobrino, presiente que apenas quedan unos días para el ataque, y así se lo dice a los vecinos.

Cinta escalofriante no tanto por lo que muestra sino porque cuenta con el bagaje posterior de imágenes de crueldad y guerra que los noticiarios han incrustado en la retina del espectador, oscila entre los momentos de comedia, el retrato de vida cotidiana y la tensión creciente ante una incertidumbre que se abre, una perspectiva de cambio que puede traer un futuro mejor y también la ausencia de cualquier tipo de futuro, como así ha sido para más de medio millón de iraquíes y unos pocos miles de militares norteamericanos.

FICHA TÉCNICA
Título: Turtles can fly
Año: 2004
Duración: 95 minutos
País: Irán
Director: Bahman Ghobadi
Reparto: Avaz Latif, Soran Ebrahim, Hirsh Feyssal, Saddam Hossein Feysal, Abdol Rahman Karim
Guión: Bahman Ghobadi
Música: Housein Alizadeh
Fotografía: Shahriar Assadi
Producción: Bahman Ghobadi Mij Films

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Supongo que recordarán aquella tan exitosa, ocasionalmente divertida y, en líneas generales, mediocre parodia llamada AIRPLANE! (Aterriza como puedas, 1980. Jim Abrahams, Jerry Zucker y David Zucker) Un cúmulo de chistes visuales que parodiaba un subgénero tan en boga en el cine de la década de los setenta: el cine de catástrofes que tuvo en su vertiente aérea, uno de sus exponentes más recurrentes. Pues bien… parece que todo aquello empezó con THE HIGH AND THE MIGHTY (1954, William A. Wellman) –jamás estrenada comercialmente en nuestro país, y que ha sido titulada en su edición en DVD como ESCRITO EN EL CIELO-. Desde el propio momento de su exhibición, la película ha alcanzado siempre un gran predicamento entre la crítica norteamericana, y en buena medida ese desconocimiento en nuestro país es el que permitía a aquellos que llegábamos a leer aquello que se escribía sobre el desaparecido realizador, albergar esperanzas ante su contemplación. Había motivos fundados para ello, cuando muy poco después Wellman rodó el que quizá sea el título más valioso de toda su filmografía –TRACK OF THE CAT (1955)-, y el conjunto de lo que nos iba llegando de su obra, por más que siempre evidenciara una notable irregularidad, por lo general ha venido resultando atractivo. Cierto es por otra parte, que en este periodo el norteamericano filmó títulos que no pueden situarse entre lo más atractivo de su aportación al cine –BLOOD ALLEY (Callejón sangriento, 1955) y, en menor medida LAFAYETTE ESCUADRILLE (1958), su última película-. Sin embargo, el eco del prestigio norteamericano de THE HIGH… era un elemento que –aunque siempre necesitado de situar en cuarentena-, permitía albergar ciertas expectativas.

Lamentablemente, estas se disipan al poco de iniciarse el visionado de esta superproducción de la Warner, con la que Wellman se entrenó en el uso del recién creado Cinemascope. Y es que estas casi dos horas y media de metraje esconden un artefacto muy bien elaborado en la dosificación de su tensión, pero absolutamente carente de vida en su armazón interno. Es comprensible que en aquellos años cincuenta, la llegada de un espectáculo de estas características pudiera impresionar  a un público ávido de emociones, al que tendían una astuta trampa para lograr demostrar que nada como la gran pantalla podía competir en emociones a la fuerza de la televisión. Sin embargo, el paso del tiempo no ha hecho más que envejecer la estructura de este relato, que en el fondo no supone más que la enésima actualización de esos relatos corales de escasa sustancia –tipo GRAND HOTEL (Gran Hotel, 1932. Edmund Goulding)-, definidos en personajes carente de toda entidad dramática, al que solo ocasionalmente la puntual aportación de un intérprete podría lograr finalmente dotar de interés –este tipo de personajes se confiaba al lucimiento de grandes estrellas o actores de carácter-. En esta ocasión, desde el primer momento asistimos al “desfile” del cúmulo de estereotipos, en calidad de pasajeros de un vuelo que discurrirá de Honolulu a San Francisco, y en donde –con cierto rebuscamiento-, tendremos una amplia gama de posibilidades. Desde el matrimonio adinerado en crisis, hasta otro de clase media aparentemente feliz que ha pasado unas vacaciones llena de inconvenientes; un director teatral egoísta, caracterizado por su miedo atroz a la muerte, un científico que ha decidido abandonar esta práctica al comprobar la escalada de destrucción que la misma ha adquirido, una mujer ya madura que ha conquistado por escrito a un confiado enamorado que vive en un rancho… En realidad, poco importa sea cual sea la combinación, todos compiten por ser más estereotipados, avanzando esa tendencia que años después se haría popular en títulos tan conocidos como de escasa calidad, como AIRPORT (Aeropuerto, 1970. George Seaton) y su larga descendencia.

En ese sentido, justo es reconocer que THE HIGH… se revela bastante superior a sus lejanos descendientes, aunque bien es cierto que lo peor de su conjunto ya deja avanzar esa molesta tendencia. Los diálogos en líneas generales son penosos, la música de Dimitri Tiomkin –por mucho que fuera galardonada en su momento, y contando con su conocido tema central- es molesta y altisonante en buena parte de su tramos, y vista con la distancia que proporciona el paso del tiempo, la película ha envejecido notablemente dejando ver sus fisuras, de entre las cuales una de las más ridículas resultan los flash-back que adornan algunas de las evocaciones de sus personajes –en concreto la que describe las azarosas peripecias vacacionales del matrimonio arquetípico de clase media, expuestas en un torpe tono de comedia slapstick-.

