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El Álbum del mes: "Tommy", de The Who, 1969

Diomedes — Fri, 09 May 2008 22:42:17 +0200

Por Diomedes en La Ciudad de los Náufragos el 09 de mayo de 2008 a las 22:42:17

La monumental Ópera Rock que alzó a The Who al estrellato

Para todos aquellos amantes de la buena música (o de lo que cada uno de nosotros considere personalmente como “buena música”), el término Ópera Rock es, a todas luces, una de las expresiones musicales más complejas y ambiguas de cuantas ha originado este preciado arte a lo largo y ancho del siglo XX, partiendo de unos orígenes igualmente confusos e indeterminados.

Muchas han sido las diferentes posturas y opiniones que el público en general ha manifestado entorno a este extraño (y muchas veces incomprendido) género musical, creando auténticas legiones de incondicionales fans por un lado, y enormes tumultos de detractores por otro, los cuales arremetían en contra el género argumentando la innecesaria creación de una excesiva teatralidad por parte los compositores como único vehículo para desarrollar la línea argumental que suele caracterizar a estas obras, lo cual dio lugar a las más variadas disputas entre los críticos musicales del momento.

Pero lo que es innegable (a pesar de que hay incluso gente que se niega a aceptar la existencia de este género), es el hecho de que la creación de las complicadísimas estructuras y líneas argumentales necesarias para el nacimiento de la Ópera Rock, estuvieron promovidas por algunos de los conjuntos musicales más importantes e influyentes, no solo de su época, sino de toda la historia del Rock, como es el caso de bandas del estilo de The Pretty Things, Queen, Pink Floyd o The Who, bandas que, durante los años 60 y 70, trabajaron arduamente en la creación de nuevas experiencias musicales, dando origen a este nuevo género plagado de temas tanto acústicos como eléctricos, maravillosos arreglos instrumentales y una temática extremadamente variada, todo ello en apoyo de una línea argumental que iba cambiando a medida que transcurría el disco.

A pesar de que los orígenes del género son bastante inciertos (además de que resulta difícil decir cual fue el primer trabajo que puede ser identificado como una auténtica Ópera Rock), el cuarteto británico The Who suele ser considerado de forma unánime como el auténtico precursor de este género, en especial gracias a su monumental obra Tommy, publicada en 1969 y de la que vamos a hablar a continuación.

The Who es uno de esos grupos que no tienen parangón, de los que se dice que nunca volverá a verse nada igual en la historia. Liderados por el fantástico vocalista Roger Daltrey y por el incombustible compositor y guitarrista Pete Townshend, este pequeño grupo londinense pasó de tocar en pequeños pubs a convertirse en auténticas estrellas del rock, apoyados además por el bajista John Entwistle y por el batería Keith Moon (una de las mejores secciones rítmicas de la historia). Discos como A Quick One o The Who Sell Out confirmaron el estatus de la banda y su enorme capacidad como compositores e instrumentistas, pero fue sin duda Tommy el álbum que les lanzó al estrellato, dando a conocer al gran público la Ópera Rock y ejerciendo una influencia incalculable en las futuras generaciones musicales.

Tommy (compuesta en su práctica totalidad por el guitarrista Pete Townshend), nos habla de la historia de una familia – la familia Walker -, en especial de uno de sus miembros, Tommy Walker, un muchacho que, tras presenciar la muerte del amante de su madre a manos de su padre (un soldado que acaba de volver a casa tras combatir en la I Guerra Mundial), queda traumatizado hasta el punto de sufrir unas secuelas que le dejarán ciego y sordomudo, comenzando a partir de ahí una odisea que le llevará a convertirse en un auténtico ídolo de masas gracias sus impresionantes dotes para jugar al Pinball (máquinas de petacos), lo que llevará a la gente a descubrir sus verdaderas intenciones.

Lo que parece ser una complicada y confusa trama se acaba convirtiendo en todo un alegato contra la intolerancia religiosa, los traumas infantiles, la sobreprotección familiar e incluso los abusos sexuales, todo ello envuelto en una épica atmósfera musical donde destacan temas tan inmejorables como “1921”, “Cousin Kevin”, “Go to the mirror!”, o la famosísima “Pinball Wizard” (composición en la que nuestro protagonista descubre su talento innato para las máquinas recreativas).

Desde la apertura del disco con el tema instrumental “Overture” (genial composición que cuenta con arreglos de instrumentos de viento y la conjunción de diversos estilos musicales), hasta el épico, apoteósico e inigualable final de “We´re not gonna take it” (para mi, a nivel personal, la mejor canción del álbum), seguimos de cerca la historia de Tommy Walker a través de 23 canciones en las que los integrantes del grupo demuestran lo que son capaces de hacer, apoyados por la producción impecable de Kit Lambert y por su propia capacidad de hacedores.

Además de estos temas, el disco cuenta con otras piezas de igual calidad e incluso más originales, como es el caso de “Do you thing it´s all right?”, “Miracle cure” o “Smash the mirror”, composiciones en las que se pone de manifiesto el carácter ácido e irónico del disco y donde se tocan los más variados estilos musicales, incluyendo varios efectos de sonido.

A continuación os dejo con un pequeño vídeo que recoge uno de los momentos más famosos de la historia del Rock: la estelar actuación de The Who en el concierto de Woodstock que se celebró en el verano de 1969. En esta ocasión podréis observar al cuarteto tocando en plena forma la parte final de “We´re not Gonna take it”, tema que cierra el álbum y en el que podemos escuchar como las masas que decidieron en su día seguir a Tommy, son ahora obligadas por este a jugar al Pinball igual que el, cegadas, sordas y mudas, decidiendo finalmente no hacerlo y volverse contra su tiranía. Absolutamente emocionante.

