Luego de que “El Caballero Oscuro” destronó a “Spider-Man 3″ como la película más taquillera en su fin de semana de estreno, nos llega -¿casualmente?- la primera imagen de “Drag Me To Hell”, el regreso del director Sam Raimi al terror, genero que lo vio nacer.

La foto es realmente muy interesante, en ella podemos ver a Alison Lohman asechada en su cama por un putrefacto ser humano. Lohman encarna a Christine Brown (papel que la ascendente Ellen Page decidió abandonar hace unos meses por no estar de acuerdo con el guión) una trabajadora bancaria que luego de negarle un préstamo a una anciana, recibe la maldición de Lamia, lo cual transforma su vida en un verdadero infierno.





En la cinta podemos encontrarnos a Justin Long como el novio de Christine, Lorna Raver como la misteriosa anciana, David Paymer como el jefe de la protagonista y Dileep Rao como otro misterioso personaje que la ayudará a librarse de la maldición.

La trama realmente no parece nada original, pero bueno, es Sam Raimi, creador de joyas de la clase B como “Evil Dead”, “Army Of Darkness” y de la trilogía de “Spider-Man”, así que hay que tenerle un poco más de confianza.

“Drag Me To Hell” (algo así como “Arrástrame al Infierno”) se encuentra en post-produccion y planea ser estrenada el 29 de mayo del 2009 en USA.

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Los musicales son algo difícil de realizar y sobre todo, difíciles de llegar a un publico masivo. Pero “Repo! The Genetic Opera” es algo diferente. Es “un film de culto instantáneo” como lo han etiquetado.

Si, es un musical, pero esto no es “Chicago” ni “Los Productores”. Esto es un musical que toma lo más loco de las películas de terror y ciencia ficción clase B y lo mezcla con mucho rock, música clásica y una ambientación futuristica/gótica/sadomasoquista espectacularmente lograda.





La cinta nos sitúa en 2056, luego que una epidemia devastó el planeta y los órganos de los humanos. Pero el capitalismo no se extinguió, sino que nació GeneCo, una empresa que ofrece transplantes de órganos… por un precio claro esta. El que no pague sus cuentas es visitado por el Repo Men, un personaje muy oscuro que extrae los órganos de los morosos.

La cinta fue dirigida por Darren Lynn Bousman (director de “Saw II, III, y IV”) y cuenta en el reparto con Paul Sorvino (”Goodfellas”), Alexa Vega (”Spy Kids”), Paris Hilton (”House Of Wax”), Anthony Head (”Buffy the Vampire Slayer”), Bill Moseley (”La casa de los 1000 cuerpos”), Ogre (de la banda Skinny Puppy) y la reconocidísima cantante de opera Sarah Brightman (”Phantom of the Opera”).

El primer trailer que circuló ya hace unos meses me dejó con la boca abierta. Este nuevo trailer nos llega desde el Fantasia Film Festival de Francia que se celebra del 3 al 21 de julio donde la cinta será exhibida por primera vez. “Repo! The Genetic Opera” se estrena el 8 de agosto en los Estados Unidos.

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Este interesante thriller debut de Mark Pellington en la dirección (el mismo director de Mothman: la última profecía o el musical U23D) es, o pretende ser, un compendio de muchas cosas: película de intriga montada sobre un misterio vecinal, un suspense político y un drama psicológico, a la vez que se inscribe dentro de esa corriente tan exitosa de finales de los noventa que implica un final sorpresa, completamente inesperado por el espectador, que es continuamente manipulado y dirigido hacia una expectativa que finalmente es truncada con otro final por completo distinto pero igualmente esperable con una asimilación objetiva, y no tendenciosa, del planteamiento de la acción.

La historia nos presenta a Michael (Jeff Bridges), un profesor experto en cuestiones de terrorismo y movimientos políticos violentos que, tras la muerte de su esposa, intenta sobrevivir al trauma en compañía de su hijo y de una alumna que además es amante. Los nuevos vecinos (Tim Robbins, Joan Cusack) tienen hijos de la edad de Grant, y por ello poco a poco entablan una amistad, aunque paulatinamente Michael empieza a sospechar de ellos, intuye que algo ocultan, que esconden un secreto. Nadie parece entender sus sospechas, y cuando llega a pensar que incluso tienen que ver con el accidente que costó la vida a su esposa, todos lo interpretan como un delirio. Sin embargo, no se equivoca del todo.