No obstante, pese a todos estos lastres –que en todo momento adquieren suficiente relevancia-, lo cierto es que con resultar un producto finalmente discreto, reviste algunas virtudes que se centran sobre todo en la formulación del relato como artefacto de relojería. Aún hoy, más de medio siglo después de su realización, THE HIGH… adquiere en su mecánica una eficacia hasta cierto punto insólita en el cine de nuestros días –por ejemplo, la manera con la que se van introduciendo los detalles que avanzan la posterior avería del avión-. Es evidente que pese a esa carencia de densidad de la fauna humana que puebla sus imágenes, el relato se podrá contemplar de la manera más distanciada que se pueda y nunca llegará a interesar, pero lo cierto es que su metraje se consume con total amenidad. Wellman sabe dosificar los elementos del relato con una pericia desusada en el cine de nuestros días. Y entremedias de este “cocido” guisado con ingredientes de segunda y mano de cocinero de primera, se desprende algún elemento de autenticidad. Bajo mi punto de vista este se ofrece de la mano del veterano actor inglés Robert Newton, que logra conferir de una insólita fuerza un personaje que solo permitía en parte un “número” histriónico. Con gran sabiduría, Newton rehuye ese asidero al elaborar el ya señalado retrato de un poderoso director teatral dominado por el egoísmo y el pánico ante la muerte, y ofreciendo una secuencia llena de intensidad en un plano medio de larga y casi dolorosa situación, en el que tras ofrecer consuelo a una pasajera dominada por el pánico, muestra en su interior que esta circunstancia extrema le está sirviendo para revelar lo más valioso y positivo de su personalidad. Una pincelada de hondura en un contexto de probada, superada y superficial eficacia.

Calificación: 2

Etiquetas: mis criticas

Título: ‘Expediente Anwar’
Título Original: ‘Redention’
Director: Gavin Hood
Reparto: Jake Gyllenhaal, Reese Witherspoon, Alan Arkin, Meryl Streep, Peter Saarsgard, Omar Metwally, Igal Naor, Zineb Oukach, Moa Khouas
Guión: Kelley Sane.
Producción: Steve Golin y Marcus Viscidi.
Música: Paul Hepker y Mark Kilian.
Fotografía: Dion Beebe.
Montaje: Megan Gill.
País: USA.
Año: 2007.
Duración: 122 min.
Género: Drama, thriller.
Estreno en USA: 19 Octubre 2007.
Estreno en España: 18 Abril 2008.
Trailer ‘Expediente Anwar’

Me sorprendió gratamente esta película, y, consciente de que ya empieza a salir de nuestras carteleras en pro de otros taquillazos como ‘Speed Racer’ o ‘Iron Man’, he decidido compartir con vosotros mis impresiones para que no perdáis la oportunidad de verla en el cine, como dios manda, porque a pesar de ser una americanada de pro, consigue entretener más allá de clichés y tópicos.

La trama se desarrolla a caballo entre el norte de África y Estados Unidos, y aborda tanto el terrorismo islámico, de un lado, como los abusos de poder y la tortura, del otro. No hay buenos ni malos, sólo intereses creados, política sucia, y crueldades de ambos bandos.

La película tiene un buen guión, en cuanto a lo técnico, aunque está llena de tópicos y no concede mucho en cuanto a innovación. Aún así, está bien construido, y consigue enganchar al espectador desde el primer momento. Ayudan también los actores, que pese a no brillar ninguno, están más que correctos.

Jake Gyllenhaal, en su papel de chupatintas reconvertido en chacal al servicio de la CIA, quién será vencido por la conciencia, como mandan los buenos tópicos, es quién más destaca de todo el elenco. Pese a que el citado personaje es un sieso, él consigue hacérnoslo creíble, lo cual no está nada mal.

Witherspoon, Arkin y Streep pasan sin pena ni gloria, y parece mentira, ya que estamos ante un trío de actores con Oscars (la Streep tiene dos) y tan sólo interpretan correctamente su papel. ¿No hubo ensayos? ¿No se trabajó la química? Es evidente que algo ha fallado, porque con tanto talento, la película tenía que ser sencillamente perfecta en interpretación, y no es así.

Aún así, me sorprendió gratamente, como ya os he dicho, porque consiguió entretenerme. Y hay un nivel de cine, el más comercial, cuyo único propósito es ese: hacer dinero a base de divertir, y no de innovar o hacer ‘ARTE’, en mayúsculas. Creo que esta cinta cumple bien su cometido, aunque es una pena que, con los ya citados actores, no se hiciera algo sobresaliente.

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Llega a doler en determinadas ocasiones como espectador cinematográfico, comprobar como se pueden dejar de lado obras en las que la sensibilidad cinematográfica se expone de manera tan sentida, ten medida y al mismo tiempo tan espontánea. En la que el fluir de una narración llega a impregnarte, hasta permitir abandonarte por completo a los sentimientos, sensaciones y emociones de sus personajes. Ciertamente no anda sobrado el cine de los últimos años en muestras tan personales, atrevidas y al mismo tiempo consustanciales en sus virtudes a la esencia más pura de ese arte nacido hace poco más de un siglo, y llevado en sus mejores momentos hacia una expresión puramente visual de formas que emanan de su propia esencia como relato. Esas cualidades, esa plasmación en la pantalla como esencia de lo mejor del cine como arte, se expresa de forma rotunda, hermosa, fluida y sentida en THE NEW WORLD (El nuevo mundo, 2005), la más reciente propuesta firmada por uno de los más singulares realizadores surgidos en las últimas décadas en el cine norteamericano; Terrence Malick. Autor de una obra menguada y personal, telúrica y meditada, es bastante probable que haya ofrecido a su trayectoria su película más lograda, y que deja en el aficionado el regusto de la sabiduría y la esencia, ese deseo a más, que quizá lleve a Malick a no espaciar tanto el devenir de su trayectoria. Al parecer ya se encuentra anunciado un proyecto como nuevo exponente de su andadura, cuando el director cuenta aún con cerca de sesenta y cinco años de edad. De momento, nos detendremos en la evocación de esta película, que no dudo en considerar entre las más valiosas legadas a la cinematografía USA en los primeros años del siglo XXI. Y si algo me llega a llamar la atención es que con THE NEW WORLD nos encontramos con un fastuoso espectáculo cinematográfico –cierto es que expuesto huyendo de la comodidad dramática del seguimiento de un guión arquetípico-, que no logró ser apreciado –el público muy pronto la dio de lado y la crítica se dividió y desconcertó ante sus imágenes-, pasando rápidamente al olvido. ¿Una propuesta demasiado radical y qué exija una excesiva implicación por parte del espectador? Puede que así sea, en una producción cinematográfica dominada por la atomización injustificada del plano, del infantilismo de sus propuestas y una escasa maduración de su vertiente expresiva.