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Tras casi un mes vagando por el desierto...

Diomedes — Sun, 04 May 2008 09:26:00 +0200

Por Diomedes en La Ciudad de los Náufragos el 04 de mayo de 2008 a las 09:26:00

Aprovechando que hoy, domingo 4 de mayo de 2008, he conseguido levantarme a una extraordinariamente temprana hora de la mañana, me gustaria disculparme con todos vosotros por la tardanza en la publicación de entradas. Este último mes ha estado plagado de mucho trabajo en lo que a la vida universitaria se refiere, algo que estoy seguro de que todos comprendereis. No obstante, también aprovecharé esta entrada para informaros de que la nueva sección abierta el mes pasado continúa en marcha, así como la publicación de nuevas críticas, comentarios y referencias que espero poder colgaros aquí lo más pronto posible. Un saludo a todos!

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La película del mes: "El Puente sobre el río Kwai" David Lean, 1957

Diomedes — Sat, 12 Apr 2008 17:41:00 +0200

Por Diomedes en La Ciudad de los Náufragos el 12 de abril de 2008 a las 17:41:00

Estreno de la nueva sección con un pequeño análisis de esta inolvidable obra maestra del séptimo arte

Hace apenas cinco meses escasos que este vuestro anfitrión cumplió sus primeros veinte años de edad, acontecimiento que supuso para mi la entrada en una nueva etapa de mi vida en la que he podido darme que cuenta de que nuevas responsabilidades caen sobre mis hombros y en la que también, por alguna extraña razón, me siento por primera vez plenamente capacitado para reflexionar sobre mi vida anterior y sobre todas las personas que de algún modo u otro han influido en ella.

En este sentido, y sin ningún tipo de miedo a equivocarme, puedo decir que una de las pocas personas de las que he podido llegar a sentirme realmente orgulloso durante todos estos años ha sido de mi padre, sabio educador al que (junto con mi madre), le debo en gran medida lo que soy ahora.

Fue precisamente el quién comenzó a inculcarme desde una temprana edad el gusto y la pasión por el cine y por la música, facetas de las que le estoy y estaré siempre eternamente agradecido. Aún recuerdo perfectamente aquellas largas tardes de domingo en las que el y yo disfrutábamos juntos viendo películas tan clásicas y míticas como El maquinista de la General, En busca del arca perdida y otras muchas que acabaron contribuyendo a mi formación como amante del cine e incluso como persona.

Pero sin duda alguna, si hay un género cinematográfico por el que mi padre sentía y siente realmente pasión, es por el cine bélico, género que solía inundar las tardes de televisión española en aquellos lejanos domingos de cuando yo era solo un niño. Fue precisamente en una de aquellas incontables tardes cuando mi padre me recomendó el visionado de una película que televisión española emitía aquel día de verano y que con el paso del tiempo se ha acabado por convertir en una de mis películas favoritas de todos los tiempos: El Puente sobre el río Kwai.

Yo contaba con tan solo 8 años, y el visionado de una película de más de dos horas y media de duración no me parecía la idea más atractiva en aquel momento, pero cuando la vi, se me quedó grabada en la retina para siempre. Para mi, aquella película significó una experiencia completamente nueva: nunca antes había observado unas imágenes tan maravillosas y cargadas de emotividad, ni escuchado una banda sonora tan preciosa, ni visto una actuación tan brillante, sincera y convincente como la que el inigualable Alec Guinness realiza en este film, uno de los más recordados, míticos e influyentes, no solo en su género, sino de toda la historia del cine.

La película nos sitúa en uno de los momentos más comprometidos y delicados de la historia de la humanidad: Sudeste asiático, 1943. En el sur de la Birmania ocupada por las fuerzas japonesas durante la Segunda Guerra Mundial, se está llevando a cabo un ambicioso proyecto, la construcción de un enorme ferrocarril que deberá unir las ciudades de Bangkok y Rangún para posteriormente continuar su marcha en dirección a la India, con el objetivo de ayudar al esfuerzo bélico japonés en este sector.

Para la realización de dicho proyecto, los japoneses contarán con la utilización de mano de obra forzosa por parte de los miles de prisioneros de guerra británicos, australianos, americanos y neozelandeses que trabajan en diversos campos de trabajo situados a lo largo del ferrocarril. Es precisamente en uno de estos innumerables campos donde es destinado un pequeño grupo de prisioneros ingleses dirigidos por el teniente coronel Nicholson (Alec Guinness), el cual mantendrá desde su misma llegada una postura distante y muy poco colaborada con el comandante del campo, el coronel Saito (Sessue Hayakawa), quién ha recibido la orden de construir un puente sobre el río Kwai que deberá acelerar la construcción del ferrocarril, tarea que deberá ser desempeñada por los nuevos prisioneros de guerra británicos.

En mitad de las disputas suscitadas entre ambos coroneles (Nicholson no acepta que los oficiales ingleses realicen trabajos manuales ya que está terminantemente prohibido por la Convención de Ginebra), se encuentra el comandante americano Shears (William Holden), un astuto soldado que consigue fugarse del campamento y ser rescatado por las fuerzas británicas, quienes le trasladarán hasta la isla de Ceilán (donde curiosamente fue rodada la película). Una vez allí, Shears se verá obligado a aceptar formar parte de una peligrosa misión que le conducirá de vuelta a Birmania, donde deberán destruir el puente que Nicholson y sus hombres están construyendo de forma obstinada sobre el río Kwai, ya que este se empeñará tanto en construir un puente que resista el paso del tiempo que le hará olvidar sus deberes reales como soldado, siendo objeto de crítica por parte de alguno de sus hombres.