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FICHA TÉCNICA
Título: Arlington road
Año: 1999
Duración: 119 minutos
País: Estados Unidos
Director: Mark Pellington
Reparto: Jeff Bridges, Tim Robbins, Joan Cusack, Hope Davis, Robert Gossett
Guión: Ehren Kruger
Música: Angelo Baladamenti
Fotografía: Bob Bukowsky
Producción: Lakeshore Ent.

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José Manuel (Parrado, el director) me envía este vídeo que califica como “quizás el primer cortometraje de suspense rodado jamás en Badalona”. Y digo yo que también puede que sea así, aunque yo de cortos de suspense rodados en Barcelona no entiendo demasiado.

Se trata de un trabajo de MicaosProduction, que ya cuenta con ‘Pokart‘ también en su filmografía. A pesar de ser un trabajo de aficionados, corríjanme si me equivoco, el corto ha llegado a engancharme y puede verse incluso como un alegato en defensa de las personas con movilidad reducida. Y, además, si hay que apoyar, se apoya. Y punto.

Gracias por suscribirte a Mangas Verdes. Recuerda que tienes a tu disposición mi música, textos literarios y más en Proyecto Isla. Un saludo

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La versión digital del periódico The Boston Herald publicó ayer la primera imagen de Leonardo DiCaprio en acción en “Shutter Island”, la nueva participación del actor con el director Martin Scorsese.

Las fotos, tomadas esta semana en este de Nahant bajo una gran seguridad terrestre y marítima, muestran a Leo portando un rifle tras una verja de seguridad totalmente vestido de blanco al igual que en las anteriores fotos que te presentamos hace unos días.


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Richard Gere y Antoine Fuqua en pleno rodaje.

El director Antoine Fuqua vuelve al género policial con “Brooklyn´s Finest” (algo así como “Lo mejor de Brooklyn”) la cual está rodando actualmente en los Estados Unidos.

La cinta cuenta con un elenco de primera, todo un clásico en la filmografía de este versátil director afroamericano. “Brooklyn´s Finest”, escrita por Michael C. Martin y con planes de estrenarse el año que viene, cuenta la historia de tres agentes de policías de Brooklyn que acaban en el mismo sitio por diferentes razones, pero ellos son muy diferentes entre si: uno es agente encubierto, otro es bastante corrupto y el tercero es el que siempre ha seguido las reglas a rajatabla.





Richard Gere, Ethan Hawke (quien ya trabajó con el director en la excelente “Día de Entrenamiento”), Wesley Snipes y Don Cheadle son algunos de los que protagonizan la cinta.

Fuqua tiene una interesante cantidad de éxitos en su currículo, entre los que podemos destacar “Día de Entrenamiento” (con Ethan Hawke y Denzel Washinton) , “Lagrimas del Sol” (con Bruce Willis y Monica Belucci), “El Rey Arturo” (con Clive Owen e Ioan Gruffudd) y “Shooter” (con Mark Wahlberg) Actualmente está trabajando en la pre-producción de “Escobar”, la biografía cinematográfica de Pablo Escobar, uno de los narcotraficantes más poderosos de la historia, que será interpretado por el venezolano Edgar Ramírez.

Fuente: Celebrity Mound

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Desde IMDB nos llegan nuevas imágenes de “Quarantine“, la remake norteamericana de nuestra exitosa película “[REC]” del año pasado.

La diferencia central entre nuestra versión y la hollywoodense (además de los actores claro esta) son las locaciones. “Quarantine” nos sitúa en un complejo de apartamentos en Los Ángeles, California, luego la historia es la misma y las escenas son prácticamente iguales.





Realmente un gasto innecesario de plata. Realizar la misma película calcando escena por escena es perder el tiempo. Hubiera sido más fácil doblar la cinta al ingles (como lo hacen con casi todas las películas orientales) ¿no os parece?