En cualquier caso me sorprende, y mucho, esa sensación de arrinconamiento que se ha producido de manera tan rápida ante una película en la que ni siquiera el elemento de polémica ha logrado una cierta altura. Dejemos por tanto esta cuestión finalmente secundaria, en buena medida por tener la seguridad de no poder resolverla, y aunque con la sinceridad intuición que el paso de muy pocos años, permitirá apreciar ese río de buen cine que nos brinda el film de Malick, que se sitúa en el territorio inexplorado de Virginia a inicios del siglo XVII. Hasta aquí llegarán los componentes de una flota inglesa, comandada por el Capitán Newport (Christopher Plummer). Y lo que en un guión apenas podría ser esbozado con un par de líneas, se expresa en la pantalla con uno de los fragmentos más memorables del cine de las últimas décadas. Dentro de una creciente, sostenida y admirablemente modulada sucesión de planos, asistimos a la llegada de los ingleses a las citadas costas de Virginia y, sobre todo, sentimos sus reacciones, la de los nativos, a una emoción extraña e indefinible que tiene su repercusión en un entorno paradisíaco, que siente en su inmutabilidad la sabiduría de unos seres que van a violentar un entorno hasta entonces regido por la ley natural. Es imposible abstraerse a la musicalidad de esta auténtica sinfonía de sensualidad, en la que quedan reflejados las impresiones de personajes y entornos, en un contexto de unidad y auténtica armonía, en el que muy pronto comprobaremos el carácter rebelde –para el entorno militar en el que se encuentra integrado- del capitán John Smith (Colin Farell). Salvado in extremis de la horca por la benevolencia –o la astucia- de Newport –que valora en él sus capacidades organizativas-, Smith será designado en calidad de enviado hasta el entorno del jefe tribal de las tierras, en una misión que para este devendrá un auténtico viaje iniciático, en donde realmente la película marcará su auténtico objetivo. En efecto, nada más lejos que la intención de ofrecer un exponente más del no muy transitado sendero de cine de conquistadores. Por el contrario, el discurrir de sus imágenes nos lleva de nuevo a uno de los senderos esenciales en el cine de Malick: la búsqueda de lo auténtico, lo realmente valioso y esencial de la existencia, y el contraste y en buena medida el conflicto inevitable entre una vivencia libre, y otra expresada por una limitación y frustración basada en prejuicios de cualquier tipo de exponente. Es algo que tendrá que sufrir Smith a partir de su descubrimiento de la bellísima Pocahontas (Q’Orianka Kilcher). Hija del rey de la tribu, desde el primer momento –en un instante definido por su arrebatador misticismo-, llegará a poner en peligro su vida para salvarlo de un sacrificio seguro. El encuentro entre ambos supondrá la vivencia de un auténtico paraíso perdido. Para él será el descubrimiento de una autenticidad en los sentimientos hasta ahora totalmente ausentes, mientras que para ella Smith representará esa oportunidad de exteriorizar y casi poder vivir la experiencia del amor, a partir de un entorno en el que este quizá se manifestaba de manera más primitiva. Será, por tanto, para ambos, la posibilidad de sentir lo mejor de la experiencia vital. Pero poco podrá durar este paraíso en vida. Smith debe regresar a la fortificación, y pronto descubrirá a su regreso la mezquindad, los prejuicios y la ausencia de verdad que se siente en ese mundo aparentemente civilizado.

En realidad, el verdadero hilo conductor de THE NEW WORLD se centra en el contraste entre la verdad y lo accesorio, entre el sentimiento y el prejuicio, y entre la superioridad muchas veces dolorosa del amor, contra la que se funde cualquier otra consideración. Todo ello estará expresado por la cámara de Malick con una intuición que siempre va guiada por una inspiración cinematográfica, que combina al mismo tiempo una planificación eminentemente clásica, con la incorporación de rasgos y detalles de querencia absolutamente contemporánea –y en ello cabe señalar esa presencia con planos rodados con la cámara al hombro, o el atrevido montaje que en ocasiones se describe a la hora de mostrar la ruptura espacio-temporal de la acción-. La combinación es perfecta y la fluidez de la historia es asimismo impecable. Pero sin lugar a dudas, no es el sendero de la narración propiamente dicha el que se desea seguir. Antes, por el contrario, se apuesta por una narrativa en el que la transmisión de las emociones sea primordial, acompañándose esa vía en ocasiones con el uso de la voz en off por parte de los tres personajes protagonistas. Y digo bien los tres, puesto que en su último tramo, y una vez Pocahontas cree la falsa historia de la muerte de su amado Smith, su dolor se irá transfigurando al corresponder a la atracción que le manifiesta el joven y bondadoso John Rolfe (Christian Bale). No puede decirse –y nunca engañará a este en sus sentimientos-, que sienta hacia él verdadero amor, aunque poco a poco se sienta más cercana a él, y finalmente llegue a casarse e incluso tener un hijo. Ambos llegarán a viajar a Londres –el rey tiene curiosidad de conocer a la antigua princesa indígena-, y allí la joven conocerá la verdad del auténtico amor de su vida; John no murió, sino que consciente de la imposibilidad de de mantenerse al margen de los mundos que los definen, decidió emprender su andadura al margen de la de la joven, posteriormente bautizada por el rito cristiano. Sin embargo, el propio devenir de la vida es el que le llevará a un encuentro final con Smith –que revela semejanzas con el conocido de SPLENDOR IN THE GRASS (Esplendor en la hierba, 1961. Elia Kazan)-, que a la protagonista le moverá a aceptar el nuevo rumbo emprendido en sus vidas, pero que a fin y a la postre, y pese al sincero amor que mantiene con su esposo, le hará aceptar que su vida no puede compartirse por un entorno despojado de la verdad, lo auténtico y lo puro.

En esencia, el film de Malick se inclina siempre por ese sendero de la verdad, mostrándolo por unos parámetros plásticos en los que la fuerza telúrica de sus imágenes, por momentos se desvía por la senda del panteísmo más absoluto –ese uso recurrente a la luz que viene del cielo, la metáfora del agua que discurre como prueba del fluir de la existencia-, dentro de un conjunto dotado de una serenidad admirable. Ni que decir tiene que el realizador logró un aliado de singular importancia en el cromatismo de la fotografía de Emmanuel Lubezki, y la sorprendentemente inspirada partitura de un James Horner en plenas facultades. Pero es indudable que Malick se toma como algo muy personal la planificación de una película dominada por un formato de pantalla singularmente ancha, que sabe manejar a la perfección. No soy el primero en señalar que en THE NEW WORLD se aúnan ecos de Flaherty y el Murnau que ambos rodaron juntos en TABOO (Tabú, 1931). Yo me atrevería a añadir el Renoir de THE RIVER (El río, 1951), ya que aquí se traslada ese contraste entre la aparente gravedad y en el fondo levedad de la vida de la civilización, con el inescrutable fluir de la auténtica existencia. Para terminar, una acotación. Dentro del capítulo interpretativo, y pese a la recurrencia de actores de renombre destaca una sobriedad notable, y una intensidad manifestada en el papel encarnado por un Christian Bale que sabe dejar su impronta pese a la brevedad de su cometido. En cuanto a Colin Farell, es innegable señalar que con esta tendencia, logra dejar de lado ese cliché chulesco que acompaña generalmente sus prestaciones, ofreciendo algunos instantes de rara intensidad, que permiten ofrecer confianza en su talento.

