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Por lo que he leído en otra parte (no tengo el enlace), la batería duraría unos 90 días.

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Un vídeo publicitario con algunas curiosas ilusiones ópticas:

(vía 3quarksdaily)

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Millones de personas no se creen que Neil Armstrong, Buzz Aldrin y otros diez hombres pisaron la Luna entre 1969 y 1972. El ingeniero espacial y escritor James E. Oberg calcula que en Estados Unidos hay un 10% de incrédulos y, hace dos años, una encuesta entre universitarios del país revelaba que el 27% duda seriamente de que las cosas ocurrieran como las cuenta la NASA. Para toda esa gente, los alunizajes se rodaron en un estudio de cine porque las imágenes son demasiado nítidas, no se ven las estrellas, las banderas ondean y, si de verdad el hombre hubiera llegado a la Luna, habría seguido viajando al satélite.

Aluniza como puedas « magonia « Blogs El Correo Digital

Una lectura muy divertida.

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Traducir películas es muy complicado. La fidelidad de la traducción se pega con la necesidad de ajustar los textos a ciertos límites de tiempo. Por tanto, no es de extrañar que algunas películas acaben con curiosas traducciones. Lo que se perdió en la traducción de Casablanca lo demuestra con esa mítica película.

(gracias a Enreas)

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Recomendable: Semana negra para el desarrollo de la “Sociedad de la Información” en España.

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9. Miss your iPod.

10. Move objects in the real world, for no reason whatsoever, just for pleasure of it. It might not be easy, you must practice a lot.

11. Stop worrying about being overweight.

12. Talk with Einstein about the relativity of time and scold him for helping create the atomic bomb.

13. Forget about lists of things to do before dying.
50 Things To Do After You Die [Post-Mortem Bucket List] « Leo: Unfinished

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De todo lo que podría suceder cuando pongan en marcha el LHC, creo que ésta sería la opción más divertida:

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Nube de términos de esta página hecha con Wordle. Tiene muchas opciones de tipos de letras y colores. Para pasar un rato entretenido:

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Con cuatro temporadas ya, con tantos enigmas abiertos, con un universo tan amplio y tan lleno de posibilidades, olvidé por qué me había enganchado a la serie ya desde el episodio piloto. Pero tras leer Finding Lost (una guía de episodios de las dos primeras temporadas) de Nikki Stafford lo he recordado.

Y no, no fueron los misterios de la serie. Es decir, me encanta el misterio y creo que los guionistas han logrado una atmósfera absolutamente extraordinaria, una historia de vidas vividas en la más absoluta incertidumbre, donde tu mundo puede transformarse de inmediato y donde todo puede volverse del revés. Es más, final de temporada tras final de temporada, han logrado la hazaña de modificar la serie dejándola igual, de ampliar el universo, de introducir nuevos elementos, de trastocarlo sin que el sustrato fundamental –la incertidumbre- se modifique.

Por eso temo tanto a la revelación final de los misterios. Los dos principales –qué es la isla y qué es el monstruo de humo- dicen que se contarán en los últimos episodios de la sexta temporada. Mi problema es que dudo que cualquier explicación pueda estar a la altura del aura de misterio que han logrado, mi temor es que cualquier explicación sea totalmente anticlimática. Cuando dudo de veras a veces deseo que la cancelen antes del final. (En particular, temo que ninguna explicación de ciencia ficción esté a la altura).

Sin embargo, me encantaría que las historias de los personajes tuviesen final, que alcanzasen la conclusión que se supone que deban lograr. Porque eso fue lo que me enganchó desde el primer episodio, esa serie de personajes perdidos en una isla, ese conjunto de vidas que no se sabía cómo eran. Al principio tenías una imagen concreta de cada uno, pero episodio tras episodio, esa imagen –como si de la propia serie se tratase- iba modificándose y en ocasiones se trastocaba radicalmente. De pronto aparecía un personaje destinado a morir pronto que se convertía en un eje central. Y aquel otro que parecía imprescindible moría sin remedio.

Y además, la serie permitía a esos personajes ser héroes de su propia existencia, vivir la vida como la vivimos todos, desde nuestro punto de vista, como si nosotros fuésemos los protagonistas. Antes todo, por mucho que cambie y se rehaga, Perdidos es una serie de personajes. Lo que recordé al leer el libro fue que en la primera temporada se descubría muy poco sobre la isla, pero se descubría un buen montón de cosas sobre los perdidos. Eso fue lo que me enganchó.

Es lo que me sigue enganchando.

No me importan ni la isla ni el humo. Vuelvo porque quiero saber qué pasa con ellos.

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Impresionantes dibujos anatómicos japoneses del siglo XIX:

Unlike European anatomical drawings of the time, which tended to depict the corpse as a living thing devoid of pain (and often in some sort of Greek pose), these realistic illustrations show blood and other fluids leaking from subjects with ghastly facial expressions.