La cinta está protagonizada Jennifer Carpenter (” El Exorcismo de Emily Rose“) y la dirección fue de John Erick Dowdle, quien logró cierto reconocimiento con “The Poughkeepsie Tapes“, uno de los tantos falsos documentales del año pasado. “Quarantine” se estrena el 17 de octubre.

Mientras tanto, Jaume Balagueró y Paco Plaza estarían trabajando en una secuela de “[REC]“, una de las cintas más exitosas del cine español de los últimos tiempos. De esta todavía no se sabe mucho, solo se difundió un cartel hace unas semanas.

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El discreto director de cine Peter Hyams (muy discreto, en verdad: Capricornio Uno, La calle del adiós, Los jueces de la ley, 2010: Odisea dos, Apunta, dispara y corre, Más fuerte que el odio, Testigo accidental, Timecop, The relic, El fin de los días, El mosquetero…) filmó en 1981 esta nueva versión espacial del western clásico de Fred Zinnemann Solo ante el peligro (High noon, 1952), transformando la alegoría del mccartysmo y la caza de brujas que escondía la trama de venganza que amenazaba la vida del sheriff en una intriga policial situada en una lejana colonia de Júpiter, y poniendo a Sean Connery en el lugar de Gary Cooper, eso sí, sin una Grace Kelly que echarse entre los brazos. La intriga, que no carece de interés, buen pulso y cierta originalidad en el mensaje, cuenta la historia de un agente de policía enviado a una remota estación espacial en una luna de Júpiter con la misión de investigar la misteriosa muerte de tres mineros de una explotación comercial. Las presiones sobre él aumentan desde que descubre que las muerte se deben a una extraña sustancia que, a modo de droga, se les ha suministrado para el aumento del rendimiento físico y la productividad. Pese a las presiones, se niega a dejar el caso sin resolver, lo que le ocasionará problemas frente a casi todos.

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FICHA TÉCNICA
Título: Outland
Año: 1981
Duración: 109 minutos
País: Estados Unidos
Director: Peter Hyams
Reparto: Sean Connery, Peter Boyle, Frances Sternhagen, Steven Berkoff, James Sikking
Guión: Peter Hyams
Música: Jerry Goldsmith
Fotografía: Stephen Goldblatt
Producción: Warner Brothers

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Luego de solo liberar una imagen de Mirrors hace unas semanas, llega el primer teaser trailer de esta nueva película de terror (remake) del director francés Alexandre Aja.

La cinta original, del 2003, es de origen sur-coreano y fue escrita y dirigida por Sung-ho Kim, que solo rodó dos películas en toda su carrera. Detrás de este refrito está Alexandre Aja, quien dirigió otra remake anteriormente, la de The Hills Have Eyes y saltó a la fama con Haute Tension.


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The Happening, títulada en español con el flojo título de “El Incidente”, cuenta cómo una extraña plaga asola la parte este de Estados Unidos provocando suicidios masivos y comportamientos extraños entre la población.

Un profesor, interpretado por Mark Wahlbergh y su mujer (Zooey Deschanel) se ven inmersos en una huida sin destino claro.

El comienzo de la película tiene tanta fuerza que tal vez pierda un poco de fuelle el resto de la historia, pero consigue mantener la tensión y la inquietud en todo momento.

Hay planos y movimientos de cámara extraordinarios, sobre todo al principio en las escenas de suicidios en la ciudad que ponen los pelos de punta.

Precisamente el punto fuerte de Shyamalan en todas sus películas es la puesta en escena, los planos innovadores y muchas veces inquietantes que realiza con la cámara y sobre todo esa atmósfera especial, misteriosa y perturbadora que sólo él sabe crear, todo esto está presente en The Happening aunque con menos intensidad que en anteriores films como la infravalorada El Bosque.

Tal vez el gran fallo de esta película sea el guión, que podría haber sido mejor, ya que los personajes quedan un poco desfigurados y eso hace perder alma a la película, aunque al final la sensación de inquietud que deja es tan grande que eso no tiene mayor relevancia.