Calificación: 4

Etiquetas: mis criticas

Choya (Alan Ladd) es un experto forajido que es tentado por el viejo Leffingwell (Robert Keith), para que se preste a simular ser el desaparecido hijo del poderoso ranchero Lavery (Charles Bickfort). Para ello deja que en su hombro se inserte un tatuaje que le permitiría introducirse en la familia, ya que el pequeño desaparecido a los cinco años en un rapto, portaba dicho distintivo. No le será difícil al protagonista lograr ser identificado como tal, portando una enorme alegría a la esposa e hija de Lavery. Será sin embargo algo que este no podrá asimilar, introduciéndose en su conciencia un cierto componente de remordimiento. Sentirá especialmente dicha circunstancia con la joven hija de este –Ruth (Mona Freeman)-, quién mostrará hacia Choya una atracción que intentará disimular con un sentimiento de hermana. El protagonista partirá en representación de su padre para vender una manada de ganado, estando inicialmente dispuesto a huir con el dinero de la misma, pero finalmente decidirá –contra el deseo de Leffingwell- ingresar esos cerca de 150.000 dólares en la cuenta de su supuesto padre, y contar a Ruth la realidad de su auténtica personalidad. Este huirá de la ciudad, logrando que Leffingwell le cuente que el auténtico hijo de Lavery se encuentra aún con vida y fue adoptado por un bandido mexicano –Rubriz (Joseph Caleia)-. Así pues, y mientras la dolida hija del ranchero regresa a su casa y relata a su padre la triste realidad, Choya decidirá ir al encuentro de su verdadero hijo, quizá en parte por sentir un remordimiento de conciencia, pero fundamentalmente por el deseo que le mueve de reencontrarse con Ruth. Consciente del enorme trauma que supondría para su mujer admitir el error que han cometido al aceptar a este como su hijo, Lavery decidirá ir a la búsqueda con el hasta entonces bandido y obligarle a retomar la interpretación de su personaje –en una argucia de guión bastante poco creíble-. Choya logrará introducirse en el refugio de Rubriz y conocer a su hijo adoptivo, al que se intentará llevar hasta el rancho de sus auténticos progenitores. Este se resistirá y finalmente acudirá con nuestro protagonista amenazado con un arma, pero tras ser herido, poco a poco adquirirá conciencia del reencuentro con su auténtica familia, hasta que finalmente, in extremis –los dos jinetes, exhaustos y tras escapar del acecho del experto bandido-, son encontrados por Lavery, resolviéndose la situación en pantalla con una hábil elipsis. El verdadero hijo de la familia se recuperará de sus heridas, pero hasta el recinto llegará su padre adoptivo acompañado por sus pistoleros con la intención de eliminarlo, convencido de que ha decidido huir de su entorno. Finalmente, la lógica de la situación llevará a una solución salomónica, permitiendo a Choya poder iniciar un nuevo modo de vida, ajeno por completo del que hasta entonces había sobrellevado, y al cual pudo acceder cuando encontró un entorno acogedor, de cuya calidez le permitieron descubrir sentimientos hasta entonces ausentes en su personalidad.

Así pues, tenemos en BRANDED un personaje prototípico dentro de la filmografía del siempre estólido Ladd –no se puede decir que su limitada personalidad contribuya a definir un personaje con el que el espectador simpatice en ningún momento-. Su altanería –manifestada en todo momento, no solo cuando muestra sus “credenciales de personalidad” al presentarse ante los Lavery; y provocando ya en aquel momento la excitación de Ruth-, es prolongada con los servilismos inherentes a los modos con que Ladd se manifestaba en todos sus personajes cinematográficos. Detalles como la manera con la que posa con su torso desnudo cuando le proporcionan el tatuaje en el hombre, los modos con los que exhibe dicho tatuaje cuando tras la pelea también sin camisa lo muestra para que lo contemple el propietario del rancho, o el gesto de superioridad y pretendida complicidad con el público que ofrece cuando logra introducirse en el hogar de la acaudalada familia, son instantes auténticamente rechinantes que invitarían a abandonar la pantalla.

Afortunadamente, no todo en el film de Maté reviste las mismas características. La película tiene un inicio muy atractivo descrito a partir de una grúa, en donde se muestra la presentación del protagonista y su posterior huída de una población en donde se encuentra en una situación muy apurada. Por su parte, describe interesantes personajes en los interpretados por actores tan experimentados como los interpretados por los veteranos Charles Bickfort o Robert Keith –resulta impagable su expresión cuando contempla como Choya decide ingresar el dinero logrado con la venta del ganado, que se iban a repartir entre los dos-, resalta con el look pictórico primitivo de la Paramount, y tiene una parte final en la que la presencia del paisaje –ausente hasta entonces- reviste un cierto protagonismo. No obstante, y pese a integrarse en el relato una serie de elementos de interés en su guión –entre cutos responsables figura el experto Cyril Hume-, estos no son suficientemente desarrollados, perdiéndose en su devenir. Me estoy refiriendo por un lado a esa frontera que se puede establecer entre el deseo sexual en la frontera con el incesto –manifestada en la actitud de Ruth hacia Choya-, y por otra la fuerza que puede ejercer saciar la búsqueda de los auténticos orígenes familiares, por encima del cariño y la entrega mostrada por alguien que realmente le ha mostrado ese afecto. Cierto es que en el primero de los supuestos se alcanza una cierta temperatura, pero en el segundo exponente se pierde cualquier rasgo de profundidad, en parte por el pobre desarrollo que tiene el personaje del hijo –y también del padre adoptivo-. Unamos a ella el abuso de diálogos registrado a lo largo de la mayor parte del film, y tendremos un retrato bastante completo de esta discreta película, que conserva sin embargo el buen sabor de las producciones de la Paramount, pero a la que sus servilismos e insuficiencias le impiden llegar a unas cotas superiores  a la mera discreción.