(vía peterme.com)

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Un set de Flickr dedicado justo a eso. Por ejemplo:

(vía art.blogging.la)

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(Click en la imagen para ampliar  y ver el resto)





La revista Elle ha realizado un reportaje de una plasticidad encomiable, dirigido todo ello por el fotógrafo Jaume de Laiguana. En esta colección de imágenes con mujeres como Elsa Pataky, Patricia Conde, Leonor Watling, Natalia Verbeke, Blanca Romero, Mónica Cruz, Ariadne Artiles, Laura Sánchez, Bimba Bosé y Eugenia Silva, pretenden denunciar el abuso que actualmente se hace del agua, intentando concienciar de un cambio necesario.





Cada fotografía muestra una parte del problema global, desde la escasez de lluvias, la sequía, las inundaciones, los vertidos tóxicos… y es representada por el desnudo de una de las modelos en un escenario diferente para cada ocasión.





La belleza del resultado no radica tan solo en la plasticidad de dichos cuerpos desnudos, ni tan siquiera en los escenarios creados con tanto mimo, se trata de una conjunción de las dos junto con el buen trato que Jaume de Laiguana siempre da a las luces, resaltando las texturas, los volúmenes y creando unas atmósferas llenas de matices.





El resultado de este reportaje (que podéis ver en este post) se transformará además en una exposición en el Pabellón de las Artes de la Expo Zaragoza del 27 de junio al 6 de julio.

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Un impresionante grafito animado. Qué de trabajo:

(vía Art News Blog)

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Este vals fue compuesto por el Maestro Rodrigo Silva Ramos para rendir tributo a los desaparecidos en la tragedia de Armero del 13 de noviembre de 1985.

Vengo de recorrer el sufrimiento/ vengo de sentir el dolor/ vengo de compartir triste lamento/ vengo desde muy lejos/ y vengo de hablar con Dios.
Perdón señor si te pregunto dónde estabas/ aquella noche que volteaste al mirada,/ no quisiste mirar hacia mi pueblo/ se lo llevó el dolor y el sufrimiento/ no quisiste mirar hacia mi pueblo/ se lo llevó el dolor y el sufrimiento.
Aquel Armero del pasado/ ya no existe/ Nieves eternas se llevaron sus recuerdos/ ya no existe el camino/ tan solo se oye el eco/ el bastón y los pasos del abuelo (bis).
Y vengo a recordar aquella noche/ noche de llanto, de tristezas y nostalgia/ niños y viejos, cayeron en tus plantas/ se fueron para siempre, / ¿Señor, en donde estabas? (bis)Para oír la canción.

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La verdad es que su furia está bastante justificada. Yo estoy de acuerdo en casi todo, excepto en algunos detalles. Entre ellos, creo que Owen merecía morir. Merecía morir desde hace tanto tiempo, que dos muertes no parecen suficientes.

(vía Respectful Insolence)

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Después de una filmografía a contracorriente, brutal, sin concesiones, viene y nos hace un remake americano?. ¿De qué vas Haneke? Pero lejos de ser una maniobra comercial, que algo habrá, el cineasta, inteligentísimo, ha accedido a dirigir la misma película con una extraña pero genial condición: rodar ?la misma pelicula? exactamente. Plano por plano. Solo cambian los actores. ¿Y qué sentido tiene este esfuerzo? Pues el de que más personas sufran el mismo golpe bajo. Casi nada. La brutalidad del remake es más fiero que la original, por el simple hecho que se muestra en los multicines de los centros comerciales y mucha más gente la irá a ver. Nadie sabe lo que va a ver exactamente. Nadie sabe la brutalidad, la duración de los planos, su explicidad o carencia de ella. No, no es una peli para ver entre la hamburguesa de la tarde y los litros de la noche, aunque la foto promocional despiste y pueda parecer una pelicula de terror teenager.

OtroCine - Cine Independiente - Cine Alternativo - Criticas de Cine » Funny Games U.S. (Michael Haneke, 2008)

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Pronto es mi cumpleaños, pero con eso de la lista de los deseos y demás, los regalos a veces se adelantan. Hoy hay llegado uno genial: una marioneta de chimpancé que mide algo más de 80 centímetros de alto. Estoy como un niño con simio nuevo:

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Rafael Marín es el responsable de la bitácora Crisei (que recientemente ha cumplido 5 años) y autor de novelas como Lágrimas de luz, La leyenda del Navegante o Juglar. Pero entre sus múltiples actividades se cuenta también el ser un completo estudioso del mundo del cómic y co-creador de títulos como Triada Vértice e Iberia Inc.. También fue guionista de Los cuatro fantásticos. Por tanto es la persona ideal a la que hacerle esta entrevista de una pregunta:

¿Cómo se escribe un cómic de superhéroes?