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Un antipático publicista neoyorquino (abominable, como casi siempre, Colin Farrell) sufre la extorsión de un lunático francotirador (voz en off de Kiefer Sutherland, realmente lo mejor de la película) mientras se encuentra utilizando una cabina telefónica; si se le ocurre cortar la comunicación, disparará y acabará con él. Esta es la premisa de un guión de Larry Cohen que permaneció más de veinte años durmiendo el sueño de los justos en un cajón de un estudio de Hollywood. Y bien podría haberse quedado en él hasta que alguien discurriera qué poder hacer con el resto de la película y los personajes y no terminar estropeando como Joel Schumacher una buena idea con torpezas reiteradas en este producto de bajísimo presupuesto rodado en doce días.

Porque la película presume de una profundidad, de un mensaje con contenido trascendente que no tiene. Lo único con algo de gracia ocurre dentro de la cabina: determinadas fases de la conversación, la voz de Sutherland, la cara de caguetas de Farell (sin mérito alguno ya que es un actor que se limita a pasear una única cara por casi todas sus películas, siguiendo el estilo interpretativo “Brad Pitt actor’s studio”)… Lo demás, innecesario, prescindible, superfluo. La supuesta solidez de la historia no es más que una sarta de incoherencias e insensateces acumuladas, sin lógica, verosimilitud ni sentido alguno, y la estética de la película sigue la estela marcada por la MTV en una especie de videoclip de algo menos de hora y media, brevedad que es también una de las mejores notas de la película.

Pensando en esta trama como propia de un capítulo de Alfred Hitchcock presenta, cabe preguntarse qué hubiera hecho un genio de verdad con este planteamiento y la conclusión parece obvia.

FICHA TÉCNICA
Título: Phonebooth
Año: 2003
Duración: 82 minutos
País: Estados Unidos
Director: Joel Schumacher
Reparto: Colin Farrell, Kiefer Sutherland, Forest Whitaker, Katie Holmes, Radha Mitchell
Guión: Larry Cohen
Música: Harry Gregson Williams
Fotografía: Matthew Libatique
Producción: Fox 2000 Pictures

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Los protagonistas están interpretados por excelentes y míticos actores clásicos. Existe una química especial entre Ingrid Bergman y Cary Grant, su romance comienza muy rápido, con apenas dos escenas, ya que lo importante no es cómo se enamoran sino todo lo que ocurre después.

Están maravillosos en esas secuencias en las que al estar en público no pueden hablar claramente pero sus miradas lo dicen todo.

La sencillez y sutileza de esta película se mezcla con una maestría en el manejo de la cámara y la acción en todo momento, con esa escena memorable en la fiesta en la que vemos un plano general que se va acercando hasta llegar a un primer plano de la mano cerrada de ella en la que sólo nosotros y ella sabemos que se encuentra la llave.

Y cómo no hablar de la madre de Alex Sebastián, ese personaje tan hitchcockiano que a veces recuerda a la inquietante Mrs. Danvers de Rebeca. Otra madre dominante y celosa en un film de Hitchcock, es un tipo de personaje que también podemos ver en Los Pájaros por ejemplo. Pero en la cima de las películas que desarrollan esta idea está, por supuesto, Psicosis.

En el libro “El Cine Según Hitchcock” en el que el director conversa acerca de todas sus películas con François Truffaut, Alfred Hitchcock cuenta lo siguiente:

Estas palabras del director expresan lo que para él representaba el Mc Guffin y porqué en esta película la trama de los nazis alemanes y el uranio no está apenas desarrollada.

El Mac Guffin fue un término inventado por Hitchcock y es algo que sólo un genio podría hacer, reinventó la manera de hacer cine ya que lo que para los demás era lo más importante de la película para él era una mera anécdota que ni siquiera merecía la pena desarrollar.

Todo lo que pueda decir de Encadenados no le hará justicia porque es otra de las grandes obras de Hitchcock, de esas películas que apetece ver un fin de semana por la noche para desintoxicarse del panorama cinematográfico actual y recibir una lección magistral de cine.