Calificación: 2

Etiquetas: mis criticas

De manos de Mariskal Romero, el pasado 27 de Marzo obtenían el disco de diamante por haber vendido más de un millón de copias a lo largo de sus 20 años de carrera profesional. Además, Mägo de Oz, por sus 40.000 copias vendidas de “La Ciudad de los Árboles“, recibía de manos de Alaska el disco de oro.

Un año de reconocimientos que están acompañados por una gira mundial que les llevará a caballo entre América y Europa, junto a los gibraltareños Breed 77.

Ahora, lanzan un nuevo single titulado “Deja de Llorar y Vuélvete a Levantar“:

Sitio Oficial: magodeoz.com

Etiquetas: criticas, novedades, rock, alaska, breed 77

Clásico de culto para los fans del cine de terror, especialmente del de bajo presupuesto, la segunda película de Wes Craven mantiene la apariencia de film cutre, improvisado, paródico, caricaturesco y de insulto a la inteligencia y al buen gusto, aunque contiene lecturas interesantes bajo su fachada de mediocridad y demencia enlatada. Cuenta la historia de una familia que va camino de Los Ángeles que se desvía de ruta a través del desierto del suroeste americano en busca de una mina de plata que una tía les ha dejado en herencia. Ello les hará caer en manos de un grupo de seres extraños, una familia excluida de la sociedad, una panda de mutantes caníbales dirigidos por el padre, un tipo grandullón y patético llamado Júpiter que está ayudado por sus hijos, todos con nombres planetarios.

Más allá de la penosa estética, las interpretaciones de traca, el nulo carisma de los actores y la ausencia del mínimo gusto, la película cuenta con virtudes reales como por ejemplo la mezcla de géneros (terror, road movie, western) el montaje rápido, el uso de la cámara subjetiva, el rodaje de escenas cámara en mano, especialmente las de violencia (fenomenal el asalto a la caravana, la violación de la hija menor y los asesinatos de su hermana y su madre), y lo bien fotografiadas que están las escenas nocturnas, todo lo cual le da un ritmo vertiginoso muy adecuado a la película.

Pero como mucho cine de terror, la película esconde además una lectura más actual y mundana. En el fondo nos está mostrando el enfrentamiento entre dos familias, una de clase media acomodada portadora de valores aceptados y reconocidos y otra de excluidos, de personas fuera de sistema, que representa a los grupos minoritarios del carácter que sean. La película nos habla del choque inevitable entre ambas tendencias y la brutalidad consiguiente que puede desencadenarse, con una simbología que nos advierte claramente de la brutalidad (la crucifixión del padre o el apuñalamiento final) a la que puede conducir una sociedad injusta que establece sus reglas dejando al margen a grupos humanos representativos.

FICHA TÉCNICA
Título: The hills have eyes
Año: 1977
Duración: 89 minutos
País: Estados Unidos
Director: Wes Craven
Reparto: Susan Lanier, Robert Houston, Martin Speer, Dee Wallace-Stone, Virginia Vincent, Lance Gordon, Michael Berryman
Guión: Wes Craven
Música: Don Peake
Fotografía: Eric Saarinen
Producción: Blood Relations

Etiquetas: criticas, lance gordon, martin speer, michael berryman, robert houston

Puntuación: 5/5

Etiquetas: Mamoulian, Arte

Etiquetas: criticas cine

Título: ‘Speed Racer’
Dirección: Andy Wachowski, Larry Wachowski.
Interpretación: Emile Hirsch, Christina Ricci, Susan Sarandon, Matthew Fox, John Goodman, Kick Gurry, Paulie Litt, Roger Allam, Ji Hoon Jung, Melvil Poupaud, Richard Roundtree, Christian Oliver.
Guión: Andy Wachowski y Larry Wachowski; basado en la serie de dibujos animados creada por Tatsuo Yoshida.
Producción: Andy Wachowski, Larry Wachowski, Joel Silver y Grant Hill.
Música: Michael Giacchino.
Fotografía: David Tattersall.
Montaje: Roger Barton y Zach Staenberg.
País: USA.
Año: 2008.
Duración: 129 min.
Género: Acción.
Trailer ‘Speed Racer’ - Segundo Trailer ‘Speed Racer’
Fotos ‘Speed Racer’ - Más fotos ‘Speed Racer’

Impactante. Eso no se puede negar. Los Wachowski se reinventan en un mundo multicolor que no tiene desperdicio en cuanto a lo que se refiere a imagen visual. ¿Y la historia? Pues si visteis ‘Meteoro’, anime del cual es fiel reflejo esta cinta, poco más os tengo que decir. Querían hacer una película para niños, y eso es lo que han hecho. No se espere un guión como el de ‘Matrix’, porque la decepción hará obviar el resto de la cinta, que, según mi opinión, es impresionante.

Para el que entienda algo de fotografía cinematográfica, así como de montaje, viendo ‘Speed Racer’ va a disfrutar más que en un parque de atracciones: respetando al máximo la estética manga, han conseguido que el fondo del plano esté tan enfocado y nítido como lo que se encuentra en primer término. Señores, y esto es difícil, muy difícil.

El montaje, trepidante e innovador, es quizá, junto con la fotografía y la estética, el tercer gran pilar del triunfo de los Wachowski contra lo preestablecido en el ámbito técnico cinematográfico. Es una pena que, en nuestro país, los cines IMAX no la proyecten y se dediquen a filmes no comerciales. Debe ser casi epiléptico ver el abanico de colores de esta cinta, con su ritmo, y su buen hacer en la edición, en 3D.

En cuanto a los actores, poco se puede decir, excepto que están más anime que nunca. La sobreactuación es una tónica constante en estos dibujos, y personajes como el de Emile Hirsch consiguen confundirnos, ¿estamos ante un film de imagen real? Idéntico resultado ocurre con Christina Ricci o Matthew Fox, quienes han captado estupendamente el mensaje impuesto por los directores.