El Puente sobre el río Kwai es una de las pocas películas que realmente esconde dentro de sí misma algo más de lo que aparenta ser, mostrándonos una historia muy humana en la que sus protagonistas (cada uno de ellos con concepciones diferentes respecto al sentido del deber), se comportan de forma diferente en función de la buena o mala marcha de los acontecimientos, y eso en mi humilde opinión es lo que hace de esta película una obra maestra dentro de su género.

Al margen de la orientación de la propia historia, la cinta contiene una multitud de características que son realmente destacables (por no decir todas). Basada en la obra homónima del escritor francés Pierre Boulle (quién también escribiría el Planeta de los Simios en 1963) y dirigida por uno de los más grandes maestros del 7º arte, Sir David Lean (quien todavía no había dirigido algunas de sus otras obras maestras como Lawrence de Arabia o Doctor Zhivago), la película está dotada de una brillantez que muy pocas cintas tienen, tanto en el plano artístico como en el plano técnico.

La espléndida fotografía, a cargo del británico Jack Hildyard (quien ya tuvo la oportunidad de trabajar en otras cintas de David Lean como La barrera del sonido), nos ofrece un gran espectáculo, mientras que la genial banda sonora (compuesta por Malcolm Arnold), forma ya parte de nuestra cultura popular, especialmente la archiconocida Marcha del coronel Bogey, compuesta en 1914 y adaptada para la película.

Pero si tuviese que destacar un aspecto concreto de la película, ese sería sin duda el de las interpretaciones, teniendo a unos Alec Guinness, William Holden, Jack Hawkins y Sessue Hayakawa (nominado al oscar al mejor actor secundario por este papel), realmente excepcionales, en especial Alec Guiness, cuya interpretación sagaz del estricto y disciplinado coronel Nicholson cautivó mi atención desde el primer momento, llegando a convertirse en una de mis actuaciones favoritas de toda la historia del cine.

Todos estos factores, unidos a un guión muy bueno y realmente muy bien estructurado por Carl Foreman y Michael Wilson (quienes fueron perseguidos durante la caza de brujas emprendida por el senador Joseph McCarthy), elevan a esta película a un puesto muy alto al que pocas cintas pueden aspirar, convirtiéndose en una de las principales referencias para las demás películas del género que se produjeron en los años siguientes, (como los cañones de Navarone, la Gran Evasión o Doce del Patíbulo) y ganando siete premios de la Academia en 1957, incluyendo el de mejor película, mejor director (David Lean), mejor actor principal (premio merecidísimo para Alec Guinness), mejor guión adaptado (otorgado a Pierre Boulle debido a la lista negra en la que se encontraban Michael Wilson y Carl Foreman durante la era McCarthey), mejor fotografía, mejor montaje y mejor banda sonora original.

Para terminar el comentario acerca de esta gran película, os dejo con este pequeño vídeo que recoge una de las escenas más memorables de la historia del cine: el momento en el que los prisioneros de guerra británicos, armados únicamente con un uniforme desgarrado y un par de botas destrozadas (algunos ni siquiera eso), desfilan a su llegada al campamento silbando la Marcha del coronel Bogey ante la atónita mirada de los japoneses y de sus compañeros de cautiverio. Realmente mítico.

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"The Dark Side of the Moon" Pink Floyd, 1973

Diomedes — Sun, 23 Mar 2008 00:21:00 +0100

Por Diomedes en La Ciudad de los Náufragos el 23 de marzo de 2008 a las 00:21:00

Un grandioso disco conceptual que nos sumerge en los problemas de la decadente sociedad contemporánea

Si algún día paseando por la calle, alguien me ofreciese rellenar un cuestionario sobre mis gustos y preferencias personales, y en el tuviese que escoger un conjunto musical de entre todos los surgidos en el turbulento Siglo XX, mi elección recaería con total seguridad sobre el cuarteto británico Pink Floyd, una de las mejores y más importantes bandas que ha dado la historia del Rock.

Su aparición en el escenario musical británico a finales de la década de 1960 implicó un cambio radical en el concepto que se tenía hasta entonces de la música, en una época en la que grandes bandas como The Beatles ,The Rolling Stones o The Who inundaban, no solo las listas de ventan europeas, sino que también conquistaban al público norteamericano, teniendo ventas millonarias y realizando multitudinarios conciertos por todo el mundo.

En este marco, Pink Floyd (que en aquellos primeros años se encontraba liderado por el fantástico guitarrista y compositor Syd Barrett), decidieron apostar por algo nuevo, viéndose enormemente infuenciados por la Psicodelia (estilo que grupos como The Jimi Hendrix Experience o Jefferson Airplane venían desarrollando desde hacía tiempo y con una gran éxito), el Rhythm and Blues, el Jazz, y más tarde por el Rock Progresivo (este último de la mano de King Crimson), dando lugar una nueva gama de texturas musicales nunca vistas hasta el momento.

De esta forma, Pink Floyd se convirtió en uno de los mejores, más influyentes e importantes conjuntos de la década de los 70, dando lugar a trabajos tan imprescindibles como “The Piper At The Gates Of Dawn”, “Atom Heart Mother”, “Animals” o “The Wall”.Y es precisamente en este mes cuando se cumple el 35 aniversario de uno de sus mejores y más memorables albumes, “The Dark Side of the Moon”, uno de los trabajos musicales más importantes y definitivos del Siglo XX.

Con el cuarteto ya establecido y formado por el batería Nick Mason, el teclista Richard Wright, el bajista Roger Waters y el guitarrista David Gilmour (el cual sustituyó a Syd Barrett en 1968 debido al tremendo uso de las drogas que imposibilitaba el trabajo de este último), Pink Floyd sacó al mercado este apabullante album en 1973, dejando claro que su enorme capacidad de hacedores y su increíble calidad musical superaban con creces todo lo imaginable (si no lo habían conseguido ya antes), ofreciéndonos en este disco conceptual una amarga visión de la sociedad decadente en la que vivimos.