Como todo guión de tebeo, primero hace falta cierta complicidad con el dibujante. A fin de cuentas, él es quien va a interpretar, y a su modo, la historia que tú le marcas.

Los guiones de cómics se pueden hacer de muchas maneras, sean de superhéroes o no. Pueden ser guiones estrictos y pesadísimos donde el guionista marca lo que pasa en cada viñeta, lo que se ve en cada fondo, el número de viñetas por página, etc etc etc. Todo, para que al final el dibujante dibuje lo que le salga de las narices.

Luego está el “estilo Marvel”, ese invento de Stan Lee porque no tenía tiempo de hacerlo todo: se hace una sinopsis de lo que pasa más o menos en cada página, se le entrega al dibujante, éste lo dibuja como quiere, y el trabajo vuelve al guionista antes del proceso de entintado para que el guionista ponga los textos y explique (o sobreexplique) lo que está pasando en el tebeo. Tiene sus ventajas (el dibujante es más libre), y sus inconvenientes (el guionista muchas veces se ve obligado a justificar que existe cargando de textos el tebeo).

Normalmente yo escribo mis guiones en un estilo híbrido. Sé que a quien primero tengo que seducir es al dibujante, y por eso le cuento una historia donde marco más o menos lo que pasa en cada página y, y ahí está la novedad, indico ya los diálogos y los textos que van a acompañar esa página, de modo que el trabajo no vuelve al guionista. Así trabajé en Iberia Inc, y en Triada Vértice, y en los tres números que hice completos de Fantastic Four. En Inhumanos hice fifty-fifty: José Ladronn sabía los textos pero de todas formas, como metía muchas más viñetas por página de las que se sugerían, tuve que indicar y explicar más cosas para que el tebeo no pareciera vacío.

Eso, claro, es la teoría. Luego vienen los encontronazos con el editor, que no entiende que lo que tú estás haciendo es una forma de ganar tiempo y trabajar mejor. Como todo el mundo se cree capaz de cambiar un texto (sobre todo si el guionista es un españolito que consideran que no sabe inglés), al final te cambian los diálogos y los textos y los personajes acaban respondiendo preguntas que nadie ha hecho… porque el bocadillo con la pregunta ha desaparecido en el proceso. La cosa se complica cuando te ponen un dialoguista que no ha leído las doce o veinte páginas de guión, que se guía sólo por los dibujos y que está además en fase minimalista.

Lo peor que he llevado siempre de escribir guiones de superhéroes (y escribir guiones de cómics para mí, que soy un autor literario, es un coñazo) es meter con calzador las peleítas. es meter con calzador las peleítas. Me traen loco. Por cojones hay que poner que los personajes se dan de hostias, y eso corta mucho el desarrollo de las tramas. También lo pasé mal cuando historias que tenía previstas para doce números las dejaron en cuatro, y cuando un argumento pensado para cuatro números se tuvo que condensar en uno solo.

Lo malo que tiene hacer guiones de superhéroes ya establecido es que ya está contado prácticamente todo. Cualquier idea que se te ocurra ya tiene un precedente, y en el fondo no puedes más que ofrecer una nueva perspectiva a una historia o un quiebro que ya se ha hecho. Eso, que no tendría por qué ser un hándicap per se, se convierte en un suplicio cuando ves que no hay una coordinación real entre los diversos equipos creativos que llevan adelante las distintas series (tuvimos que cambiar las primeras páginas de Los Inhumanos cuando ya estaban en imprenta porque lo que era el Tíbet, o sea, el emplazamiento de Attilan, lo habían convertido en la miniserie anterior en el Océano Atlántico: menos mal que se trató sólo de cambiar masas de blanco por masas de azul, o al revés).

También molesta un pelín ser consciente en todo momento que lo que tú vas a hacer, los empujoncitos que puedas darle a los personajes y sus azares los deshará el que venga detrás de ti. Y no hablemos de la censura, donde no te dejan hacer chistes feministas, ni jugar con alusiones sexuales, ni nada de nada; censura que uno comprende perfectamente. Lo que no comprende ni comprendió nunca era el capricho: esto sí se puede hacer, eso no. Y mañana aquello que sí se podía hacer no se puede, y lo que no se podía, se hace. O sea, que jode un montón no que a uno le manden, sino que quien mande no tenga claro lo que quiere que se haga.

Vivo muy feliz, por cierto, sin hacer guiones de superhéroes. Y, desde que conozco el truco entre bambalinas de lo que se puede hacer y lo que se quiso hacer, prácticamente sin leerlos.

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The Art Inquirer: Hand Painting by Guido Daniele

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Estuvimos en la playa y un amigo me ofreció comer algunas de las algas que corrían por allí:

Me convenció diciéndome que esas mismas las servían en el Bulli. Y claro, en la playa eran gratis. Estaban ricas, por cierto.

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