Sarandon y Goodman, al ser actores de la vieja escuela, no pueden sino actuar de manera natural. Y eso es lo que hacen, aunque ninguno de ellos destaca en su interpretación, ni creo que fuera lo que se pretendiera. Es una película de estética, de ritmo, de carreras, donde los coches se enzarzan en peleas, como si de maestros del kung fu se trataran, no de grandes interpretaciones.

Bien es cierto que los Wachowski podrían haber puesto un poco más de interés en la historia, adaptándola al gusto adulto, pero ¿para qué?. Simplemente querían recordar para los niños de ahora lo que significó para ellos en su momento ‘Speed Racer’. Y lo consiguen, vaya si lo consiguen.

Etiquetas: criticas, christina ricci, emile hirsch, john goodman, matthew fox

No cabe duda que los últimos años han permitido una relativa reconsideración en la figura del realizador británico John Gilling (1912 - 1984). Puede ser que esté motivada por el generalizado reconocimiento que ha seguido la producción de Hammer Films –quien sabe-, pero quiero pensar que también se deba al intermitente talento que Gilling demostró en sus producciones ligadas al cine fantástico de aquella época, y que tiene un magnífico exponente en THE FLESH AND THE FIENDS (El demonio y la carne, 1960). Hay quien asegura que SHADOW OF THE CAT (1961) supone su obra cumbre –cosa que no puedo ratificar al desconocerla-, pero lo cierto es que lo que he podido contemplar de su aportación al género da la medida de un realizador artesanal, preocupado por expresar visualmente sus películas. Con estos rasgos logró ofrecer productos revestidos de interés en su realización, compensando –siquiera sea parcialmente- las insuficiencias que se podrían derivar de su condición de títulos caracterizados por su limitada producción.

Ejemplos de lo expuesto lo tenemos en THE REPTILE (1966), PLAGUE OF THE ZOMBIES (1966), y también en THE MUMMY’S SHROUD (1967), que Gilling rodó casi de forma consecutiva para el célebre estudio inglés y que nunca tuvieron estreno comercial en nuestro país. Este último título es el que protagoniza estas líneas, erigiéndose finalmente en un conjunto discreto y con bastantes deficiencias de índole dramática, pero en la que finalmente se revelan bastantes destellos del talento y la capacidad en la composición visual de Gilling. Su metraje se inicia con un relato resumido de las azarosas circunstancias que llevaron a la rebelión contra el joven heredero al trono de Egipto Kah-to-Bey. Este logró salvarse de la masacre del entorno de su antecesor, muriendo finalmente y siendo enterrado por su fiel servidor y jefe de esclavos del faraón, Prem. Muchos siglos después, en la década de los años veinte del pasado siglo, se produce una expedición patrocinada por el adinerado y egoísta Stanley Preston (John  Phillips), a la búsqueda de la tumba del joven heredero. En la misma se encuentran cuatro expedicionarios, entre los que están el hijo de Preston –Paul (David Buck)-. Todos ellos finalmente darán con la sepultura, no sin antes advertir la presencia de un siniestro guardián que les señala en lengua materna el advenimiento de una extraña maldición. Será algo que también advertirá una de las expedicionarias, la joven Claire (Maggie Kimberly), caracterizada por sus facultades de adivinación. Los expedicionarios serán salvados in extremis por el destacamento que ha comandado Preston, permitiéndole regresar a El Cairo y llevar con ellos el cuerpo momificado por la protección de la arena, junto al de la momia de su fiel Prem. Precisamente, la lectura de la maldición que contenía el sudario del joven heredero hará que el sudario de Prem cobre vida, dando inicio a la venganza contra aquellos que profanaron la tumba de su protector.

Cumpliendo la maldición, asesinará inicialmente al veterano responsable de la expedición –Sir Basil Walden (Andre Morell), que ya había sufrido una picadura de serpiente en el momento de descubrir el recinto de la tumba-, al fotógrafo de la misma –quemándole con ácido e incendiando su laboratorio-, y al fiel, neurótico y dependiente criado de Preston –Longbarrow (Michael Ripper)-. A tenor de estas violentas muertes, Preston sobrellevará un creciente temor que le llevará a intentar huir de El Cairo en barco, hasta que finalmente sea una más de las víctimas de la voracidad destructora de la momia vuelta a la vida. La policía de la ciudad, que inicialmente sospechaba del carácter criminal de estas violentas muertes, se rendirá finalmente a la evidencia del carácter sobrenatural de las mismas, hasta que la evidencia de la venganza de la momia solo pueda ser contraatacada haciendo reversible el efecto de la maldición que le dio los poderes de regresar a la vida.

Ni que decir tiene que THE MUMMY’S SHROUD sufre desde las primeras imágenes sus deficiencias de producción. Se trata de una película de medios limitados, y se ha de poner en práctica un cierto esfuerzo a la hora de dejar de lado esta circunstancia, si se quieren valorar los elementos positivos que se detectan en la función. Es por ello que conviene dejar de lado la pobreza de la escenificación de la historia que da pie a la película, las limitaciones y elementos comunes que desprende su guión –obra de Anthony Hinds-, y las estrecheces que impone una descripción de personajes tan corta de miras. Estos elementos se manifestarán en bastantes ejemplos donde no se atiende la psicología de sus personajes, por lo que sus andanzas adquieren un matiz anecdótico sin desarrollo dramático, y el discurrir de los crímenes de la momia, la presencia del guardián de la misma y su madre pitonisa carecen de rigor. Tanto como la definición del carácter egoísta del promotor de la expedición, que le lleva al desprecio –implícito por parte de su esposa Barbara (Elizabeth Sellars), y mas evidente en su joven hijo Paul-. De todos modos, no sería justo centrarse en esas carencias a la hora de calificar un conjunto, que incluso a estos niveles propone detalles interesantes. Elementos como ese latente desprecio manifestado por Barbara a su esposo –expresado brillantemente con la elegante e interiorizada interpretación de Elizabeth Sellars-, la presencia de ese extraño personaje del servil ayuda de cámara Longbarrow –al que Michael Ripper proporciona una interpretación que le hace parecer una nueva versión del Renfield creado por Dwright Frye en el Frankenstein de Whale-, o la extraña personalidad que describe a la joven Claire, definida por esas facultades de adivinación que, en cierta medida, le hacen adivinar el futuro del colectivo que sufre la maldición, siendo la única que puede frenar el inexorable devenir de la misma.