El Album comienza con una sencilla introducción llamada Speak To Me, en la que podemos oir efectos de sonido tales como el latir de un corazón, una máquina registradora, o una risa maligna, todo ello enlazado perfectamente con el siguiente tema, Breath, una etérea composición en la que podemos disfrutar de una sección rítmica magníficamente compenetrada y de un David Gilmour inmejorable con el Lap Steel.

La siguiente canción, On The Run, es un tema instrumental que intenta transmitirnos las sensaciones de agobio y presión que suponen viajar constantemente de un lugar a otro, lleno de efectos de sonido y sintetizadores donde podemos notar la mano de Alan Parsons, el cual contribuye en gran medida en la realización de todo el disco.

El siguiente tema, Time, constituye una de la mejores canciones de Pink Floyd y una pieza en la que todos los integrantes del grupo aportan lo mejor de sus habilidades musicales. La canción comienza con un gran número de relojes y campanas sonando simultáneamente, seguido todo ello de un magnífico solo de batería a manos de Nick Mason. Hacia la mitad de la canción, David Gilmour nos deleita con uno de los mejores solos de guitarra de toda su carrera, considerado por muchos uno de los mejores solos de la historia del Rock. Curiosamente, aquí también podemos escuchar la voz del teclista Richard Wright.

A este tema le sigue The Great Gig in the Sky, un genial balada compuesta por Richard Wright y en la que podemos disfrutar de la voz de la cantante Clare Torry en una de sus mejores interpretaciones.

La siguiente canción comienza con el familiar sonido de una máquina registradora seguido de una de las líneas de bajo más reconocibles de la historia del Rock. Se trata de Money, uno de los mejores y más famosos temas de la extensa carrera de Pink Floyd, y posiblemente la mejor canción del álbum junto con Time. En ella se critica muy sarcásticamente el papel que el dinero ha tenido y tiene en nuestra sociedad, todo ello enmarcado en un tema con un ritmo muy pegadizo, la genial melodía de un saxofón y con un David Gilmour que de nuevo nos obsequia con otra de sus más grandes interpretaciones.

A partir de aquí, el álbum decae un poco líricamente hablando, aunque de ninguna forma lo hace en el plano instrumental. La siguiente canción es Us and Them, el tema más largo del álbum (casi 8 minutos de duración), y que vuelve a estar lleno de trabajadas melodías.

Any Color you Like constituye el otro tema instrumental del disco, con una duración similar a On The Run y con un David Gilmour experimentando a tope con la guitarra.

Las últimas canciones del álbum, Brain Damage y Eclipse, puede que no alcancen las cotas de calidad del resto de temas, pero aún así presentan unas letras muy trabajadas y una gran armonía entre los diversos instrumentos musicales, ofreciendo un dignísimo final para este gran disco.

Con más de veinticinco millones de copias vendidas, una calidad realmente excepcional y con una auténtica revolución en la utilización de sintetizadores y efectos de sonido, The Dark Side of the Moon se alza como uno de los mejores y más influyentes albumes de la historia del Rock, una obra maestra que debería encontrarse en prácticamente cualquier colección de música.

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Nuevas iniciativas

Diomedes — Sat, 22 Mar 2008 23:03:00 +0100

Por Diomedes en La Ciudad de los Náufragos el 22 de marzo de 2008 a las 23:03:00

Aprovechando que este año se cumplen varios aniversarios de algunos de los albumes y trabajos musicales más importantes del Siglo XX, os anuncio que he tomado la determinación de crear un nuevo espacio en este blog dedicado al album, la película y el libro del mes. Creo que puede llegar a ser una iniciativa bastante interesante en lo que a contenidos se refiere, por lo que os animo a que opineis acerca de ella en esta entrada de manera que podamos compartir nuestras opiniones. Así mismo, aprovecho para deciros que próximamente realizaré mi primera incursión en el mundo de la crítica musical colgando un pequeño comentario del álbum de Pink Floyd, The Dark Side of The Moon, del cual se cumplen ya 35 años en este mismo mes.

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Art in the USA: 300 años de innovación

Diomedes — Sat, 08 Mar 2008 20:10:00 +0100

Por Diomedes en La Ciudad de los Náufragos el 08 de marzo de 2008 a las 20:10:00

Finalmente lo conseguí. El viernes de hace algunas semanas tuve la oportunidad de desplazarme hasta Bilbao para poder asistir a la exposición pictórica que lleva por título, Art in the USA: 300 años de innovación, la cual se encuentra alojada actualmente en el museo Guggenheim por un periodo de tiempo de siete meses, desde octubre de 2007 hasta abril de 2008.

La exposición (que se centra sobremanera en el arte norteamericano de la primera mitad del siglo XX), ya pudo ser disfrutada por este vuestro anfitrión hace algunos meses, aunque no de forma satisfactoria debido al poco tiempo del que dispuse, por lo que hubo una gran cantidad de detalles que no pude apreciar en esta maravillosa colección que acoge, además de pintura, algunas obras completamente innovadoras y originales.

Pero en esta ocasión, ha sido casi un día entero el que he pasado entre los muros vanguardistas del museo bilbaino de la fundación Guggenheim, pudiendo ahora adentrarme más tiempo en cada una de salas, cogiendo algún que otro apunte, e incluso nutriéndome de las explicaciones que los guías daban a los distintos grupos de escolares que aquel día abarrotaban el museo. Todo esto ha servido para que pueda ofreceros un testimonio amplio y de primera mano acerca de las casi doscientas obras que componen esta colección y que podéis leer a continuación.