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El Sueño de Cassandra ha recibido tantas críticas malas que fui al cine a verla con dudas sobre lo que iba a encontrarme, y al principio de la película empecé a pensar que esas críticas tenían fundamento, ya que la primera media hora es realmente aburrida y no ocurre nada de interés, pero cuando comenzó verdaderamente la película, me di cuenta de que estaba ante otra buena película de las que merece la pena ver y hacen que pase un rato maravilloso en el cine.

La introducción es demasiado larga y el final demasiado corto y abrupto, aunque esto último no me molestó en absoluto, al contrario me creó una sensación conocida que solo experimento con films de Woody Allen y de Hitchcock, como una cierta carga de ironía y complicidad con el espectador.

Los protagonistas son Ewan McGregor que, en esta película hace un papel complicado, una persona supuestamente fría y que se demuestra capaz de cualquier cosa con tal de conseguir prosperar económicamente, sin sentir aparentemente remordimiento alguno y Colin Farrell, que es su hermano, un mecánico metido en el mundo del juego y el alcohol, que desencadenará una serie de hechos que se van torciendo de tal manera, que la cosa acaba como las tragedias griegas a las que se hace alusión varias veces en el film.

Es muy interesante la cantidad de pistas que Woody Allen va dando a lo largo de la película sobre cómo va a acabar ésta, en forma de diálogos aparentemente sin importancia, algo que también está relacionado con la utilización del azar como elemento que decide sobre nuestras vidas, mucho más desarrollado en Match Point, en la que único que fallaba para mi gusto era el actor principal (Ewan Mcgregor lo hubiera bordado).

A propósito de Match Point, hay que decir que las últimas tres películas de Woody Allen (Match Point, Scoop y El Sueño de Cassandra) parecen conformar una trilogía con las mismas obsesiones y el mismo fondo. Parece que la “trilogía” ha acabado, ya que por lo que se sabe de la famosa película rodada en Barcelona, no parece que vaya a seguir por los mismos derroteros.

No se si alguien más se habrá dado cuenta, pero como curiosidad, me parece que la actriz que interpreta a la novia de Colin Farrel se parece mucho a Scarlett Johansson, fue elegida a propósito? Inconscientemente? O son imaginaciones mías?

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El próximo 4 de julio se estrena Funny games (U.S.), versión hollywoodiense de la célebre cinta austriaca de 1997 dirigida por Michael Haneke y protagonizada por Susanne Lothar, Ulrich Mühe, Amo Frisch y Frank Giering, uno de los hitos más brillantes y contundentes del thriller en el cine europeo, atrayente, inquietante y repulsiva a un tiempo. La película contaba la historia de Anna, Georg y su joven hijo Georgie, que van a disfrutar de sus vacaciones en una bonita casa a orillas de un lago, en compañía de sus vecinos, Fred y Eva. Pero Peter, un huésped de Fred y Eva, entra un día en casa de Anna y Georg para pedir huevos, ya que a Eva se le han acabado. ¿Cómo ha entrado en casa?, piensa Anna antes de que se desencadenen los acontecimientos.

En esta ocasión, Hollywood se sirve de este clásico para continuar su costumbre de rehacer con actores y actrices anglosajones historias que han tenido éxito en otras geografías cinematográficas con la vaga excusa de hacerlas más accesibles al público norteamericano, triste excusa con la que se intenta ocultar la evidente escasez de creatividad de la industria norteamericana y la continua necesidad de nutrir con trabajo a una serie de estrellas faltas de proyectos dignos que la cinematografía americana no puede proporcionarles.

Al menos para esta actualización, se ha contado con el propio Haneke en la dirección, y se ha rodeado de intérpretes como Naomi Watts o Tim Roth, en lo que en principio sería un superfluo remake americano plano por plano del clásico de 1997, aunque Haneke asegura haber introducido una nueva perspectiva visual. Nada que ver, esperemos, con ese engendro que rodó Gus Van Sant y que pretendía ser una versión actualizada y fotocopiada toma a toma de Psicosis del maestro Hitchcock. Ni siquiera la coincidencia en la autoría justificaría un crimen así.

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