Que duda cabe que incluso en estos personajes se podría haber profundizado de forma más clara pero, si más no, el discurrir de THE MUMMY’S..., permite contemplar las capacidades cinematográficas de Gilling, que se manifiestan en muchos de los instantes de la película. Desde un especial cuidado en la composición de los planos y la ubicación de los actores en el encuadre –son significativos aquellos momentos que muestran las andanzas de estos, teniendo como fondo la momia que realmente provocará el estallido de la tragedia-, algunas de las descripciones de los asesinatos de esta –destaca especialmente la fuerza que muestra la lucha del fotógrafo contra la momia, arrojándole una botella de ácido, y finalmente sufriendo el mismo trato por parte del ser retomado a la vida-, y una innata habilidad en el montaje que sirve de conexión a las diferentes acciones en las que se desarrolla el film, ofreciendo con ello un matiz sobrenatural bastante interesante. A ello, cabría añadir la destreza con la que el director sabe insertar contrapicados que dinamizan el desarrollo de las secuencias más inquietantes, o la rememoranza que supone la forma con la que finalmente se destruye la momia, evocando el final de HORROR OF DRACULA (Drácula, 1958, Terence Fisher). Es evidente que dentro de ese contexto, THE MUMMY’S… revela el interés de un director como Gilling para conferir interés cinematográfico a una propuesta con un punto de partida bastante pobre. Lamentablemente, esa inquietud en algunos momentos se revela caduca, cuando dentro de este bagaje se inclina por la inserción de grandes angulares y efectismos visuales propios de la época en que se rodó el film, que empobrecen un conjunto tan limitado como en bastantes momentos atractivo, y que supone quizá uno de los últimos productos de interés del cine de un estudio, que tantos grandes títulos brindó al cine fantástico del viejo continente.

Calificación: 2

Etiquetas: mis criticas

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El gran director John Sturges daba la medida de su gran capacidad sobre todo en sus películas “menores”, como ésta de 1958, un western que podría calificarse de típico y convencional pero que adquiere dimensión propia gracias a su bien construido guión y a los matices ambiguos, contradictorios y moralmente difusos que caracterizan al dúo cuyo enfrentamiento es la base del drama. La película cuenta la historia de Wade (Robert Taylor), uno de tantos sheriffs que durante sus años más jóvenes se habían situado al otro lado de la ley, y que tras un último trabajo, el robo de un banco, junto a su antigua banda, decidió dejarlo sin revelar al resto de forajidos dónde había escondido el último botín. Sin embargo, leal con su antiguo camarada Clint (Richard Widmark), lo salva de la horca liberándolo de la prisión donde está encerrado. Clint y su banda no creerán compensada la deuda y acosarán a Wade para que les revele el paradero del dinero del atraco.

Western breve pero muy sólido, construido sobre las dobleces de unos personajes atormentados y contradictorios que actúan no con odio o por venganza sino como única salida a sus respectivas vidas encasilladas y tramposas, la película crece realmente con la llegada al pueblo abandonado donde supuestamente se halla enterrado el botín, un pueblo cercado en mitad de territorio indio en el que la amenaza de ataque es tanta como la de destrucción entre Wade y Clint. Es en esos instantes cuando la pericia de Sturges combina el drama psicológico y la acción con el choque de intereses: dinero, conservar la vida ante los indios, el rencor que ha destruido una antigua amistad…

Película menor en una filmografía repleta de grandes obras para un director injustamente olvidado o menospreciado.

FICHA TÉCNICA
Título: The law and Jake Wade
Año: 1958
Duración: 84 minutos
País: Estados Unidos
Director: John Sturges
Reparto: Robert Taylor, Richard Widmark, Patricia Owens, Robert Middleton, Henry Silva, DeForest Kelley, Burt Douglas, Eddie Firestone
Guión: William Bowers, sobre la novela de Martin Albert
Música: Fred Steiner
Fotografía: Robert Surtees
Producción: Metro Goldwyn Mayer

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La formación alicantina se ha autoproducido íntegramente un elepé que verá la luz este mes de Mayo, en concreto, el Martes 13. Se presenta con el curioso título de “De Lao A Lao” y supone la evolución más fuerte desde los inicios de Guaraná, en palabras de los propios componentes.

En “De Lao A Lao” colabora, en una de las mezclas, Ramón Melendi. El asturiano participa prestando su voz y aportando la mezcla perfecta de rock latino que acompaña al disco.

Sitio Oficial: guaranaweb.es

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La reina del Pop, Madonna acaba de lanzar su último CD: Hard Candy (caramelo duro), y desde el momento en que la diosa presentó este nuevo lanzamiento mundial, sus millones de fanáticos irrumpieron en las disquerias en busca del nuevo material…

Hoy en Mazcue te vamos a contar un poco más, te vamos a mostrar todo lo relacionado con Hard Candy, para que no pierdas detalle.

Hard Candy es el nombre del undécimo álbum de estudio producido por ella, Pharrell Williams, Timbaland y Nate “Danja” Hills, el álbum contiene un estilo hip hop con influencias de R&B contemporáneo. Su lanzamiento mundial se fijó para el 28 de abril de 2008, y para el día siguiente en Estados Unidos. Éste es el último álbum de estudio que Madonna lanzará con Warner Bros. Records.

¿Por qué? Los rumores empezaron en junio de 2007, Madonna “ya ha roto el contrato con” Warner Bros para firmar un acuerdo por 10 años y 86 millones de euros con la promotora Live Nation. Si la negociación llega a buen puerto, la mujer mejor pagada de la industria musical, la artista que reinventó la definición de superestrella pop, podría redefinir también el papel tradicional de las discográficas.

A través de este trato “sin precedentes”, como lo describen fuentes cercanas al asunto, Live Nation vendería sus discos, montaría sus giras y controlaría el merchandising, espónsores y licencia del nombre e imagen de la reina del pop. A cambio, la diva de 49 años recibiría un anticipo de 12,5 millones de euros y otros dos pagos de entre 35 y 42 millones por tres discos. Según el rotativo The Wall Street Journal, Madonna ya ha avisado de su marcha a Warner, la discográfica que ha publicado sus hits desde el Holiday de 1983, porque no ha podido superar la oferta de Live Nation. Por contrato, la cantante tiene que grabar otro álbum de estudio con este sello, además de un grandes éxitos. Warner mantendría los derechos sobre el catálogo de Madonna de los últimos 20 años. Muchos leen este acuerdo como un nuevo modelo –versión siglo XXI– para conducir el negocio de la música tras la agitada revolución digital de la última década. De momento se desconoce cuándo aparecerá el primer álbum de Madonna con la promotora de Beverly Hills, ni cómo esta compañía con escasa infraestructura de distribución lo hará llegar al público.