Tal y como reza la inscripción del mural que se encuentra a la entrada de la primera sala de la exposición, “Art in the USA: 300 años de innovación pretende dar una visión de conjunto del arte de una nación que lucha por definirse. 200 obras de arte nos muestran el resultado de la experiencia norteamericana: sus mitos, sueños, dificultades y debilidades”

Esta es, al menos en parte, una forma de resumir el conjunto y el carácter de la exposición, la cual además utiliza las obras como vehículo para explicar el contexto histórico que marcó a los Estados Unidos desde su nacimiento como nación hasta nuestros días. A lo largo del recorrido (que supuso ver una gran cantidad de obras que trascienden cualquier etiqueta), nos encontramos con la historia de los Estados Unidos transmitida a través de decenas y decenas de imágenes, pudiendo ver caracterizados a sus héroes nacionales, los problemas internos de la nación y los diferentes conflictos bélicos en los que ha participado, incluyendo por su supuesto, la Guerra de Secesión (1861 – 1865).

Sin más preámbulos, os dejo a continuación con mi pequeño reportaje acerca del contenido de la exposición, espero que le disfruteis.

La primera sala está dedicada única y exclusivamente a la época de la colonización británica de Norteamérica y a la posterior Guerra de la Independencia (1775 – 1783), al igual que a la Guerra de 1812 (1812 – 1815). Al principio, el arte americano de esta primera época compartía una gran cantidad de similitudes con el arte colonial europeo, por lo que los primeros retratos de los colonos reflejaban a la perfección el puritanismo típico de la región de Nueva Inglaterra (algo que se puede observar perfectamente en obras como El retrato de Clarissa Gallond Cook, de Erastus Salisbuty Field), pero a partir de 1776, con el advenimiento de la Guerra de la Independencia, se puso de manifiesto un renovado deseo por parte de los artistas de distinguir el arte norteamericano del Europeo. Otras obras de la colección que se pueden observar en esta sala son El Constitution y El Guerriere, de Thomas Birch, o el famoso retrato de George Washington, de Gilbert Stuart.

La siguiente sala abarca de 1830 a 1880 y está dedicada a la Expansión y Fragmentación del país, con acontecimientos tan importantes como la compra de Lousiana o la Guerra de Secesión (1861 – 1865). Tras la Guerra de la Independencia, los promotores de Bellas Artes y los ciudadanos comenzaron a debatir entre ellos que significaba ser norteamericano en la búsqueda de la identidad nacional. De esta forma nacieron las llamadas pinturas de género (las cuales describen la vida del momento y los paisajes nacionales), simbolizando así el potencial emergente de la nación. Las obras más destacadas de la sala son la Vista de las Cataratas del Niágara, de Hermann Herzog, La Tierra Prometida – La familia Grayson, de William S. Jewett, y Hogar, Dulce Hogar, de Winslow Homer (obra inspirada en la Guerra de Secesión).

El periodo que abarca de 1880 a 1915 es el del Cosmopolitismo y el Nacionalismo, y el arte de esta época se caracteriza por reflejar el miedo y la incertidumbre a la que los Estados Unidos se enfrentaron cuando salieron por vez primera a la escena mundial, en una época caracterizada por las grandes migraciones y por la aparición de nuevas tecnologías. En relación a esto podemos ver obras como Tarde Invernal, East River, Calle 59, Nueva York, de Gifford Beal.

La Modernidad y el Regionalismo (1915 – 1945), es una época muy influyente y controvertida, marcada por la instigación política de entreguerras, La Gran Depresión, el nacimiento del Jazz y de la vida cultural urbana. Todo esto llevó a los artistas a tener una mayor conciencia social y a preocuparse por los problemas de su nación. En este marco podemos observar algunas de las mejores obras de toda la colección, como Sábado Noche, de Archibald J. Motley, Pip y Flip, de Reginald Marsh o algunas obras del gran Edward Hopper (uno de mis artistas favoritos a nivel personal).

La siguiente sala, Prosperidad y Desilusión (1945 – 1980), nos narra el nacimiento del Expresionismo Abstracto durante la época en la que los Estados Unidos se convirtieron en una superpotencia a nivel mundial. Se trata este de un nuevo tipo de arte en el que los artistas dan una mayor importancia al progreso creativo, expresando su preocupación por el lado oscuro del hombre y por su vulnerabilidad. Entre las obras que se exponen podemos encontrar Nº 18, de Jackson Pollock o Sin Título, de Arshile Gorkoy.

La siguiente sala del recorrido está dedicada al Arte Pop. La década de los 60´s fue muy provocadora en lo que a cultura, política y filosofía se refiere. En este contexto en el que EEUU se había convertido en una sociedad industrializada, consumista y preparada para la llegada de la era de la información, surgieron nuevos artistas en ciudades como Nueva York o Los Ángeles que proponían un arte basado en lo cotidiano y en lo producido en masa, viéndose además influenciado por el cómic, las revistas y la televisión. Podemos apreciar obras como Rubia Lulú con Suerte, de Mel Ramos o Grrrrr!!, de Roy Liechtenstein.

El llamado Minimalismo es un movimiento caracterizado por la preponderancia de la escultura frente a la pintura, aunque de una forma bastante original e innovadora. Autores como Robert Morris, Donald Judd y Dan Flavio crearon obras muy originales utilizando para ello materiales como el fieltro, los tubos de Neón o el metal, creando un nuevo concepto de arte. En relación a esto, podemos ver obras como Pasillo Escenificado, de Bruce Nauman o Sydney Guberman, de Frank Stella.