Madonna se había inspirado en el trabajo de Justin Timberlake: FutureSex/LoveSounds por lo que se dijo que Timberlake también tendría una participación en el nuevo álbum y así lo hizo. En diciembre de 2007 aparece en la red una grabación del primer sencillo “4 Minutes” (que en un principio fue llamado “4 Minutes to save the world”), dicha grabación era una parte de la canción que fue presentada por Timbaland el 16 de diciembre de 2007, durante un concierto de navidad en el “Philadelphia Jingle Ball” en Camden, Nueva Jersey. Una persona del publico grabó el audio de esa presentación y fue publicada en Internet.

El 14 de marzo de 2008 Madonna da a conocer la carátula de «Hard Candy» en la que ella aparece en una pose sensual y tentativa, en el fondo se muestran caramelos rosados; la portada va acorde al álbum mezclando el boxeo (dureza) y los caramelos. [la foto que ven acá]

Realmente me gusta escribir con Justin (Timberlake)… Hicimos sesiones de psicoanálisis cada vez que escribíamos una canción. Nos sentabamos y empezabamos a hablar de diferentes situaciones, problemas amorosos, etc. Esa es la única forma, porque escribir canciones con alguien es algo muy intimo, fue muy divertido, porque él es muy abierto y tiene talento. Él es un gran letrista. No he trabajado mucho con letristas a los que me conecte tan bien y estén tan interesados tanto en el ritmo de las palabras como el sentido de estas.

Fueron las palabras de Madonna sobre la colaboracion de Justin en Hard Candy.

Las Críticas:
Aunque Hard Candy suscitó una notable expectación, alimentada por los éxitos previos de Madonna (álbum Confessions on a Dance Floor) y por la novedosa participación de Justin Timberlake y Timbaland, las primeras críticas han sido mayormente frías. La convicción predominante es que Madonna, tras una década de influencias tecno de gusto europeo, quiere recuperar presencia en el mercado norteamericano y para ello se sumerge en los ritmos de moda en aquel país, descuidando demasiado las melodías y las letras. Según estas críticas, Madonna habría cedido el control artístico a sus productores, de tal modo que el álbum no tiene el carácter distintivo de los suyos.

Diego A. Manrique, de El País (2 de mayo de 2008), valoró el álbum de manera bastante dura, subrayando el afán más comercial que creativo de Madonna. Según él, la maquinaria promocional de la cantante intenta imponer o sobrevalorar un producto musical que realmente no alcanza los niveles de calidad habituales. Su frase más contundente es: «Con tanto dinero, ¿no podía haber elegido compositores hábiles?».

A su juicio, el sencillo 4 minutes tiene cierta «chispa», aunque la producción de Timbaland es demasiado pesada y amenaza con fracasar el resultado. Candy Shop le parece de una picardía inadecuada para una cantante madura, «¿estas metáforas no son para las lolitas?». Sus críticas más duras son para Spanish Lesson («una simpática españolada que no da mucho juego» por la escasa voz de Madonna) y el dueto con Kanye West, Beat Goes On, «canción de relleno» que no existiría «con los antiguos controles de calidad», que según él, apartaban las canciones flojas «a las caras b de los singles». Manrique valora algo mejor She’s Not Me, «una rodaja del funky que hacía Prince en sus primeros años», aunque tacha la letra de «tontorrona» y cree que «está en formato maxi, se alarga demasiado». Miles Away le parece «pop de centro comercial», con ingredientes «infalibles» como la guitarra acústica y las voces que se alejan. La última canción, Voices, la considera un final ampuloso, aunque otros críticos la consideran mejor, al ver en ella toques más turbios y menos «blandos».

Las críticas han sido también frías o claramente negativas en la web de El Mundo y en la revista OK, que valora positivamente la nueva incursión en español de Spanish Lesson, pero critica la disparidad de tantos estilos en un solo disco, «por el afán de Madonna de gustar a todos».

En los medios norteamericanos, las críticas son mayormente igualmente tibias o negativas. Se cuestiona que Madonna se haya sumergido ahora en la onda musical de Timbaland, cuando este productor ya ha dejado de ser rompedor y se limita a fabricar éxitos convencionales para cantantes dispares. Se echa de menos el nivel de sus producciones con Nelly Furtado.

Las críticas sobre una «falta de personalidad» son bastante comunes: «Son canciones que no parecen creadas para ella», sino que parecen descartes o variaciones de sonidos anteriores, «que los productores han dado a Madonna» como podían haberlos dado a cualquier otra cantante. De acuerdo a este juicio, «en 4 minutes, Madonna queda en segundo plano ya que (de manera inusual) ha cedido poder a sus colaboradores».

También se cree que el afán de la cantante de parecer joven cae en un exhibicionismo. Algunas críticas en foros de Internet subrayan que ella da pie a cuestiones de edad y forma física para demostrar su poder, y que tal afán repercute en coreografías muy forzadas y en un descenso de calidad artística.

Por el contrario, la agencia Reuters y algunos medios anglosajones elogian el álbum como «generoso» y como un éxito comercial cantado.

En algunos chats, los fans de Madonna tampoco se ponen de acuerdo al valorar el álbum y el video musical de 4 minutes. El baile con Justin Timberlake les parece más un alarde de gimnasio que una coreografía realmente creativa, y tampoco han gustado los efectos visuales de cuerpos que se abren.

¿Vos qué opinas?

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El último disco lanzado al mercado por Bon Jovi, “Lost Highway“, del pasado Junio de 2007, supera las ventas mundiales de 3 millones de copias y está próximo al disco de Oro en nuestro país.

Coincidiendo con el único concierto que Bon Jovi dará en España (el próximo 1 de Junio), se edita “Lost Highway Tour Edition“, que consta de 2 CD’s, que yo no compraría ni por asomo. No olvidemos, que Bon Jovi no asoma su sonrisa profidén desde hace cinco años, por lo que se convierte en un acontecimiento esperado por muchos de sus seguidores. Además, la banda traerá una nueva puesta en escena a la altura de los grandes estadios por donde pasará.

Y para apoyar el lanzamiento y su inminente concierto, un nuevo single, “Whole Lot Of Leavin“:

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