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"No es País para Viejos" arrasa en los Oscar

Diomedes — Mon, 25 Feb 2008 13:17:00 +0100

Por Diomedes en La Ciudad de los Náufragos el 25 de febrero de 2008 a las 13:17:00

La nueva película de los hermanos Coen, "No es País para Viejos", arraso anoche en la 80º Edición de los premios de la Academia, llevándose 4 Oscars de los 8 a los que estaba nominada, incluyendo el de mejor película, mejor director (exacuo para Joel y Ethan Coen, la primera vez que ocurre dentro de esta categoría en la historia de estos premios desde West Side Story, en 1961), mejor actor secundario para Javier Bardem y mejor guión adaptado, también para los Coen, por lo que la cinta se convirtió en la gran triunfadora de la noche. Por otro lado, Daniel Day-Lewis obtuvo su segundo oscar por su brillante interpretación de un buscador de petróleo en "Pozos de ambición", mientras que la francesa Marion Cotillard ganó el premio a la mejor actriz por su trabajo en "La Vie en Rose", un biopic acerca de la vida de la cantante Édith Piaf.

Una de las sopresas más gratas de la noche fue para la británica Tilda Swinton, la cual obtuvo un oscar a la mejor actriz secundaria por su papel en "Michael Clayton", (cinta nominada a otros seis galardones), mientras que "Juno" fue finalmente premiada con el oscar al mejor guión original para Diablo Cody.

Desgraciadamente, el compositor español Alberto Iglesias no obtuvo el premio a la mejor banda sonora, categoría en la que estaba nominado por su trabajo en "Cometas en el Cielo", de Marc Forster, llevándose finalmente el premio Mario Marianelli por "Atonement".

Podeis obtener más información acerca de la ceremonia de entrega aquí

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Crítica de "Michael Clayton" (2007)

Diomedes — Thu, 21 Feb 2008 02:28:00 +0100

Por Diomedes en La Ciudad de los Náufragos el 21 de febrero de 2008 a las 02:28:00

Un brillante Thriller que nos sumerje en los entresijos del mundo judicial

Como ya comenté en entradas anteriores, la semana pasada tuve la oportunidad de ir al cine con mis compañeros de facultad a ver la última y esperada obra de los hermanos Coen, No es País para Viejos, de la cual ya realicé una pequeña crítica a la que podéis acceder a través de este blog.

Como es habitual, antes de decantarnos por esta película tuvimos que discutir alguna de las opciones que la cartelera de Cinesa nos ofrecía en aquel momento, entre las que se encontraban 30 días de Oscuridad, Juno y Michael Clayton.

A pesar de que la película de los Coen me encantó, y de que la decisión de ir a verla no pudo haber sido más acertada, si que es cierto que por alguna extraña razón, me quedé con ganas de poder visionar Michael Clayton en algún otro momento, ya fuese en esa misma semana o en cualquier otra. Lo cierto es que a día de hoy todavía no he podido encontrar la respuesta al por qué de esa extraña sensación (motivada seguramente por las buenas críticas que pude leer acerca de la cinta desde el momento de su estreno) , pero lo que si os puedo decir es que ya he tenido la oportunidad de ver la película, así como de realizar un análisis acerca de este nuevo y sorprendente thriller judicial que nos llega de la mano del realizador neoyorkino Tony Gilroy, el cual se estrena como director con esta inquietante obra.

La película nos sitúa desde un principio en los entresijos del mundillo abogacil. Michael Clayton (George Clooney), es un atormentado abogado que trabaja para uno de los bufetes más prestigiosos e importantes de la ciudad de Nueva York. A pesar de ser licenciado en derecho y de trabajar en calidad de abogado, su trabajo tiene otras características más particulares, ya que realmente se dedica a solucionar los problemas de sus clientes de la forma más rápida y sencilla posible (por muy graves que estos sean), o como el mismo dice al principio de la película, “yo me dedicó a dar soluciones, no a crear milagros”.

Además de su trabajo, Michael tiene otros problemas en su vida personal. Es un ludópata empedernido con muchas dificultades para poder dejar el juego, lo que le ha ido sumiendo progresivamente en un mar de deudas del que no puede salir. A pesar de esto, el letrado consigue cumplir exitosamente con todos y cada uno de los trabajos que le encarga su jefe, el también abogado Marty Bach (Sydney Pollack).

Es precisamente poco después de cumplir uno de estos trabajos cuando el coche de Michael explota envuelto en llamas sin ninguna causa aparante, consiguiendo escapar de la muerte casi de forma milagrosa. Acto seguido, la película nos transporta cuatro días antes de que se produzcan todos estos hechos, pudiendo ver al abogado inmerso en un caso bastante especial, delicado, y de carácter personal: Arthur Edens (Tom Wilkinson), es un famoso abogado y amigo de Michael que parece haber perdido el juicio tras trabajar durante largo tiempo en un caso relacionado con una empresa llamada U-North, la cual parece ser responsable de la muerte de un buen número de granjeros debido a la utilización de un nuevo herbicida tóxico. A partir de este momento, Michael arriesgará su propia vida para tratar de llegar a la verdad, mientras que una abogada sin escrúpulos (Tilda Swinton), hará todo lo posible por cerrar el caso cuanto antes.

Michael Clayton se trata de un excelente thriller que sigue la línea de otras películas destacadas del género como El Dilema o La Tapadera, cintas en las que se advierte la presencia de un protagonista (ya sea abogado o no), que tiene que hacer frente a multitud de adversidades en un mundo marcado por la corrupción legal en el que nada es lo que parece.

El guión de la película (escrito también por el propio director, Tony Gilroy), está bastante bien trabajado y estructurado, mientras que el montaje nos ofrece una forma alternativa de contar la historia, haciendo uso de los saltos temporales y de una acción pausada pero que no se hace lenta en ningún momento del film. Por otro lado, James Newton Howard nos ofrece una banda sonora más que correcta, la cual aporta mucho en el transcurso de la película aunque sin grandes concesiones.

Pero sin duda alguna, lo mejor de la película son las actuaciones de los protagonistas, especialmente las de George Clooney, Tom Wilkinson y Tilda Swinton, los cuales están magníficos en las representaciones de sus respectivos personajes. En el caso de George Clooney, la película nos muestra perfectamente como el personaje debe compaginar la rutina de su vida laboral con los problemas que se encuentra cuando regresa a la vida personal (las deudas, el criar a sus hijos, la mala relación que tiene con su hermano), pudiendo ver a un Michael Clayton atormentado y desesperado, mientras que Tom Wilkinson está soberbio en su caracterización del perturbado Arthur Edens, algo a lo que el actor británico nos tiene acostumbrados desde hace largo tiempo. Por su lado, Tilda Swinton interpreta también muy bien a la malvada abogada Karen Crowder, la cual está dispuesta a hacer lo que sea con tal de conseguir sus objetivos.

La película (cuyos productores son gente de la talla de Steven Soderbergh, Anthony Minghella, Sydney Pollack y el propio George Clooney), ha sido nominada para siete premios Oscar, entre ellos a la mejor película y al mejor director, lo que nos puede indicar que a lo mejor nos llevemos una sorpresa en la edición de este domingo.

En conclusión, una película muy recomendable y que creo que puede sorprender a más de uno.

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Visita al Museo Guggenheim de Bilbao

Diomedes — Tue, 19 Feb 2008 00:22:00 +0100

Por Diomedes en La Ciudad de los Náufragos el 19 de febrero de 2008 a las 00:22:00

Aprovechando que el nuevo cuatrimestre universitario acaba de empezar y no hay mucho trabajo que hacer (al menos de momento), os anuncio que trataré de desplazarme un día de esta semana hasta Bilbao para poder visitar el museo Guggenheim (y muy especialmente), para contemplar la exposición pictórica que lleva por título Arte en USA: 300 años de innovación, la cual contiene algunos de los mejores trabajos artísticos desarrollados en los Estados Unidos durante los últimos tres siglos (sobretodo del Siglo XX), y de la que tuve oportunidad de disfrutar hace unos meses. En esta ocasión dispondré de más tiempo para verla, lo que significa que podré realizar un comentario amplio acerca de mis impresiones de forma que todos podais acceder a el a través de este blog.

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Agradecimientos a Eolapaz

Diomedes — Sun, 17 Feb 2008 19:49:00 +0100

Por Diomedes en La Ciudad de los Náufragos el 17 de febrero de 2008 a las 19:49:00

Mi más sincero agradecimiento a toda la comunidad de Eolapaz por poder contar con su apoyo. Es todo un honor viniendo del colegio en el que pasé casi 14 años de mi vida (lo que me recuerda que tengo que volver a hacer una visita a la que fue mi segunda casa durante tantos años jeje) Como ya he dicho anteriormente, trataré de ir subiendo críticas, comentarios y noticias acerca de las materias culturales que nos interesan. Un fuerte abrazo para todos!!

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Crítica de "No es País para Viejos" (2007)

Diomedes — Sun, 17 Feb 2008 00:08:00 +0100

Por Diomedes en La Ciudad de los Náufragos el 17 de febrero de 2008 a las 00:08:00

Un fiel reflejo de los problemas actuales que padece la sociedad norteamericana

Hace poco menos de una semana, tuve la oportunidad de ir al cine con dos buenos amigos de la facultad a ver la última y esperada película de los hermanos Coen, “No es País para Viejos”, por lo que indudablemente me veo obligado a colgaros una pequeña crítica acerca de uno de los largometrajes más esperados del año.

A pesar de que en un principio se barajaron otras posibilidades de visionado como Juno, 30 días de oscuridad, e incluso John Rambo (ejem…), la incertidumbre a la que Joel y Ethan Coen nos tienen normalmente acostumbrados pudo más que cualquier otra cosa, y tras engullir una copiosa comida, los tres nos dirigimos raudos y veloces a comprar las entradas para la sesión de las 16:45 h.

Cuando llegamos a la sala, esta estaba a rebosar de gente (algo muy extraño siendo un Lunes por la tarde), por lo que nuestra expectación no hizo más que crecer y crecer. Cuando apagaron las luces……esto fue lo que vimos.

Oeste de Texas, 1980. Anton Chigurh (Javier Bardem), es un asesino a sueldo que, tras asesinar brutalmente a un ayudante del Sheriff Tom Bell (Tommy Lee Jones), escapa de la comisaría en la que estaba detenido armado únicamente con una bombona de gas a presión (como las que se utilizan para matar al ganado), dejando claro a partir de ese momento que además de ser un asesino, es un completo psicópata. Tras la rápida sucesión de estos acontecimientos, Llewelyn Moss (Josh Brolin), un veterano de la Guerra de Vietnam convertido en cazador, vaga por los áridos parajes de la frontera mexicana en busca de presas, cuando de repente, se da de bruces con lo que parece haber sido el escenario de un reciente tiroteo sangriento: cinco coches agujereados, varios hombres tiroteados junto a un reguero de casquillos de bala y – muy especialmente – un pistolero gravemente herido que suplica agua y un gran cargamento de droga en la parte trasera de una camioneta. Todos estos sucesos llevan a Llewelyn hasta un maletín de cuero que contiene una gran suma de dinero, el cual es trasladado por nuestro protagonista en el más completo silencio hasta la caravana en la que vive con su mujer, Carla (Kelly Macdonald).

Esa misma noche, y con la conciencia intranquila por haber abandonado a aquel hombre que imploraba agua en el desierto, Llewelyn se dirige con su camioneta al lugar de los hechos con la intención de llevar agua a aquel pistolero y, quien sabe, de hasta conducirle a un hospital. Cuando llega al escenario del tiroteo, todo se complica para nuestro protagonista: no solo descubre que el hombre que había abandonado el día anterior ha sido ejecutado, sino que un grupo de asesinos que acaba de llegar al lugar del crimen, trata de dar caza a Llewelyn. A partir de este momento la historia dará un vuelco total, iniciando una violenta persecución en la que el asesino Anton Chigurh tratará de recuperar el maletín desaparecido a toda costa, siguiendo los pasos de Llewelyn hasta sus últimas consecuencias.

Sinceramente, y sin dar ningún tipo de rodeo, si hay algo que esta película nos puede enseñar, es el hecho de que aún merece la pena pagar el precio que vale una entrada de cine si es para ver una obra como No es País para Viejos. Tras visionar obras maestras de los hermanos Coen como las míticas Fargo, Barton Fink, o su ópera prima, Sangre Fácil, jamás pensé que este dúo de cineastas de Minnesota pudiese volver a poner el listón tan alto, sobre todo tras unos años un poco vacuos con películas como Ladykillers o Crueldad Intolerable, que a pesar de ser películas entretenidas y de una calidad técnica y artística bastante aceptable, no llegan a la maestría de las anteriores.

La cinta (que es una adaptación de la obra homónima del escritor Cormac McCarthy), nos traslada a un paisaje vasto, triste y desolado que nos recuerda enormemente a los afamados Spaghetti Western de Sergio Leone (o incluso a la violenta obra de Sam Peckinpah , Grupo Salvaje), llegando a transformar la película en un brillantísimo thriller con toques de Western centradose tanto en los aspectos violentos que caracterizan a la historia, como en la psicología de los propios personajes, todo ello aderezado con los geniales tópicos que son característicos del cine de los hermanos Coen. Elementos como los diálogos (muy trabajados y con importantes significados), la estética de los personajes (véase el corte de pelo de Javier Bardem, que le hace aparentar un psicópata total), la ausencia casi completa de música a lo largo de la película, o los pequeños guiños a otras obras de los Coen (el maletín del dinero es muy similar al que se puede ver en Fargo), confieren a esta cinta un estatus muy alto, unido además a unas interpretaciones realmente excepcionales como la de Javier Bardem (ganador del Globo de Oro y nominado al Oscar al mejor actor secundario por este papel), el cual interpreta a la perfección el papel del asesino psicópata Anton Chigurh, que armado con una escopeta con silenciador y una bombona de aire comprimido, hace saltar del asiento a más de uno con su sola presencia. A pesar de que la actuación estelar de Bardem llega a eclipsar la película en algún momento, las actuaciones de los demás actores son también de una gran calidad y nada desdeñables, como la de Josh Brolin (genial en su caracterización del buscavidas Llewelyn Moss), la de Tommy Lee Jones, o la de Kelly Macdonald, muy acertada en su papel de mujer del protagonista.

Por otro lado, aspectos técnicos como la fotografía (como siempre, a manos del gran profesional Roger Deakins), o el montaje (pausado y muy centrado en los pequeños detalles), acaban por conferir a esta cinta una calidad excepcional, a la que no estamos acostumbrados en el cine que se hace hoy en día. En definitiva, una película altamente recomendable y una de mis favoritas para la próxima edición de los premios Oscar, que se celebrará el día 24 de Febrero. No os desvelo más detalles y os animo a verla, para que opinéis con vuestras propias palabras.

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Inaguración oficial del Blog

Diomedes — Sat, 16 Feb 2008 16:05:00 +0100

Por Diomedes en La Ciudad de los Náufragos el 16 de febrero de 2008 a las 16:05:00

No tengo palabras. Tras los comentarios de apoyo depositados en este blog por buenos amigos y personajes ilustres como mi gran amigo Fernando Sánchez, uno de los mejores cineastas de Cantabria (y que sin duda llegará a ser una de las promesas más importantes del cine español), y de la gran escritora de relatos y también amiga de este vuestro anfitrión, María Suárez, he decidido inagurar oficialmente esta web, así como adelantaros que próximamente os subiré mi primera aportación seria en este blog: una crítica personal de la última película de los hermanos Coen, No es País para Viejos, de la cual he podido disfrutar recientemente en una sala de cine.

Aunque el blog esté dedicado principalmente a materias culturales del Siglo XX, he decidido dedicarle también un rinconcito a los nuevos estrenos que se han producido, y que se producirán en este siglo, ya que al fin y al cabo, soy estudiante de historia, tanto de la pasada como de la presente.

Un fuerte abrazo y os espero a los demás pronto!!

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Inicio del Blog

Diomedes — Thu, 14 Feb 2008 14:57:00 +0100

Por Diomedes en La Ciudad de los Náufragos el 14 de febrero de 2008 a las 14:57:00

Hola, buenas tardes a todos/as y sed bienvenidos a la primera entrada de este blog. He decidido crearle con la esperanza de aglutinar a todas aquellas personas que sienten una fascinación común por los distintos elementos culturales que han caracterizado a nuestro pasado siglo XX: cine, música, literatura, arte y todas aquellas sub-culturas a las que tanto nos hemos aficionado hoy en día. Soy estudiante de Historia (al menos en parte) en alguna universidad del norte de nuestro país, pero siempre dispongo de algún rato libre para poder colgar multitud de comentarios y críticas de los diversos temas que os propongo, por lo que os animo a poner vuestras propias opiniones. Incluso trataré de subiros alguna de mis humildes aportaciones en estas materias (ayayay). Espero veros pronto, un saludo!

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